POSTMORTEM... Entre asesinos en Serie, Cervezas, Gore y Risas (ENTREVISTA)

 

Hay muchas bandas que se llaman como estos alemanes, de hecho, casi nadie piensa en ellos cuando escuchan el nombre POSTMORTEM, suponiendo, casi todo el mundo pensaría en SLAYER, luego en la banda de USA, que como bien señala Marcus Marth (G), se debe escribir separado: POST MORTEM… Pero nunca pegado, porque ese serían los POSMORTEM germanos. Quienes han venido tocando Death Metal desde sus inicios, por allá en 1991, cuando lanzaron su primer demo “Secret Lunacy”, que hoy es bastante apetecido por los coleccionistas de demos. A nivel personal, opimo que su mejor material es el disco conceptual sobre asesinos en serie: The Age of Massmurder, segundo álbum, lanzado en el ’97 por la mítica Morbid Records. El cual es toda una increíble descarga Death ‘n’ Roll con algunos reflejos eléctricos de Thrash teutón. No obstante, POSTMORTEM han continuado activos por todos estos años, lanzando álbumes (7 en total) y recorriendo los mejores festivales de metal en toda Europa. Con lo que se han ganado el respeto de la escena de su país natal. La siguiente entrevista fue respondida por 2 cofundadores del grupo, su vocal y en algunos disco bajista: Matthias "Doc Putz" Rütz y Marcus Marth guitarrista. 

NOTA:ENTREVISTA PUBLICADA ORIGINALMENTE EN BN FANZINE #6, 1RA VEZ QUE SE PUBLICA EN INTERNET 

¡Saludos Marcus y Putz! Bienvenidos a nuestras páginas ¿podrían hacer un breve recuento histórico de la banda?
Marcus: ¡Hola! Oh, yo creo que es demasiado…está bieN si lo hacemos corto?: hemos tomamos mucha cerveza, pero aquí vamos ¡POSTMORTEM! HAHAHAHAH … 
Putz: solo está bromeando. Nosotros éramos metaleros y así vino la idea de empezar una banda. El primer intento duró como cuatro años. Cuando Putz y Tilo, así como nuestro antiguo baterista Thäle, se involucraron, a partir de allí, sí se puede hablar de que éramos una banda. Esto ocurrió a principio del 1991. Había encontrado músicos que eran tan serios como yo, en el transcurso de 8 meses teníamos mucho material escrito para hacer nuestro primer demo. Entonces fue  fácil, siguió el segundo demo y obtuvimos nuestro primer contrato por un álbum, tocamos conciertos por toda Europa y así pasaron 25 años. ¡Diablos!
 

¿Imagino que cuando escogieron el nombre de la banda, no tenía idea de que en USA existía otra POSTMORTEM que había descargado Thrash Metal en los 80s?
Marcus: Sí, pero esta banda de USA se llamaba POST MORTEM, nosotros somos POSTMORTEM. Los tipos de POST MORTEM son unos locos buena gente, en aquellos días, nosotros les escribimos una carta preguntándoles si todavía eran una banda, contándoles que nosotros escribíamos el nombre de la banda de forma diferente y ellos no tuvieron problema con ello. Además, esa banda se estaba tomando un tiempo fuera. Años después, cuando el Internet estaba en auge, estuve en contacto con uno de los integrantes de la banda, planeamos un par de shows juntos, que hubieran sido grandioso, ¿te imaginas una gira de POST MORTEM y POSTMORTEM? Ha ha ha ha!
 

¿Qué música te hace enojar?
Marcus: Ninguna. Toda la música está bien. No todo suena bien, pero es música. Aunque ese Hip Hop es… ¡horrible!
 

 

 

¿Por qué les tomó tanto tiempo sacar su 1er larga duración “Screams of Blackness-1994” sí ustedes se formaron a principios de los ‘90s?
Marcus: nos formamos en 1991 y lanzamos en 1991 el 1er demo. En 1992 ganamos un concurso para poder tocar en un festival de metal underground, empezamos a trabajar en nuestro 2do demo y obtuvimos nuestro primer contrato en 1993, un año después lanzamos nuestro 1er álbum, para mí el tiempo está correcto. 

 
¿Qué música o canción te hace sentir bien?
Putz: ok, diré todos los discos de Judas Priest de los 80s.
 

POSTMORTEM y MORGOTH probablemente fueron los únicos grupos Alemanes que no alteraron drásticamente su sonido, así como otros grupos compatriotas como ATROCITY, CREMATORY o PYOGENESIS ¿qué opinan sobre esto?
Putz: si de verdad te gusta este estilo de música, te vas a traicionar si cambias el estilo o el género, solo por vender más discos… Creo que eso no es ser honesto, todo el mundo debería saber esto, si de verdad quieren enfrentarse a ustedes mismos, frente a un espejo. 
Marcus: En el caso nuestro, hacemos música para nosotros mismos, considero que esa es la razón por la que nunca cambiamos nuestro estilo, esto sería parecido a cambiar tu estilo o personalidad, no somos esa clase de personas, ya sabes…
 

¿Qué los hace enfadar?
Putz: que no haya suficiente cerveza después de un show.
Marcus: … ¿Después de un show? Antes y durante este ha, ha…
 

Todavía me pregunto por qué POSTMORTEM sigue siendo tan desconocida para mucha gente fuera de Alemania ¿tal vez tocar Death Metal a mediados de los 90 era difícil sí tenemos en cuenta la avalancha de bandas de Black Metal que se esparcían por todo el viejo continente?
Putz: no estoy de acuerdo, al menos a comienzos de los 90 fue la época dorada para bandas de Death Metal como nosotros. Tocamos nuestro primer show en frente de mil personas, el Death Metal era la gran cosa a principios de los 90. Pero, estás en lo cierto con que en la mitad de los 90 el levantamiento del crossover ocasionó una gran ruptura.
 

¿Qué los hace felices?
Putz: compartir una botella fría de Pilsener Urquell con mis compañeros de banda.
Marcus: …agrega también Vodka con jugo de cereza…
 

¿Cómo calificarían la experiencia de trabajo junto a Morbid Records, ellos todavía están activos?
Putz: no ellos cerraron en 2008. Pasamos un buen tiempo con Morbid Recs. Ellos vivieron para el metal y la escena underground desde el principio hasta el final.
Marcus: ellos eran nuestros amigos y eso es todo. En 2001 cerramos el contrato, en los días en que también nos separamos de nuestro primer baterista.
 

Hablando en términos de sexo ¿qué cosa no los enciende?
Putz: las tetas plásticas.
Marcus: ha ha ¿hablas en serio?... para mí, pelo en las piernas oughhhhh...
 

Conocí POSTMORTEM gracias a la canción “The Manson Cult” del que considero mi álbum favorito de tu banda, el súper pegajoso “The Age of Massmurder” (1997)  ¿quién escribió esa canción sobre la familia Manson? ¿Tienes alguna opinión personal sobre Charlie Manson?
Putz: en esos días tuve una idea de escribir letras para un álbum conceptual, especialmente sobre asesinos en serie, así que no había forma de alejarnos de Charlie Manson. Y como todas las canciones que componemos, las hacemos juntos, Marcus, Tilo y el baterista, hacen todo el rifeo y finalmente yo introduzco las letras en los tracks. En esa instancia, todos estábamos dispuestos a escribir un disco con letras sobre el verdadero mal y cosas desagradables, así se dio paso al álbum conceptual “The Age of Massmurder”. Personalmente, pienso que Manson se volvió loco con todo ese uso del LSD, cómo más se podían crear esas enfermas fantasías en su cerebro. Así fue como se desplegó su iconicidad como asesino en serie con el paso del tiempo.
 

Ahora volviendo al plano del sexo ¿Qué los excita más?  
Putz: un gangbang al aire libre en un parqueadero, pero solo con MILFS!!!!
Marcus: chicas… ¡una mamada! Pero solo de chicas ha ha ha ha (ED. Creo que esa aclaración sobra hahahhaha)      
 

“The Age of Massmurder” es prácticamente una oda para infames

asesinos de la talla de Ted Bundy, Edmund Kemper, Henry Lee Lucas, Albert Fish etc. ¿Cuál de estos enfermos personajes te hace enfermar más?
Putz: todos ellos son sujetos sanguinarios, locos y dementes en una forma u otra. Yo estaba bastante fascinado por estos tipos alemanes Kürten o Haarmann, porque si bien muchos son de Norte América, la cierto es que han estado por todo el mundo desde el medio evo a hasta hoy. Y bien, la idea no era del todo nueva, pero a qué importa, porque el tópico era real, no como esa fantasía sobre el mal… asesinos de verdad, víctimas verdaderas, historias reales de las cosas más desagradables que puedas imaginar. Lo único que tuve que hacer para escribir las letras del TAoM fue leerme todas esas biografías de los asesinos o historias sin resolver donde asesinos en serie eran los presuntos responsables. Todavía hoy me siento fascinado por todo esto, muchas de mis letras están inspiradas en asesinos en serie.
 

Sí pudieras escoger una actriz de Hollywood para tener sexo, ¿a quién escogerías?
Putz: a Sharon Tate, pero tendría que utilizar una máquina del tiempo ha ha ha ha ha….
Marcus: excelente, yo voy también!!!
 

La película Der Totmacher (sobre Frizt Haarmann) les sirvió de inspiración para su ep del ’94 lanzado por Morbid Records. ¿Imagino que han visto la película de Fritz Lang sobre Peter Kürten?
Putz: todo obedeció a que Fritz Haarmann continua siendo el asesino en serie más famoso de Alemania. M, La película de Fritz Lang, tomó como modelo algunos aspectos de la vida de Haarmann, aunque el personaje de la película está inspirado en otros asesinos de su tiempo. (ED. De hecho esta película está basada en el asesino de Dusseldorf, Peter Kürten) Peter Lorre es grandísimo, buena película. 
 

¿Cuál es tu película favorita?
Putz: 'Nosferatu' de Friedrich Wilhelm Murnau de 1922.
Marcus: Life of Brian and the Holy Grail / Monty Python.
 

Me gustaría conocer la historia detrás de la portada del “The Age of Massmurder” es bastante desagradable. Me pregunto si tuvieron algún problema de censura, les pregunto esto porque conozco que algunas portadas de CANNIBAL CORPSE fueron vetadas en Alemania.
Putz: yo soy el responsable de la mayoría de nuestras portadas, incluida la del TAoM, es un collage de una de las víctimas de Jack el Destripador y sabes que todos sus asesinatos fueron putamente violentos. Pero no tuvimos ningún problema por esa portada, el problema vino de las letras. El álbum fue lanzado justo durante los asesinatos de Dutroux y mucha gente quiso colgarnos por haber sacado ese disco de mal gusto. No sé si conozcas sobre este caso de asesinato y pedofilia acá en Europa. (ED. La verdad no, pero prometo googlearlo en breve…) No obstante. La canción “Totmacher” alcanzó un estatus de hit y en retrospectiva estamos orgullosos de tener un disco prohibido en nuestra historia musical.
 

¿Cuál es su álbum favorito?
Putz: CELTIC FROST 'To Mega Therion'   
Marcus: esto es grandioso…. !Sí!.... es el Reign in Blood de Slayer.
 

Me parece que “Repulsion” fue el último álbum de lo que yo llamaría el primer periodo de la banda, además es el último disco de la trilogía Deathroll, junto con sus 2 primeros álbumes. ¿Qué los hizo renunciar al final de los 90 y qué los hizo regresar una década después en 2008?
Putz: nosotros nunca renunciamos, en realidad no contamos con una buena alineación entre el 2000 y el 2006. Fue muy duro encontrar otro baterista desde nuestra ruptura con nuestro antiguo baterista Thäle. Nosotros no solo queríamos a un tipo nuevo que tocara la batería, lo que buscábamos era un amigo y buen compañero para la banda, así como Max (baterista actual) quien entró a nuestro tanque de guerra en 2006, encontramos esa persona que era capaz de tocar la batería como ninguno y al mismo tiempo que encajara con nosotros- Esa fue la razón de por qué lanzamos nuestro primer lp 10 años después en 2008. Y créeme que nuestro tanque de batalla llamado POSTMORTEM continúa siendo una mortal máquina de asesinar, ¡ahora más que nunca!
Marcus: es cierto, sobre el álbum “Constant Hate”. Volvimos al ring con nuevo poder, fuerza completa y agresividad. 

 
¿Cuál es su mala palabra favorita?
Putz: Shrubberry!!
Marcus: vacío. (de cervezas y tragos ha ha ha!)

 

No sé sí estén familiarizados con la banda colombiana llamada MASACRE, la traigo a colación porque la portada de su álbum Sacro-1996 es la misma portada usada por ustedes en su regreso “Constant Hate” se trata de la pintura clásica de Otto Dix titulada “La Guerra” 

Putz: usualmente yo creo todas las portadas, pero para un disco tan importante queríamos una imagen extraordinaria. En el contexto de las letras estábamos buscando algo sobre guerra y destrucción, así fue como hayamos esa pintura de Otto Dix que además representa una declaración drástica en contra de la guerra.   
¿Cuál es la peor comida/bebida que han probado?
Putz: picadillo de sesos de becerro.
Marcus: ostras y caracoles.

 
La canción llamada War Anthem de su álbum de 2010 “Seeds of Devastation” ¿podría ser interpretada como un pequeño tributo al sello Alemán War Anthem Records?
Putz: sí un poco. Ellos son buenos amigos y les damos las gracias con ese instrumental al final de ese álbum.

 
Digamos que tienen la oportunidad de hacer un jam con un músico que ya murió ¿a quién escogerían?
Marcus: Jeff Hannemann o Udo Jürgens. (ED. Con Udo Jürgens ha ha ha espero que sea broma.)
 

El álbum “Bloodground Messiah-2012” hay una canción llamada “Santa Muerte” ¿cuéntanos la historia detrás de esa canción?
Putz: mientras escribía las letras para “Bloodground Messiah” veía la serie de TV Dexter, en una de sus temporadas salieron los llamados asesinatos de la santa muerte, eso sonaba genial para mí, así que leí más sobre los antecedentes y orígenes del ritual “Santa Muerte” en México y algún tiempo después, tenía la letra completa para esa canción.

 
Sí no hubieran sido músicos ¿a qué otra profesión se dedicarían?
Putz: sería un millonario en las Bahamas.
Marcus: sería James T. Kirk.
 

Hablemos un poco sobre el último disco de POSTMORTEM editado en 2014 “The Bowls of Wrath” ¿cómo contrastarías el sonido de ese álbum con el sonido de los primeros años de la banda?
Putz: primero serían las posibilidades técnicas que ahora tenemos para grabar un álbum y segundo la buena vibra que hay entre nosotros, cuando tocamos o escribimos canciones juntos. Ahora somos más maduros musicalmente hablando. Espero que lo puedas notar cuando escuches nuestros álbumes posteriores.
 

Ya para terminar… en una frase ¿cómo definirían al POSTMORTEM actual?
Putz: crudo, sucio sin compromisos y directo a tu cara. 
Marcus: … y ¡sin piedad!
Putz: sí siempre tiene que ser sin piedad, gracias por el apoyo y ¡no olviden beber!

Between the ancestral and the modern: the sonic alchemy of RAKINUA - INTERVIEW

 

Rakinua makes its debut with Esi Um Ninu – Heal Us, Mother, a conceptual album presented as a ritual journey between the ancestral and the contemporary, where dark folk, progressive metal, and mystical storytelling converge within a unified sonic structure. The band builds a universe inspired by ancient Raetic cultures, transforming each song into a fragment of a larger narrative guided by oracular figures and ceremonial voices. More than a simple debut, the record serves as an immersive experience that blends cinematic atmospheres, tribal percussion, acoustic passages, and bursts of metallic intensity. In this interview, we explore the conceptual origins of the project, the construction of its narrative, and the role of ritual within a work that seeks to transcend the traditional album format.

Rakinua presents itself as a project with a strong mythological and ritualistic dimension. How did the need arise to build such a specific narrative universe around “Esi Um Ninu”?
VELIS: Everything started with the deep wish to build something connected that is authentic, that fits our vibe. So the first thing we knew was, that we want to create a concept album that is based on a long forgotten population that used to live in the Alpine area where we grew up. The more we read, the more findings of these times we saw in museums, the more our creativity was engaged and so our own artistic universe started to take shape in terms of stories, lyrics and
music.
 

The album works as a fragmented story told through songs and interwoven voices. Was it conceived from the beginning as a complete narrative, or did it evolve during the musical composition process?
VELIS: To connect the songs with narrations that also are a representation of the visions of the oracle Madame Noctinebra, was already conceived like this from the very beginning. The visions are completely out of the concept of time and so is Madame Noctinebra. Visually you will see that in the way she is dressed. The narrations are not only a mirror of moods but also enchanting with beautiful organic soundscapes.

The record blends elements of folk, progressive metal, and almost cinematic passages. How do you manage to balance acoustic, ritualistic, and extreme elements without losing coherence?
VELIS: it has never been a “planned on the table” record, therefore the balance came completely spontaneous and the result satisfied us from the very early stages. Of course, we didn’t know what we would have gotten in the end, when the pre-production process started, we still weren’t aware of the quantity of elements that we would have had to balance. But it still works
fine to this day.

Female vocals and oracular narrative voices play a central role in the album’s atmosphere. What do these figures symbolize within the overall concept of the work?
 

VELIS: To be honest, Rakinua is not completely comparable with the quoted bands, at least not to the core. The sound, the background and the visuals developed through the creative process into something very unique. It was very essential for us not to be the next “xy”. The time brought inspiration and ideas which matured slowly until we were satisfied and for sure we always aim
for more inspiration.

Critics have compared your sound to bands like Wardruna, Opeth, or Myrkur, although the project seems to go beyond these influences. How do you define Rakinua’s sonic identity yourselves?

 
VELIS: To be honest, Rakinua is not completely comparable with the quoted bands, at least not to the core. The sound, the background and the visuals developed through the creative process into something very unique. It was very essential for us not to be the next “xy”. The time brought inspiration and ideas which matured slowly until we were satisfied and for sure we always aim for more inspiration.

The album is deeply connected to ideas of ancestry and spirituality. Is this purely an artistic construction, or is there also a personal or philosophical exploration behind this imagery?
VELIS: It’s a combination of both. It’s an expression of our philosophical and spiritual believes translated into art.

“Esi Um Ninu” feels like an album designed to be experienced from start to finish, almost like a theatrical or cinematic work. How important is the concept of a full album to you in an era of fragmented listening?
VELIS: For sure, we are telling a story and we recommend to experience it with good headphones in a high quality version to experience every layer and it’s richness. On the other hand- The songs are also enjoyable as parts of the whole journey. This is only the first chapter of the saga. Where is Rakinua heading after 

“Heal Us, Mother”: toward greater darkness, further narrative expansion, or a completely different evolution?
VELIS: What I can reveal at this point is, that the story is continuing but due to the fact that Esi um Ninu ends with a big question mark, the way it will go on will be surprising.

 

 

 

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Entre lo ancestral y lo moderno: la alquimia sonora de Rakinua - ENTREVISTA

Rakinua debuta con Esi Um Ninu – Heal Us, Mother, un álbum conceptual que se presenta como un viaje ritual entre lo ancestral y lo contemporáneo, donde el folk oscuro, el metal progresivo y la narrativa mística convergen en una misma estructura sonora. La banda construye un universo inspirado en antiguas culturas raéticas, transformando cada canción en un fragmento de una historia mayor guiada por figuras oraculares y voces ceremoniales. Más que un simple debut, el disco funciona como una experiencia inmersiva que mezcla atmósferas cinematográficas, percusiones tribales, pasajes acústicos y explosiones metálicas. En esta entrevista exploramos el origen conceptual del proyecto, la construcción de su narrativa y el papel de lo ritual dentro de una obra que busca trascender el formato tradicional del álbum.

Rakinua se presenta como un proyecto con fuerte carga mitológica y ritual. ¿Cómo nace la necesidad de construir un universo narrativo tan específico alrededor de “Esi Um Ninu”?
VELIS: Todo comenzó con el profundo deseo de construir algo conectado y auténtico, algo que encajara con nuestra esencia. Lo primero que tuvimos claro fue que queríamos crear un álbum conceptual basado en un pueblo olvidado desde hace mucho tiempo, que habitó la región alpina donde crecimos. Cuanto más leíamos y más vestigios de aquella época encontrábamos en los museos, más se estimulaba nuestra creatividad. Así fue como nuestro propio universo artístico comenzó a tomar forma mediante las historias, las letras y la música.

El álbum funciona como una historia fragmentada narrada a través de canciones y voces intercaladas. ¿Fue concebido desde el inicio como un relato completo o fue evolucionando durante la composición musical?
VELIS: La idea de conectar las canciones mediante narraciones que, al mismo tiempo, representaran las visiones de la oráculo Madame Noctinebra, estuvo presente desde el principio. Sus visiones se encuentran completamente fuera del concepto del tiempo, al igual que la propia Madame Noctinebra. Visualmente, esto puede apreciarse en su forma de vestir. Las narraciones no solo funcionan como un reflejo de los diferentes estados de ánimo, sino que también resultan cautivadoras gracias a sus hermosos paisajes sonoros orgánicos.

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En el disco conviven elementos de folk, metal progresivo y pasajes casi cinematográficos. ¿Cómo logran equilibrar lo acústico, lo ritual y lo extremo sin que pierda coherencia?
VELIS: Nunca fue un disco “planificado sobre una mesa”, por lo que el equilibrio surgió de una manera completamente espontánea, y el resultado nos satisfizo desde las primeras etapas. Por supuesto, no sabíamos exactamente cuál sería el resultado final. Cuando comenzó el proceso de preproducción, todavía no éramos conscientes de la cantidad de elementos que tendríamos que equilibrar. Sin embargo, hasta el día de hoy todo sigue funcionando muy bien.

Las voces femeninas y narrativas oraculares juegan un papel central en la atmósfera del álbum. ¿Qué simbolizan estas figuras dentro del concepto general de la obra?
VELIS: La sacerdotisa simboliza la encarnación de la Madre Tierra: una poderosa fuerza femenina preocupada por sus hijos, que espera que despierten de su actitud egocéntrica y superficial para evitar su propia caída. No es precisamente un tema completamente antiguo o pasado de moda, ¿verdad? ;-) Madame Noctinebra representa más bien la voz de la conciencia: algunas veces advierte y otras simplemente observa con preocupación. 

La crítica ha comparado su sonido con bandas como Wardruna o Myrkur, aunque el proyecto parece ir más allá de esas influencias. ¿Cómo definen ustedes la identidad sonora de Rakinua?

VELIS: Para ser sinceros, Rakinua no es completamente comparable con las bandas mencionadas, al menos no en su esencia. El sonido, el trasfondo conceptual y los elementos visuales evolucionaron durante el proceso creativo hasta convertirse en algo muy particular. Para nosotros era fundamental no convertirnos simplemente en “la próxima banda parecida a tal o cual grupo”. Con el tiempo fueron surgiendo inspiraciones e ideas que maduraron lentamente hasta que nos sentimos satisfechos. Naturalmente, siempre buscamos nuevas fuentes de inspiración.

El disco está profundamente ligado a la idea de lo ancestral y lo espiritual. ¿Es una construcción artística o existe también una exploración personal o filosófica detrás de este imaginario?

VELIS: Es una combinación de ambas cosas. Es una expresión de nuestras creencias filosóficas y espirituales traducidas en arte.

 RAKINUA - Warrior Of Light (OFFICIAL TRACK) 

“Esi Um Ninu” se siente como un álbum diseñado para ser escuchado de principio a fin, casi como una obra teatral o cinematográfica. ¿Qué importancia tiene para ustedes el concepto de álbum completo en la era del consumo fragmentado?

VELIS: Sin duda, estamos contando una historia, por lo que recomendamos experimentarla con unos buenos audífonos y en una versión de alta calidad, para poder apreciar cada una de sus capas y toda su riqueza. Por otro lado, las canciones también pueden disfrutarse individualmente como partes de un viaje más amplio.

Este es solo el primer capítulo de la saga. ¿Hacia dónde se dirige Rakinua después de “Heal Us, Mother”: más oscuridad, más expansión narrativa o una evolución completamente distinta?

VELIS: Lo que puedo revelar en este momento es que la historia continuará. Sin embargo, debido a que “Esi Um Ninu” termina con un gran signo de interrogación, la forma en que continuará será sorprendente.

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Between Sulphur and Mercury: An Interview

Sulphur and Mercury emerge as one of the most distinctive proposals within contemporary metal, bringing together musicians with established backgrounds in the international extreme metal scene to shape a project that goes beyond nostalgia. Their album *Alchemia Prophetica* not only revisits the roots of 1980s heavy metal, but also reinterprets them through a ritualistic, dark, and deeply conceptual vision. With influences ranging from doom and black metal to NWOBHM, the group builds a sonic narrative where the atmospheric and the aggressive coexist in constant tension. In this interview, we explore the origin of the project, its alchemical aesthetic, and the balance between tradition and experimentation that defines its identity within modern metal.

Sulphur and Mercury was formed almost like a “supergroup,” bringing together musicians from different extreme music scenes. What was the real idea behind uniting such different backgrounds?

Everything started when Jason and I (Francesco) met in Helsinki. The idea was to create something different from our usual projects, namely Misery Index and Spiritual Front. We wanted to play the kind of metal that first inspired us when we were teenagers—the metal of the mid-to-late 1980s, the records we still listen to and love today.

“Alchemia Prophetica” has been described as a reinterpretation of classic 1980s heavy metal (Mercyful Fate, Celtic Frost, Sabbat), but without falling into direct nostalgia. How do you balance influence with your own identity?

I think what makes it a bit different  is that we incorporated a variety of influences beyond just metal into the songs. We both come from very diverse musical backgrounds. Italian and British progressive rock from the 1970s has been a major influence on our songwriting, as have cinematic elements and film scores, ranging from Morricone and Frizzi to Carpenter and many others.

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Many outlets highlight the presence of ritualistic and occult elements in the album, both lyrically and sonically. Is this mainly an aesthetic construction, or is there a deeper conceptual intention behind that imagery?

These influences are part of our artistic vocabulary and of everything that fascinates us, both musically and lyrically. Through our compositions, we always try to evoke imagery and create a narrative atmosphere, almost like a short film. The same approach applies to the visual aspect of the band as well—artwork and graphic design are extremely important to us.

The use of keyboards and cinematic atmospheres (even compared to John Carpenter in some reviews) is unusual for bands in this style. What role does atmosphere play within the concept of Sulphur and Mercury?

Exactly as I mentioned before, keyboards and organs are the elements that bring those essential 1970s progressive and cinematic influences into our music. Every song contains a strong component of these elements, which are fundamental to the identity of our sound.

In reviews such as Metal Noise, the album is described as a mix of doom, NWOBHM, and more extreme elements, with moments that “shouldn’t work but do.” Do you intentionally aim for that kind of stylistic clash?

No, not at all. For the first EP, we simply tried to include all the elements that inspired us, without overthinking anything else. We wanted the songs to have that musical and visionary quality that we personally love.

70s and 80s Doom is also a huge music influence on us.

The EP was recorded between Rome and Helsinki and brings together musicians with very distinct backgrounds. What was the actual creative process like: collective composition or a guided vision from a central core?

Everything started from ideas developed by me and Jason. Later, we completed the songwriting process together with the rest of the band, refining the final details. The recordings took place first in Rome and then in Helsinki. Finally, our friend Ola Esfjord (Tribulation, Lucifer, Primordial) mixed the material, and the result was our debut EP.

If “Alchemia Prophetica” represents a starting point, where is Sulphur and Mercury heading in the future: more tradition, more experimentation, or a complete break from the current concept?

Alchemia Profetica was definitely a starting point. We now have a new lineup here in Helsinki, featuring Tami on bass, Kride on guitar, and Jaakko on drums. We have already released two new singles to introduce this lineup. The new tracks, Summon the Seer and Sulphur Eternal—the latter also accompanied by a music video—are available on streaming platforms.

These songs represent a clear evolution from the first EP and, in my opinion, define the sound and imagery of Sulphur And Mercury in a much stronger and more focused way. With this lineup, we are currently working on our debut full-length album.

 

THANK YOU VERY MUCH JORGE AND MIDNIGHT FUNERAL ZINE!

Francesco Conte 

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Entre el azufre y el mercurio entrevista con Sulphur and Mercury

 

Sulphur and Mercury emerge como una de las propuestas más singulares dentro del metal contemporáneo, reuniendo músicos con trayectorias en la escena extrema internacional para dar forma a un proyecto que trasciende la nostalgia. Su EP Alchemia Prophetica no solo revisita las raíces del heavy metal de los 80s, sino que las reinterpreta desde una visión ritualista, oscura y profundamente conceptual. Entre influencias que van del doom y el black metal al NWOBHM, el grupo construye una narrativa sonora donde lo atmosférico y lo agresivo conviven en tensión constante. En esta entrevista con Francesco Conte (Guitarra), exploramos el origen del proyecto, su estética alquímica y el equilibrio entre tradición y experimentación que define su identidad dentro del metal moderno.

Sulphur and Mercury se formó casi como un “supergrupo”, reuniendo a músicos de distintas escenas de música extrema. ¿Cuál fue la idea real detrás de unir orígenes tan diferentes?

Todo comenzó cuando Jason y yo, (Francesco), nos conocimos en Helsinki. La idea era crear algo diferente a nuestros proyectos habituales, es decir, Misery Index y Spiritual Front. Queríamos tocar el tipo de metal que nos inspiró por primera vez cuando éramos adolescentes: el metal de mediados y finales de los años ochenta, los discos que todavía escuchamos y amamos hoy.

“Alchemia Prophetica” ha sido descrito como una reinterpretación del heavy metal clásico de los años ochenta, con referencias a Mercyful Fate, Celtic Frost y Sabbat, pero sin caer en la nostalgia directa. ¿Cómo equilibran la influencia con su propia identidad?

Creo que lo que lo hace un poco diferente es que incorporamos a las canciones una variedad de influencias que van más allá del metal. Ambos venimos de trasfondos musicales muy diversos. El rock progresivo italiano y británico de los años setenta ha sido una gran influencia en nuestra forma de componer, al igual que los elementos cinematográficos y las bandas sonoras, desde Morricone y Frizzi hasta Carpenter y muchos otros.

 

Algunos medios destacan la presencia de elementos rituales y ocultistas en el álbum, tanto en lo lírico como en lo sonoro. ¿Se trata principalmente de una construcción estética, o hay una intención conceptual más profunda detrás de esa imaginería?

Estas influencias forman parte de nuestro vocabulario artístico y de todo aquello que nos fascina, tanto musical como líricamente. A través de nuestras composiciones, siempre intentamos evocar imágenes y crear una atmósfera narrativa, casi como un cortometraje. El mismo enfoque se aplica también al aspecto visual de la banda: el arte y el diseño gráfico son extremadamente importantes para nosotros.

El uso de teclados y atmósferas cinematográficas, incluso comparadas con John Carpenter en algunas reseñas, es algo inusual para bandas de este estilo. ¿Qué papel cumple la atmósfera dentro del concepto de Sulphur and Mercury?

Exactamente como mencioné antes, los teclados y los órganos son los elementos que traen a nuestra música esas influencias esenciales del rock progresivo de los años setenta y del cine. Cada canción contiene un fuerte componente de estos elementos, que son fundamentales para la identidad de nuestro sonido.

En reseñas como la de Metal Noise, el álbum es descrito como una mezcla de doom, NWOBHM y elementos más extremos, con momentos que “no deberían funcionar, pero funcionan”. ¿Buscan intencionalmente ese tipo de choque estilístico?

No, para nada. Para el primer EP, simplemente intentamos incluir todos los elementos que nos inspiraban, sin pensarlo demasiado. Queríamos que las canciones tuvieran esa cualidad musical y visionaria que personalmente amamos. El doom de los años setenta y ochenta también es una enorme influencia musical para nosotros.

El EP fue grabado entre Roma y Helsinki, y reúne a músicos con trayectorias muy distintas. ¿Cómo fue realmente el proceso creativo: una composición colectiva o una visión guiada por un núcleo central?

Todo comenzó a partir de ideas desarrolladas por Jason y por mí. Después, completamos el proceso de composición junto con el resto de la banda, afinando los detalles finales. Las grabaciones se realizaron primero en Roma y luego en Helsinki. Finalmente, nuestro amigo Ola Esfjord, conocido por su trabajo con Tribulation, Lucifer y Primordial, mezcló el material, y el resultado fue nuestro EP debut.

 

Si “Alchemia Prophetica” representa un punto de partida, ¿hacia dónde se dirige Sulphur and Mercury en el futuro: más tradición, más experimentación o una ruptura completa con el concepto actual?

Alchemia Prophetica fue definitivamente un punto de partida. Ahora tenemos una nueva formación aquí en Helsinki, con Tami en el bajo, Kride en la guitarra y Jaakko en la batería. Ya hemos lanzado dos nuevos sencillos para presentar esta alineación. Las nuevas canciones, “Summon the Seer” y “Sulphur Eternal” —esta última acompañada también por un videoclip— están disponibles en las plataformas de streaming. Estas canciones representan una clara evolución respecto al primer EP y, en mi opinión, definen el sonido y la imaginería de Sulphur and Mercury de una manera mucho más fuerte y enfocada. Con esta formación, actualmente estamos trabajando en nuestro álbum debut de larga duración.

¡MUCHAS GRACIAS, JORGE Y MIDNIGHT FUNERAL ZINE!

Francesco Conte

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Iron Claw: Los ecos perdidos del proto-metal escocés - ENTREVISTA

En los márgenes más oscuros del nacimiento del heavy metal, donde la historia oficial apenas roza la superficie, emerge el nombre de Iron Claw como una de las piezas más enigmáticas del proto-metal británico. Formados en Escocia a finales de los años 60, su sonido crudo, pesado y adelantado a su tiempo los convierte en una banda fundamental para entender la evolución del hard rock hacia formas más extremas. Sin embargo, su legado no se construye sobre discos oficiales de su época dorada, sino sobre grabaciones perdidas, cintas recuperadas y un mítico bootleg conocido como Clawstrophobia, que con los años se transformó en objeto de culto. Su historia también está profundamente ligada a la influencia temprana de Black Sabbath y a una escena que aún no comprendía el impacto de lo que estaba naciendo. En esta entrevista, exploramos su trayectoria, el material que quedó en el olvido, su separación, y el redescubrimiento de su legado décadas después, desde la voz de sus propios protagonistas.

¿Cómo se formó originalmente la banda y qué influencias musicales moldearon su sonido inicial en aquel momento?

La idea de formar una banda surgió cuando cumplí 21 años… ¡Quería hacer un disco y que fuera publicado! Esto fue en el verano de 1969. En esos días no existía internet ni métodos de “hazlo tú mismo” para sacar una grabación; tenías que tener una banda con un nivel musical suficientemente alto como para, con suerte, conseguir un contrato discográfico. En ese momento yo ayudaba a manejar una banda local llamada Amplified Heat, que era la única banda en el área de Dumfries, Escocia, que tocaba versiones de blues-rock. También grababa regularmente a Amplified Heat, lo cual influyó en mi decisión de formar una banda con el nivel suficiente para lograr un contrato de grabación. Durante algunos meses de ese verano había escuchado a unos adolescentes locales, que habían pedido “probar con equipo de verdad” en conciertos locales de Amplified Heat, y me impresionaron por su habilidad, así que los tuve presentes. De esa manera, los orígenes de lo que terminó siendo Iron Claw comenzaron en el verano de 1969, cuando recluté a Jimmy Ronnie en la guitarra, de 15 años, y a Iain McDougall en la batería, también de 15. No hacía falta ser un genio para darse cuenta de quién estaba a cargo de todo: las finanzas, el equipo y el estilo musical. Yo tenía 21 años y trabajaba; ellos todavía estaban en la escuela. Así que al principio trabajamos duro como trío, haciendo versiones de temas de blues-rock más pesados y desafiantes. También grababa los ensayos para eliminar errores mientras aprendíamos las versiones. Supongo que era bastante exigente, pero ya había aprendido la lección de que las bandas que cometen errores no avanzan en sus ambiciones. Había visto a Led Zeppelin en su primera gira por el Reino Unido, en julio de 1969, tocando blues/hard rock, y quedé impresionado por su profesionalismo. En ese entonces todavía se podían comprar entradas la misma noche para ver a Zeppelin; apenas estaban empezando. Luego vi a Black Sabbath en Dumfries, en noviembre de 1969, y después de hablar con ellos y enterarme de que estaban escribiendo sus propias canciones, entendí todo y empecé a enfocarme en hacer material original, además de versiones.

IRON CLAW EN VIVO

¿cómo recuerdas los primeros años de Iron Claw y la escena musical escocesa de finales de los años sesenta y comienzos de los setenta?

La escena musical escocesa de finales de los 60 y comienzos de los 70 estaba controlada por agencias que solo estaban interesadas en la música pop y soul. Ciertamente no había interés en quienes tocaban rock o música original. Por eso fue una lucha difícil mantener a Iron Claw en marcha. De nuevo, no existía internet para construir una base de seguidores, ni exposición en radio o televisión a menos que tocaras pop o soul. Así que cualquier apoyo había que conseguirlo tocando en vivo, si algún lugar te daba la oportunidad, o alquilando tus propios espacios. Financieramente, mantener la banda recayó sobre mí.

Gran parte del material temprano de Iron Claw nunca fue lanzado oficialmente durante los años activos de la banda. ¿Cómo fue el proceso de grabación y por qué esas canciones quedaron archivadas?

Nuestra primera grabación fue en Edimburgo, en una máquina de cuatro pistas, con dos canciones originales: “Sabotage” y “Mist Eye”, a finales del verano de 1970. Habíamos ganado una sesión de grabación de tres horas como premio en un concurso local realizado en Dumfries. Eso me abrió el apetito, así que gasté el salario de un mes para grabar en Londres, en diciembre de 1970, en un estudio de cuatro pistas. Grabamos ocho canciones originales en una sesión de ocho horas, incluyendo grabación y mezcla. Por supuesto, conseguir que alguien lo firmara y lo lanzara en ese momento era un problema completamente distinto. Así que el material permaneció inédito en aquella época.

El bootleg “Dismorphophobia” se convirtió en un objeto de culto entre coleccionistas. ¿Cómo te sientes respecto a que ese material “no oficial” terminara circulando y ganando reconocimiento?

Cuando Iron Claw se separó en 1974, los miembros de la banda se dispersaron por varias partes del Reino Unido y yo quedé encargado de saldar las deudas de la banda, lo cual me tomó aproximadamente cuatro años. Para ayudar a reunir algo de dinero y pagar esas deudas, hice unas cintas caseras en casete, unas 60 copias aproximadamente, llamadas “Remains To Be Heard”, que contenían 14 canciones originales de Iron Claw. Las vendí a fans locales de Dumfries. Uno de esos casetes llegó a manos de unos bootleggers alemanes —nunca supe cómo lo consiguieron ni de quién— y fueron ellos quienes lanzaron “Dismorphophobia” en CD. Sin embargo, la calidad de sonido era bastante mala, ya que debía ser una copia de tercera generación tomada de un casete. No hace falta decir que quedé asombrado cuando apareció ese CD pirata a finales de los años 90. Más tarde, esos mismos bootleggers sacaron otro CD pirata llamado “Buried Alive”, que combinaba algunas de las mismas grabaciones de Iron Claw con grabaciones de Flying Hat Band, la banda asociada a Glenn Tipton, famoso por Judas Priest. Para aumentar el engaño, los bootleggers fingieron que las canciones de Iron Claw pertenecían a una nueva banda llamada “Antrobus”. Era un nombre y una historia de fondo totalmente falsos.

THIS IS IRON CLAW MOTHERTRUCKERS

¿Qué recuerdas de las sesiones de grabación incluidas en “Dismorphophobia” y qué tan fieles son a la visión original de la banda?

Grabamos todo el set entre las 10 de la mañana y las 6 de la tarde del 5 de diciembre de 1970. Habíamos ensayado mucho antes de esa fecha para poder tocar el material más o menos en una sola toma, sin errores. Recuerdo que el ingeniero dijo que no podía distinguir una canción de otra durante la reproducción. Para mí eso era algo bueno, porque significaba que teníamos un sonido propio e identificable. También tocamos en el estudio con el volumen completo de escenario, así que fue una grabación realmente fiel a cómo sonaba la banda en ese momento. Como era material equivalente a un álbum de vinilo, yo quería que un lado fuera realmente “pesado”, con canciones extendidas, y el otro lado tuviera canciones más cortas, con la esperanza de usarlas para un sencillo, aunque parezca increíble.

La influencia de Black Sabbath se menciona constantemente en relación con Iron Claw. ¿Qué tan directa fue esa influencia en su sonido y en su composición?

No se puede negar que fueron muy influyentes, pero como dije antes, el hecho de que me dijeran que estaban escribiendo su propio material fue la influencia principal. Además, a diferencia de Led Zeppelin, que obviamente ya eran “superestrellas” cuando los vi por primera vez en 1969, los chicos de Sabbath —todos eran más jóvenes que yo— eran tipos muy educados, sencillos y con los pies en la tierra, como gente normal con la que uno podía identificarse. Si ellos podían escribir su propia música, entonces yo también podía hacerlo.

Incluso se dice que ustedes estuvieron entre las primeras bandas en tocar canciones de Black Sabbath en vivo. ¿Cómo fue su conexión temprana con esa música?

Decidí hacer versiones de algunas canciones de Black Sabbath en diciembre de 1969. Eran tan populares en Dumfries que parecía una decisión inteligente incluir algunas de sus canciones en nuestros primeros repertorios. Luego pensé: ¿por qué no hacemos el álbum completo a comienzos de 1970? Y eso fue una buena manera de empezar a pensar en la composición de un álbum.

Los IRON CLAW... Una foto a color! 

Cuando el material fue redescubierto y lanzado oficialmente décadas después, ¿cómo viviste ese “renacimiento” tardío de Iron Claw?

Como todavía conservaba las cintas originales con buena calidad de sonido, cuando Rockadrome se acercó a mí para lanzar el material temprano, me alegró hacerlo para que saliera una grabación de mejor calidad. Eso fue a comienzos de los años 2000. Me alegró mucho que más personas pudieran escucharlo correctamente.

¿Por qué se separó originalmente la banda? ¿Y cómo fue el regreso en 2010?

La banda se separó principalmente porque llevábamos cinco años tocando juntos y, en el proceso de crecer y madurar, los miembros más jóvenes ya tenían 21 años y querían vidas sociales, novias, matrimonios, etc. A eso se sumó la crisis del petróleo de 1974, que hizo que los costos de la gasolina subieran literalmente de la noche a la mañana, de 15 peniques por galón a 100 peniques por galón. Eso significaba que yo estaba perdiendo dinero intentando mantener la banda en marcha, y seguía siendo el único con un trabajo regular. En cuanto al regreso de 2010, estuvo lleno de problemas desde el inicio. No era fácil empezar de nuevo y esperar sonar igual. Ya no existían las mismas relaciones entre nosotros y había más bien una sensación de: “¿Realmente puede estar pasando esto?”.

Hablemos de lo que terminó siendo su primer álbum oficial de larga duración, “A Different Game” de 2011, lanzado por Ripple Music. Al llegar 40 años después, naturalmente es un disco muy diferente: más directo, menos psicodélico y más estructurado dentro del hard rock y el heavy metal. ¿Qué rescatas o valoras personalmente de ese álbum?

Personalmente, quedé decepcionado con el contenido musical. Ripple había dicho que quería un álbum “pesado”, y yo estaba de acuerdo con eso, pero como dices, es un álbum muy diferente al que yo había imaginado. Mi estudio casero se usó durante todo un año, y yo estuve escuchando las canciones durante todo ese año mientras hacía la ingeniería de sonido, así que mi perspectiva es un poco más crítica. Además, resultó que no fue un buen contrato discográfico, lamento decirlo, aunque yo no tuve nada que ver con esa parte de las cosas, aparte de cerrar el contrato. También hubo choques de personalidad entre algunos miembros de la banda, lo cual tampoco ayudó. Como siempre, me tocó a mí resolver las dificultades. Algunas cosas nunca cambian, ni siquiera después de 45 años.

Los dioses escoceses del Proto-Metal 

¿Qué motivó la idea de lanzar un proyecto de covers de Black Sabbath y cómo se dio ese proceso creativo?

Gracias a internet todavía hay cierto interés en Iron Claw. Así que cuando Yunque Records preguntó si existían grabaciones en vivo de Iron Claw de 1970 tocando versiones de Black Sabbath, yo todavía tenía grabaciones de esa época y no tuve problema en aceptar. Como comentario aparte, me divierte que 56 años después incluso bandas locales de Dumfries estén agregando una canción de Sabbath a su repertorio, pensando que son “cool” por versionar a Sabbath. Cincuenta y seis años tarde, desde luego. Hace 30 años los criticaban duramente.

Desde tu perspectiva, ¿qué bandas consideras verdaderas pioneras del llamado “proto-metal”, aparte de ustedes mismos?

Es difícil precisar eso. La música clásica tiene algunos riffs “pesados” brillantes; por ejemplo, “Mars, The Bringer of War” y el final de la “Obertura 1812”. Me gusta todo tipo de música, así que creo que me inclinaré ante el conocimiento de los expertos del “proto-metal”. Diría que Holst y Tchaikovsky, entre otros, fueron quienes comenzaron todo.

Mirando hacia atrás, ¿cómo te gustaría que se recordara el legado de Iron Claw dentro de la historia del heavy metal y el hard rock?

Me parece increíble escuchar a bandas jóvenes tocar canciones de Iron Claw de la primera época, como Blood Ceremony, Sacri Monti, etc. Eso me demuestra que había algo bueno en Iron Claw. Espero que los jóvenes todavía lo escuchen de vez en cuando y lo aprecien. Si puedo usar una frase que escribí en el folleto de Rockadrome que venía con el primer CD: “Los tiempos eran difíciles, el dinero siempre escaseaba, pero a veces la música era trascendental”.

El señor roble Alex Wilson... Próximo a cumplir 80!

¿Algún comentario final para los lectores y los fans de toda la vida de Iron Claw?

Cumpliré 80 años a finales del próximo año, en 2027, y ya no toco en vivo, ni tengo el deseo de hacerlo. Pero adopto la nueva tecnología, que me ha permitido dar vida a letras que escribí entre 1971 y 1985 y que imaginaba como posibles canciones de Iron Claw, incluso después de que nos separamos en 1974. La mayoría eran demasiado pesadas para usarlas en la reencarnación de 2010 y ciertamente tampoco pasaron el filtro a comienzos de los 70. Algunas son bastante autobiográficas, así que las guardé con la esperanza de usarlas algún día. Tengo la intención de lanzarlas pronto en algún formato. Estoy muy feliz de seguir sacando canciones.

Kiyotaka Tsurisaki and the beauty of the unbearable - Interview

 

To speak of Kiyotaka Tsurisaki is to enter one of the most uncomfortable and fascinating territories of contemporary documentary cinema. A photographer, filmmaker, and chronicler of the margins, his work has been marked by a constant obsession with death, violence, and those spaces where society prefers not to look. But reducing his work to mere visual shock would be a mistake. Behind the extreme images lies an aesthetic and human search that seeks to understand the fragility of existence through its most brutal manifestations.

His best-known film, Orozco the Embalmer (2001), took him into the depths of El Cartucho, one of the most dangerous areas of 1990s Bogotá, where he documented the daily routine of Froilán Orozco, an embalmer who spent decades preparing the bodies of victims of poverty, exclusion, and violence. Far from sensationalism, the film became a raw portrait of a Colombia marked by everyday death and, at the same time, a deeply human reflection on the dignity of the forgotten.

In this interview, Tsurisaki reflects briefly on his time in Colombia, his artistic philosophy, and the possible “ethical limits” of representing death through images.

Your work consistently addresses death, violence, and the harsh dimensions of human existence. How would you articulate your conceptual approach to death, and what motivates your insistence on representing it without aesthetic or moral mediation?

Reality is beautiful. Reality is magic.

Froilán Orozco foto de Kiyotaka Tsurisaki

“Orozco the Embalmer” is widely regarded as one of your most significant works. From a methodological and emotional standpoint, how would you describe the experience of producing that documentary?

Orozco was a beautiful man. He was a nameless saint on the street. I’m very proud to have been with him.

For how long did you reside in Colombia, and what factors led you to choose the country as a site for your documentary practice?

Extreme violence. Magic realism.

El Cartucho in Bogotá has become emblematic of urban marginality and violence. What memories do you retain of that place, and how did it influence your understanding of social exclusion?

Everything was fantastic there. El Cartucho was excluded, another world.

In addition to Bogotá, which other Colombian cities or regions did you visit, and how did these experiences contribute to your broader perception of the country?

Medellin, Cali, Cartagena, Uraba, Cesar, Meta, Amazonas. Colombia is a beatiful country. Colombia literally improved my esthetic sense.

Would you consider returning to Colombia to produce another documentary today? If so, what themes or realities do you believe remain insufficiently documented?

If I return to Colombia for film making, I want to make a narrative film.

Assassination / Bogota, Colombia 1995 foto de Kiyotaka Tsurisaki

Among the countries you have visited, which would you identify as culturally the most extreme or violent? What specific social or historical conditions contributed to that assessment?

The former Colombia.  La Violencia continued.

Do you perceive any cultural parallels between Colombia and Japan, particularly in relation to attitudes toward death, violence, or collective trauma?

Japan looks totally different country from Colombia, but in fact, Japan is one of the most tolerant country to gore culture

Alex Okendo (Masacre) - Bogota, Colombia 1996 foto de Kiyotaka Tsurisaki

Your film The Wasteland presents a global vision of destruction shaped by war, religion, and other forces that contribute to the degradation of the planet. How did this project expand or redefine your understanding of violence on a planetary scale?

“The Wasteland” is my witness of beauty on the death trail around the violent world of the decade from 9.11 to 3.11.

What has been the most extreme or unsettling situation you have documented to date? Was there a moment when you felt ethically or psychologically compelled to stop filming?

I was offered to make a snuff film in my early days. Then I was torn as an artist. As a result, I didn’t make it. I thank goodness for this.

Your work has frequently been compared to the tradition of Italian “mondo” documentaries, yet it maintains a distinct identity. How would you define your own documentary or photographic methodology, and in what ways does it diverge from those precedents?

I was influenced very much and really respect Italian shockumentaries. I actually positioned “Orozco el Embalsamador” as the last latin shokumentary of the 20th century (the first edition of “Orozco el Embalsamador” was completed in 1999). I see myself as a son of Jacopetti, so I mustn’t be an journalist, but an artist, and had to pursuit sincerity all the more.

Bone Cleaning Ritual - Samut Sakhon, Thailand 2004 foto de Kiyotaka Tsurisaki

Which artists, filmmakers, or authors have significantly influenced your practice? Are you familiar with the work of photographer Joel-Peter Witkin, and how do you situate his work in relation to your own?

As for filmmakers, Pier Paolo Pasolini and Yasujiro Ozu, althogh the catalyst for filmmaking was “Jaws”.  As for authors, Gabriel Garcia Marquez and Yukio Mishima. Of course I was very influenced by Joel-Peter Witkin. I can’t possibly imitate him and I shouldn’t do. He is cold-headed, robust and gorgeous.

Your work has been the subject of criticism due to its explicit depiction of real bodies and violence. How do you respond to these critiques, and how do you define the ethical boundaries of your documentary practice?

Freedom of expression is sacred. My expression is to give a name to the nameless body on the street.

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