Otro Pvt0 Podcast #11 Kocoa Pioneros del Heavy Metal Colombiano

 

En el episodio número 11 de Otro Pvt0 Podcast viajamos a los orígenes del metal colombiano para hablar de Kocoa, agrupación bogotana considerada una de las primeras propuestas de heavy metal del país. Liderada por Peter Schroeder Strong y formada por músicos de la escena, la banda apareció cuando el rock todavía era marginal, tenía poca difusión y apenas comenzaba a conquistar nuevos públicos. El episodio incluye una reseña de Surviving Recordings 1983/1984 – Rock n’ Heavy Roll, disco producido por Andrés Bustos y publicado en 2022.  La calidad sonora resulta sorprendente para su época. Parte de ese mérito corresponde a Fonovisión Internacional, hoy Audiovisión Studios, uno de los estudios más emblemáticos de Colombia y América Latina. Allí Kocoa consolidó un sonido híbrido: hard rock directo, una dosis temprana de heavy metal y una actitud cercana al punk. Kocoa antecedió incluso al llamado las producciones más clásicas del ultrametal de Medellín. Sin embargo, su historia sigue permaneciendo un poco entre las sombras para la gran mayoría. Por tanto, este episodio busca recuperar su legado y reconocer una banda que reclama, con razones suficientes, su lugar dentro de la memoria del metal colombiano.

Between the ancestral and the modern: the sonic alchemy of RAKINUA - INTERVIEW

 

Rakinua makes its debut with Esi Um Ninu – Heal Us, Mother, a conceptual album presented as a ritual journey between the ancestral and the contemporary, where dark folk, progressive metal, and mystical storytelling converge within a unified sonic structure. The band builds a universe inspired by ancient Raetic cultures, transforming each song into a fragment of a larger narrative guided by oracular figures and ceremonial voices. More than a simple debut, the record serves as an immersive experience that blends cinematic atmospheres, tribal percussion, acoustic passages, and bursts of metallic intensity. In this interview, we explore the conceptual origins of the project, the construction of its narrative, and the role of ritual within a work that seeks to transcend the traditional album format.

Rakinua presents itself as a project with a strong mythological and ritualistic dimension. How did the need arise to build such a specific narrative universe around “Esi Um Ninu”?
VELIS: Everything started with the deep wish to build something connected that is authentic, that fits our vibe. So the first thing we knew was, that we want to create a concept album that is based on a long forgotten population that used to live in the Alpine area where we grew up. The more we read, the more findings of these times we saw in museums, the more our creativity was engaged and so our own artistic universe started to take shape in terms of stories, lyrics and
music.
 

The album works as a fragmented story told through songs and interwoven voices. Was it conceived from the beginning as a complete narrative, or did it evolve during the musical composition process?
VELIS: To connect the songs with narrations that also are a representation of the visions of the oracle Madame Noctinebra, was already conceived like this from the very beginning. The visions are completely out of the concept of time and so is Madame Noctinebra. Visually you will see that in the way she is dressed. The narrations are not only a mirror of moods but also enchanting with beautiful organic soundscapes.

The record blends elements of folk, progressive metal, and almost cinematic passages. How do you manage to balance acoustic, ritualistic, and extreme elements without losing coherence?
VELIS: it has never been a “planned on the table” record, therefore the balance came completely spontaneous and the result satisfied us from the very early stages. Of course, we didn’t know what we would have gotten in the end, when the pre-production process started, we still weren’t aware of the quantity of elements that we would have had to balance. But it still works
fine to this day.

Female vocals and oracular narrative voices play a central role in the album’s atmosphere. What do these figures symbolize within the overall concept of the work?
 

VELIS: To be honest, Rakinua is not completely comparable with the quoted bands, at least not to the core. The sound, the background and the visuals developed through the creative process into something very unique. It was very essential for us not to be the next “xy”. The time brought inspiration and ideas which matured slowly until we were satisfied and for sure we always aim
for more inspiration.

Critics have compared your sound to bands like Wardruna, Opeth, or Myrkur, although the project seems to go beyond these influences. How do you define Rakinua’s sonic identity yourselves?

 
VELIS: To be honest, Rakinua is not completely comparable with the quoted bands, at least not to the core. The sound, the background and the visuals developed through the creative process into something very unique. It was very essential for us not to be the next “xy”. The time brought inspiration and ideas which matured slowly until we were satisfied and for sure we always aim for more inspiration.

The album is deeply connected to ideas of ancestry and spirituality. Is this purely an artistic construction, or is there also a personal or philosophical exploration behind this imagery?
VELIS: It’s a combination of both. It’s an expression of our philosophical and spiritual believes translated into art.

“Esi Um Ninu” feels like an album designed to be experienced from start to finish, almost like a theatrical or cinematic work. How important is the concept of a full album to you in an era of fragmented listening?
VELIS: For sure, we are telling a story and we recommend to experience it with good headphones in a high quality version to experience every layer and it’s richness. On the other hand- The songs are also enjoyable as parts of the whole journey. This is only the first chapter of the saga. Where is Rakinua heading after 

“Heal Us, Mother”: toward greater darkness, further narrative expansion, or a completely different evolution?
VELIS: What I can reveal at this point is, that the story is continuing but due to the fact that Esi um Ninu ends with a big question mark, the way it will go on will be surprising.

 

 

 

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https://www.instagram.com/rakinua.music

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Alternativa audiovisual para la literatura Héctor Escobar Gutiérrez El diablo - VHS RIP

Este video corresponde al rescate y digitalización de un documento audiovisual titulado “Alternativa audiovisual para la literatura: Héctor Escobar Gutiérrez (El Diablo)”, dedicado a la vida y obra del poeta pereirano Héctor Escobar Gutiérrez (1941-2014), una de las figuras más singulares y controvertidas de la literatura de Risaralda.

El material original fue localizado en la biblioteca Luis Ángel Arango en formato VHS y contiene más de una hora de registro con características cercanas al documental y al homenaje literario. Se estima que fue grabado y producido en Pereira hacia finales de la década de 1990. En él se incluye una entrevista con Héctor Escobar, además de la lectura de varios de sus poemas, permitiendo acercarse directamente a su pensamiento, su voz y su particular universo creativo.

Escobar Gutiérrez destacó por una poesía marcada por la reflexión filosófica, los símbolos, la transgresión y la exploración de temas como la existencia, la libertad y la condición humana. Su figura, conocida popularmente como “El Diablo” o “El Papa Negro”, generó controversia, pero también reconocimiento por la fuerza de su propuesta literaria y su carácter independiente.

La decisión de preservar y compartir este registro responde al interés de conservar un documento con valor artístico y cultural para quienes estudian o disfrutan la obra del poeta. La calidad visual presenta limitaciones propias del proceso de transferencia directa desde VHS, conservando, sin embargo, el valor histórico del material original.

Entre lo ancestral y lo moderno: la alquimia sonora de Rakinua - ENTREVISTA

Rakinua debuta con Esi Um Ninu – Heal Us, Mother, un álbum conceptual que se presenta como un viaje ritual entre lo ancestral y lo contemporáneo, donde el folk oscuro, el metal progresivo y la narrativa mística convergen en una misma estructura sonora. La banda construye un universo inspirado en antiguas culturas raéticas, transformando cada canción en un fragmento de una historia mayor guiada por figuras oraculares y voces ceremoniales. Más que un simple debut, el disco funciona como una experiencia inmersiva que mezcla atmósferas cinematográficas, percusiones tribales, pasajes acústicos y explosiones metálicas. En esta entrevista exploramos el origen conceptual del proyecto, la construcción de su narrativa y el papel de lo ritual dentro de una obra que busca trascender el formato tradicional del álbum.

Rakinua se presenta como un proyecto con fuerte carga mitológica y ritual. ¿Cómo nace la necesidad de construir un universo narrativo tan específico alrededor de “Esi Um Ninu”?
VELIS: Todo comenzó con el profundo deseo de construir algo conectado y auténtico, algo que encajara con nuestra esencia. Lo primero que tuvimos claro fue que queríamos crear un álbum conceptual basado en un pueblo olvidado desde hace mucho tiempo, que habitó la región alpina donde crecimos. Cuanto más leíamos y más vestigios de aquella época encontrábamos en los museos, más se estimulaba nuestra creatividad. Así fue como nuestro propio universo artístico comenzó a tomar forma mediante las historias, las letras y la música.

El álbum funciona como una historia fragmentada narrada a través de canciones y voces intercaladas. ¿Fue concebido desde el inicio como un relato completo o fue evolucionando durante la composición musical?
VELIS: La idea de conectar las canciones mediante narraciones que, al mismo tiempo, representaran las visiones de la oráculo Madame Noctinebra, estuvo presente desde el principio. Sus visiones se encuentran completamente fuera del concepto del tiempo, al igual que la propia Madame Noctinebra. Visualmente, esto puede apreciarse en su forma de vestir. Las narraciones no solo funcionan como un reflejo de los diferentes estados de ánimo, sino que también resultan cautivadoras gracias a sus hermosos paisajes sonoros orgánicos.

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En el disco conviven elementos de folk, metal progresivo y pasajes casi cinematográficos. ¿Cómo logran equilibrar lo acústico, lo ritual y lo extremo sin que pierda coherencia?
VELIS: Nunca fue un disco “planificado sobre una mesa”, por lo que el equilibrio surgió de una manera completamente espontánea, y el resultado nos satisfizo desde las primeras etapas. Por supuesto, no sabíamos exactamente cuál sería el resultado final. Cuando comenzó el proceso de preproducción, todavía no éramos conscientes de la cantidad de elementos que tendríamos que equilibrar. Sin embargo, hasta el día de hoy todo sigue funcionando muy bien.

Las voces femeninas y narrativas oraculares juegan un papel central en la atmósfera del álbum. ¿Qué simbolizan estas figuras dentro del concepto general de la obra?
VELIS: La sacerdotisa simboliza la encarnación de la Madre Tierra: una poderosa fuerza femenina preocupada por sus hijos, que espera que despierten de su actitud egocéntrica y superficial para evitar su propia caída. No es precisamente un tema completamente antiguo o pasado de moda, ¿verdad? ;-) Madame Noctinebra representa más bien la voz de la conciencia: algunas veces advierte y otras simplemente observa con preocupación. 

La crítica ha comparado su sonido con bandas como Wardruna o Myrkur, aunque el proyecto parece ir más allá de esas influencias. ¿Cómo definen ustedes la identidad sonora de Rakinua?

VELIS: Para ser sinceros, Rakinua no es completamente comparable con las bandas mencionadas, al menos no en su esencia. El sonido, el trasfondo conceptual y los elementos visuales evolucionaron durante el proceso creativo hasta convertirse en algo muy particular. Para nosotros era fundamental no convertirnos simplemente en “la próxima banda parecida a tal o cual grupo”. Con el tiempo fueron surgiendo inspiraciones e ideas que maduraron lentamente hasta que nos sentimos satisfechos. Naturalmente, siempre buscamos nuevas fuentes de inspiración.

El disco está profundamente ligado a la idea de lo ancestral y lo espiritual. ¿Es una construcción artística o existe también una exploración personal o filosófica detrás de este imaginario?

VELIS: Es una combinación de ambas cosas. Es una expresión de nuestras creencias filosóficas y espirituales traducidas en arte.

 RAKINUA - Warrior Of Light (OFFICIAL TRACK) 

“Esi Um Ninu” se siente como un álbum diseñado para ser escuchado de principio a fin, casi como una obra teatral o cinematográfica. ¿Qué importancia tiene para ustedes el concepto de álbum completo en la era del consumo fragmentado?

VELIS: Sin duda, estamos contando una historia, por lo que recomendamos experimentarla con unos buenos audífonos y en una versión de alta calidad, para poder apreciar cada una de sus capas y toda su riqueza. Por otro lado, las canciones también pueden disfrutarse individualmente como partes de un viaje más amplio.

Este es solo el primer capítulo de la saga. ¿Hacia dónde se dirige Rakinua después de “Heal Us, Mother”: más oscuridad, más expansión narrativa o una evolución completamente distinta?

VELIS: Lo que puedo revelar en este momento es que la historia continuará. Sin embargo, debido a que “Esi Um Ninu” termina con un gran signo de interrogación, la forma en que continuará será sorprendente.

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Otro Pvt0 Podcast #10 Los inicios del Occult Rock PT. 1

En este primer episodio dedicado a los orígenes del Occult Rock exploramos a dos de las bandas que sentaron las bases del género mucho antes de que se convirtiera en una etiqueta reconocida. Viajamos hasta Europa para descubrir el legado de Black Widow, pioneros silenciosos que combinaron teatralidad, oscuridad y referencias esotéricas, y cruzamos el Atlántico para reivindicar a Coven, considerados por muchos los verdaderos fundadores del Occult Rock gracias a su revolucionario álbum Witchcraft Destroys Minds & Reaps Souls (1969). Un recorrido por la historia, los mitos y la influencia de dos agrupaciones fundamentales cuya huella sigue presente en el rock y el metal de inspiración ocultista. ¡Bienvenidos a la primera parte de esta serie!

Between Sulphur and Mercury: An Interview

Sulphur and Mercury emerge as one of the most distinctive proposals within contemporary metal, bringing together musicians with established backgrounds in the international extreme metal scene to shape a project that goes beyond nostalgia. Their album *Alchemia Prophetica* not only revisits the roots of 1980s heavy metal, but also reinterprets them through a ritualistic, dark, and deeply conceptual vision. With influences ranging from doom and black metal to NWOBHM, the group builds a sonic narrative where the atmospheric and the aggressive coexist in constant tension. In this interview, we explore the origin of the project, its alchemical aesthetic, and the balance between tradition and experimentation that defines its identity within modern metal.

Sulphur and Mercury was formed almost like a “supergroup,” bringing together musicians from different extreme music scenes. What was the real idea behind uniting such different backgrounds?

Everything started when Jason and I (Francesco) met in Helsinki. The idea was to create something different from our usual projects, namely Misery Index and Spiritual Front. We wanted to play the kind of metal that first inspired us when we were teenagers—the metal of the mid-to-late 1980s, the records we still listen to and love today.

“Alchemia Prophetica” has been described as a reinterpretation of classic 1980s heavy metal (Mercyful Fate, Celtic Frost, Sabbat), but without falling into direct nostalgia. How do you balance influence with your own identity?

I think what makes it a bit different  is that we incorporated a variety of influences beyond just metal into the songs. We both come from very diverse musical backgrounds. Italian and British progressive rock from the 1970s has been a major influence on our songwriting, as have cinematic elements and film scores, ranging from Morricone and Frizzi to Carpenter and many others.

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Many outlets highlight the presence of ritualistic and occult elements in the album, both lyrically and sonically. Is this mainly an aesthetic construction, or is there a deeper conceptual intention behind that imagery?

These influences are part of our artistic vocabulary and of everything that fascinates us, both musically and lyrically. Through our compositions, we always try to evoke imagery and create a narrative atmosphere, almost like a short film. The same approach applies to the visual aspect of the band as well—artwork and graphic design are extremely important to us.

The use of keyboards and cinematic atmospheres (even compared to John Carpenter in some reviews) is unusual for bands in this style. What role does atmosphere play within the concept of Sulphur and Mercury?

Exactly as I mentioned before, keyboards and organs are the elements that bring those essential 1970s progressive and cinematic influences into our music. Every song contains a strong component of these elements, which are fundamental to the identity of our sound.

In reviews such as Metal Noise, the album is described as a mix of doom, NWOBHM, and more extreme elements, with moments that “shouldn’t work but do.” Do you intentionally aim for that kind of stylistic clash?

No, not at all. For the first EP, we simply tried to include all the elements that inspired us, without overthinking anything else. We wanted the songs to have that musical and visionary quality that we personally love.

70s and 80s Doom is also a huge music influence on us.

The EP was recorded between Rome and Helsinki and brings together musicians with very distinct backgrounds. What was the actual creative process like: collective composition or a guided vision from a central core?

Everything started from ideas developed by me and Jason. Later, we completed the songwriting process together with the rest of the band, refining the final details. The recordings took place first in Rome and then in Helsinki. Finally, our friend Ola Esfjord (Tribulation, Lucifer, Primordial) mixed the material, and the result was our debut EP.

If “Alchemia Prophetica” represents a starting point, where is Sulphur and Mercury heading in the future: more tradition, more experimentation, or a complete break from the current concept?

Alchemia Profetica was definitely a starting point. We now have a new lineup here in Helsinki, featuring Tami on bass, Kride on guitar, and Jaakko on drums. We have already released two new singles to introduce this lineup. The new tracks, Summon the Seer and Sulphur Eternal—the latter also accompanied by a music video—are available on streaming platforms.

These songs represent a clear evolution from the first EP and, in my opinion, define the sound and imagery of Sulphur And Mercury in a much stronger and more focused way. With this lineup, we are currently working on our debut full-length album.

 

THANK YOU VERY MUCH JORGE AND MIDNIGHT FUNERAL ZINE!

Francesco Conte 

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