Entrevista a Lord Gryphus... Ritual, carroña y resistencia

Lord Gryphus vuela desde la noche negra del death metal con una propuesta que mezcla ritual, carroña y resistencia cultural. Lejos de las fórmulas pulidas del metal contemporáneo, este trío enmascarado reivindica la crudeza del old school death metal como un acto de devoción sonora y simbólica. Gran parte de su universo conceptual gira en torno al Vultur Gryphus: el cóndor de los Andes, una deidad carroñera que devora los restos de la corrupción humana tras la ejecución de quienes representan la codicia, el colonialismo y el adoctrinamiento religioso. Grabado y producido entre Austin, Texas y Armenia, Colombia, su material debut busca recuperar la ferocidad noventera del Death Metal sin compromisos. Conversamos con la banda sobre anonimato, sacrificio, raíces y el sonido que ya comienza a dejar huella con promo canción “Bloodpath Dominion”.

Lord Gryphus no es solo un nombre, es una entidad. ¿Cómo nace esta deidad carroñera y qué representa dentro del universo conceptual de la banda, que ahora entiendo está relacionado con el cóndor de los Andes?

La deidad carroñera de Lord Gryphus se genera en la búsqueda de algo que nos tenga atados a nuestras raíces, algo majestuoso y descomunal que represente la muerte de una manera cruda y sin pudor, así como mejor lo representa “Vultur Gryphus”, nombre científico dado al cóndor de los Andes.  Lord Gryphus como concepto, representa al encargado de devorarse los restos humanos, a manera de ofrenda, por parte de “Lord Death” nombre que le damos al “Executioner” (parte simbólica y conceptual en el arte de la banda), encargado de asesinar los seres que simbolizan la corrupción y codicia escudados normalmente por religiones, encargadas de oprimir e indoctrinar mentes para su propio beneficio. 

Son tres músicos anónimos y enmascarados. ¿El anonimato es protección, estética o parte del sacrificio?

El anonimato hace parte del ritual ofrecido hacia Lord Gryphus, tres personas que ofrecen su repudio a males creados por el hombre que han llevado al mundo a su estado putrefacto, tres enmascarados simbolizando al “Executioner”, tres personas creando Death Metal sin ningún objetivo a reconocimientos individuales. 

LORD GRYPHUS

Grabaron en Texas, mezclaron y masterizaron en Colombia, cómo fue todo ese proceso y cómo ha sido la búsqueda de sello para prensar su debut? 

La verdad todo se ha podido realizar de manera relativamente rápida. Lord Gryphus es un proyecto demasiado joven, nos juntamos tres viejos amigos, todo fluyó de manera muy natural, y en un par de meses nos dimos cuenta de que teníamos material para grabar, y sacar un álbum. No quisimos perder el ímpetu, y grabamos en Austin para facilitar un poco las cosas, ya que dos de los tres integrantes viven allí. La mezcla y masterización la dejamos en manos de un viejo amigo, el cual está muy activo en la creación y producción musical, alguien de confianza para plasmar nuestras ideas sin ser juzgados o limitados en la propuesta de sonido que queríamos. 

Tienen ya definido el título del álbum? Incluyen invitados de peso como Mike De León (Flesh Hoarder & Soulfly) y Reese Alavi (Creeping Death). ¿Cómo influyeron estas colaboraciones en la intensidad del álbum?

Sí, el álbum ya tiene un nombre definido, esperamos muy pronto compartir toda la música y arte de la banda. La participación de Mike y Reese influyeron de una manera muy positiva para la grabación del cover “Troops of Doom”. Queríamos agregarle un poco más de “picante” a una canción que también nos mantiene atados a nuestro pasado y raíces. Sepultura siempre ha sido parte muy importante en nuestro camino dentro del Metal, hace parte de esa base sólida desde que comenzamos a escuchar metal. 

La banda rechaza la colonización y la imposición religiosa como plagas históricas. ¿Ven su música como un acto político o como un ritual más allá de la política?

Es definitivamente un ritual que va más allá de lo político.  La parte conceptual de la banda, la cual está protagonizada por Lord Gryphus y Lord Death, llevan un toque más fantasioso, donde se mezclan el repudio a la colonización y el adoctrinamiento religioso usado por imperios para saquear a nuestras culturas ancestrales con una historia que mezcla lo medieval del verdugo, trayendo la muerte y carroña humana, ofrecida para satisfacer al “Vultur Gryphus”, símbolo de la tierra ultrajada.

Por ahora solo hemos escuchado “Bloodpath Dominion” y están buscando sello para editar el debut. Si un sello duda, ¿qué le diría Lord Gryphus antes de ofrecerlo en sacrificio?

Bueno, nosotros buscamos que “Bloodpath Dominion” hable por sí solo; aquí no hay pretensiones de sonar “perfecto”. Queremos crear un sonido que nos identifique con lo que nos ha gustado desde que éramos unos adolescentes, y muy posiblemente hasta la muerte, Death Metal. Algo simple, pero contundente, un sacrificio y honor al OLD SCHOOL DEATH METAL.  

 Lord Gryphus - Bloodpath Dominion (promo song)

 

Su propuesta gira en torno a la ejecución, el sacrificio y la veneración de la muerte. ¿Qué buscan provocar en quien escucha “Bloodpath Dominion”: miedo, catarsis o confrontación?

Creo que el miedo está fuera de la cuestión. Queremos que las personas que escuchen “Bloodpath Dominion” y más adelante todo el álbum, suelten ese “uy que chimba” como suena esa banda, queremos conectar con la gente que ama ese sonido noventero, con esas personas que aún están atados a esas raíces del Death Metal.  Creo que catarsis y confrontación se alinearían un poco más; una purga personal de tanta fusión de los subgéneros del metal con un sonido super editado y perfecto, una confrontación a la gente que se olvida de sus raíces. 

En mi humilde opinión, su sonido evoca al death metal Sueco vieja escuela, con esa crudeza tipo Sunlight/Skogsberg. ¿Fue una decisión consciente o una consecuencia natural de su sonido? 

¡Esa es una opinión muy halagadora! Las influencias están ahí, y es muy probable que en nuestro sonido se encuentren elementos del Death Metal Sueco vieja escuela, (nos encantan las bandas de esa época). Definitivamente el objetivo de Lord Gryphus es en lo posible tener un sonido consecuente a esa época/estilo, lo cual incluye el Death Metal vieja escuela de la USA, indudablemente. 

¿Cómo han sido los shows que han hecho? ¿Y qué expectativa tienen para el show del 20 de marzo junto a los thrashers teutones ONSLAUGHT y la leyenda del Heavy Metal americano WARLORD?  

Como lo mencionaba anteriormente, Lord Gryphus es un proyecto muy nuevo, hasta el momento la banda ha participado en algunos shows locales los cuales han sido muy productivos, la gente ha reaccionado de una manera muy positiva a la música y propuesta de la banda. Las expectativas para el show con ONSLAUGHT y WARLORD son altas. Estamos más que agradecidos de poder participar en este tipo de shows con bandas de ese calibre, será un total honor compartir tarima con ellos. Como siempre, daremos lo mejor para este y cada uno de nuestros shows, es lo que nos gusta hacer, y queremos que la gente se contagie de ese sonido noventero, se conecten a las raíces, y disfrute de nuestra música. Jorge, mil gracias por este espacio, espero pronto poder compartirte el álbum entero. ¡Y en algún momento, tomar una cerveza mientras escuchamos buen metal!

LINKS DE INTERÉS:

Instagram

Spotify

DEAD HEART Psychobilly que arde desde adentro... Entrevista

Dead Heart irrumpió en la escena de Columbus en 2025 con Burning From Within, un debut visceral que fusiona punk crudo, contrabajo psicobilly y energía DIY en una descarga hecha para sudorosos escenarios underground. Desde sus inicios improvisados en ensayos hasta la creación de temas como “Choking” y el oscuro “Nosferatu”, la banda ha forjado un sonido propio que rechaza etiquetas tradicionales y prioriza la intensidad en vivo. Con raíces profundas en el punk, hardcore, metal y géneros hermanos, el trío rehúye uniformes y clichés estéticos, prefiriendo el desorden honesto y desafiante sobre el espectáculo. En esta entrevista con su baterista Charlie Taylor III, exploramos su génesis, proceso creativo, vida en la carretera (incluido un tributo a Motörhead en el que participa Charlie) y hacia dónde se dirige Dead Heart mientras continúan expandiendo su particular visión del rock contracultural. 

¿Qué te inspiró a formar Dead Heart en Columbus en 2025?

Conozco a John de la escena punk de Columbus y vi una publicación en Facebook donde buscaban baterista para una banda de psychobilly. Nunca había intentado tocar ese estilo porque venía del d-beat crust hardcore punk y el thrash metal, así que lo vi como un reto. El día que nos reunimos fue mágico. Era la primera vez que conocía a David, el guitarrista, y nunca había tocado con ninguno de los dos. En cuanto empezamos a tocar todo fluyó sin esfuerzo y compusimos dos canciones. Fue increíble. Tuvimos todas las canciones del primer disco en apenas siete ensayos.

¿Cómo influyeron tus bandas anteriores en el sonido que exploras ahora? Sabemos que has participado en proyectos como Laid to Rest, Lethal Aggression y tributos a Celtic Frost y Death.

He estado en bandas de hardcore, punk y metal desde finales de los 80. Esa energía y agresividad definitivamente siguen ahí. Somos como Dead Kennedys y Ramones chocando contra Stray Cats.

También tocas el bajo y cantas. ¿Cómo se siente estar al frente del público como vocalista en comparación con estar detrás de la batería?

He tocado bajo y he cantado en otras bandas, pero en Dead Heart estoy únicamente detrás de la batería. Ya no quería estar al frente. Hace unos 15 años decidí que solo tocaría batería en cualquier banda en la que estuviera. Cuando John me dijo que él y David estarían al frente, fui muy feliz.

Burning From Within se siente agresivo pero también muy emocional. ¿Qué temas intentaban expresar en el álbum?

Esa pregunta debería responderla John, ya que él escribe las letras. Pero si tuviera que decir algo, diría que hablan sobre reflexiones de relaciones pasadas, ex parejas narcisistas y vampiros, tanto psíquicos como sobrenaturales.

El psychobilly mezcla punk y rockabilly con imaginería de horror y actitud contracultural. ¿Cómo encaja Dead Heart en esa tradición?

Dead Heart no es una banda de psychobilly tradicional. Usamos elementos del punk y el horror y tenemos contrabajo, pero nuestras letras son diferentes y no usamos los típicos uniformes del género. Somos solo tres tipos en ropa de calle que van a patear traseros en el escenario. Me gusta describirnos como psycho-punk-thrashabilly.

¿Cómo influyó la grabación en Vaughn Music Studios en el sonido final del disco?

La pasamos increíble desde que metimos el equipo hasta el último día de mezcla. Es un estudio muy profesional y acogedor. Nuestro ingeniero, Matt Hagberg, fue increíble capturando exactamente los sonidos y sensaciones que queríamos. Hubo muchísimos momentos memorables y muchas risas.

¿Qué canción del álbum representa mejor la identidad de la banda?

Creo que el disco completo representa nuestra identidad. Está lleno de buena música y gran energía.

También estás en una banda tributo a Motörhead. ¿Sigues activo con ese proyecto?

Sí, toco en un tributo llamado Fast & Loose. Ya tenemos alrededor de 125 canciones en nuestro repertorio. Es mi proyecto alterno.

¿Qué respondes a quienes critican las bandas tributo?

Mientras capturen el espíritu y sonido original, no tengo problema. Bandas como Motörhead, que ya no existen, siguen vivas gracias a los tributos en el escenario. Sí, nos pagan, pero solo lo suficiente para regresar a casa. No vivo de eso. Tengo un trabajo regular. Es un hobby y es por diversión. Cuando deje de ser divertido, lo dejaré. Dead Heart es mi prioridad.

¿Cómo ha apoyado o desafiado la escena local de Columbus el crecimiento de la banda?

La escena es muy distinta a como era hace 31 años cuando me mudé aquí. No es muy solidaria ahora. Hay pequeños grupos cerrados y si no perteneces a ellos no te apoyan. Mucha gente va a los shows para ser vista, no para ser parte de la escena. Fuera de nuestra ciudad tenemos buenos públicos; aquí no recibimos mucho respeto. Eso cambiará con el próximo disco.

¿Cinco bandas de Columbus que recomiendes?

Coxey’s Army (street punk)

Prime Directive (punk)

Hell Is Here (d-beat crust)

Breath of Sarin (metallic hardcore)

Feral Housecats (garage-a-billy)

También: The Broken Barcodes, Angry Cougars, Feed Us Snacks, Church (death metal) y Sanguisugabogg.

¿Cómo se combinan sus distintas influencias al componer?

John llega con ideas ya estructuradas y con letras. Luego David y yo las “bastardizamos” y terminan siendo algo totalmente distinto a la idea original.

Sus shows son conocidos por su energía cruda. ¿Eso influye en cómo escriben?

Las canciones ya nacen como sonarían en vivo. Tocar en vivo no influye en la escritura.

¿Qué sigue para Dead Heart?

Estamos trabajando en nueve canciones para el próximo disco. Nunca dejamos de escribir. Tenemos varios shows y una mini gira por el noreste de Estados Unidos en julio de 2026.

Si pudieras pedirle a Lemmy que tocara una última canción, ¿cuál sería?

“Back at the Funny Farm”, porque es una de mis favoritas de mi álbum favorito de Motörhead, Another Perfect Day.

Links de interés:

 www.dead-heart.com

deadheart614.bandcamp.com

https://www.facebook.com/567724506415618/

https://www.instagram.com/deadheartpsycho

ORCHID THRONE Buried in black soil... INTERVIEW

For years, the name Nick Bonsanto has been linked to different projects within the subterranean metal scene, always in the background, always serving a collective vision. With Orchid Throne, that quiet journey finally finds its own voice. Buried in Black is not only a solo debut, but the materialization of ideas, emotions, and obsessions accumulated over more than a decade, now exposed without filters or concessions. Built entirely by Bonsanto (from composition to final production), the album moves between the heaviness of melodic doom metal and a deep emotional weight marked by anxiety, depression, and the search for meaning in a hostile world. There is no artifice or posturing: every note seems to emerge from an intimate, almost therapeutic process. Orchid Throne does not aim to reinvent the genre, but rather to inhabit it with honesty, allowing what was buried in darkness to finally see the light.

After nearly 17 years playing in different bands, Orchid Throne marks your first step as a solo artist. What finally pushed you to say, “now is the time to do my own thing”?

Thanks for taking the time to interview me, I really appreciate it! As for what pushed me to finally make my solo project, I suppose it's something I’ve wanted to do all along since I began my musical journey but the biggest thing holding me back was money, knowledge, and the ability to do so. This particular idea for a doom metal band started nearly a decade ago, and took shape as Orchid Throne a few years later. I always played guitar and other instruments at home and recorded ideas I liked but had no use for in my bands. I had an outline for the ideas that would be the basis of Orchid Throne and I held onto that dream for many years. I really wanted to see if I could even do it at all, so I jumped in a little over a year ago, amassing whatever tools I needed to make it happen and learning as I went.  With no one to stop me, I worked pretty quickly and had a ton of fun doing so, even if it was pretty scary too. I love playing in bands, but it always feels like it's someone else’s vision, mainly because I played bass or drums. I just really wanted to express myself and knew I couldn’t wait forever. It was very rewarding and I am excited to create more and I couldn’t be more proud of myself for not only seeing it through but making it as good as it is on my own. I’m honestly pretty surprised, hahaha.”

Buried in Black is entirely your work: songwriting, performances, production, mixing, and mastering. What was the biggest challenge of handling every aspect yourself, and what did the process teach you about your own limits and strengths?

I think the hardest aspects were the musical production parts. Feeling happy with a mix is difficult, the constant checking and comparing, the endless tweaks and hours spent just to completely rethink and rework it. It took forever and I just kept learning new tips and tricks as I went. I have tremendous respect for producers who make all these great sounding records we love. I have always been passionate about making music myself but I wasn’t sure I could ever do it, I just knew I had to try. Besides the producing, I would say the vocals were another great challenge. I sing in my car but never recorded my vocals. It was very hard to be satisfied with my own voice and I thought many people wouldn’t like it., but I knew I had to express my honest self and I had to do it. I didn’t even know I could do the harsh vocals until I started laying this stuff down. I just gave it my all and tried over and over until I was happy with the result. I hope as I make more I continue to improve on vocals, producing, everything. The fact people are liking my voice is the most surprising factor to me and I am very relieved! 

The title Buried in Black suggests emotions kept hidden for years. Do you feel this album closes a chapter in your life, or does it open a completely new creative path?

I haven’t really considered that, but you are spot on about the meaning of the title. I would say it's both. It does feel like I finally “got something off my chest” so to speak and proved I could present myself with a dream, a challenge, and achieve it. That door is closed now, I am happy to be on this ride now and it was difficult to say what I said on the album. However, I do see the open door before me, with Orchid Throne now established, I cannot wait to present more of my ideas, which there are numerous, and release more albums. It feels like the first step on a great, long, adventure. I already know there are more styles I want to explore and there’s more I wanna say.

Listen to the whole damn album.... Doom on!!!!

Bands like Swallow the Sun, Anathema, Woods of Ypres, and Draconian are often mentioned as reference points. What elements do you draw from these influences, and what do you feel sets Orchid Throne apart?

I’m glad that several reviews I got seemed to sum these up fairly well and captured what I was going for. I would say I was after the weight and power of a band like Swallow the Sun, the raw, open, honesty of Woods of Ypres, the emotional, tearjerking power of Anathema and the melodic metal sound of a band like Draconian. There are obviously tons of influences for me but those begin to paint a picture of my mindset for the project. Doom is not just a sound, it's a feeling, I was aiming to capture sadness, honesty, bleakness, and this is my vehicle for driving home an emotional record like this. What sets Orchid Throne apart, however, is that I don’t think it sounds like any one of those bands. When it's all put together I think it just sounds like me and that was another big goal of mine, not to make the same records we have already heard, but a new voice within a beloved scene of mine that people can hopefully resonate with.

You’ve mentioned collecting musical ideas and recordings for over a decade. Are there any songs on the album that originated from those early sketches and now carry special significance?

Yes, definitely! Guilt is the oldest piece on the record that is almost completely untouched from its original state from over a decade ago. It was an improvisation while I was in the throes of those feelings. The song is about that, I added the vocals and embellishments during the recording process. Breath of Autumn is also about as old, something I’ve been playing for so long and I knew I wanted it to be a segue into a bigger song. Besides those, there are a few riffs scattered throughout the album that are made up from little phone recordings I’ve kept and during the recording I would find new things to get from one point to the next. They definitely hold huge significance to me especially now, I think it's really cool that Guilt is getting so much love because I have believed in that idea for a song for soooo long, it's hard to believe.

Musically, the album balances crushing doom heaviness with melodic and emotional passages. How do you approach that balance without losing the atmosphere or emotional weight?

I think it comes naturally from the influences I draw from. I know what I’m after from my music and I suppose I just don’t think much about it. My main concern is, okay I’m saying this right now, this is what’s happening lyrically so how do I express that? Or if the riff comes first I think about what the music is making me feel. My goal is to make it musically cohesive, to tell a story, to present a feeling and get the message across. I love all kinds of music and I don’t feel I need to limit myself too much to get my goals across. Atmosphere is important in the stuff I like and a lot of that comes from layering and keyboards, sometimes I’m just playing a synth part that you feel more than hear or add vocals that sound far away which I think is all part of that emotional vision I had for the record. I suppose the balance is hard but I don’t think of it much, people will love or hate it, some of my favorite bands I know someone else hates and vice versa. I don’t aim to please everyone, I aim to make what I wanna hear and I trust my tastes and vision to guide me.

Orchid Throne exists as a one-man project, a format increasingly common in extreme metal. Does working alone allow for a level of honesty or vulnerability that might be harder to achieve in a full band?

Oh absolutely, I think so! This stuff is very “me” and it can be a hard sell working with others especially when I don’t want to compromise on where the music needs to go for the message I am conveying. Also, with no one to edit me, you can hear all my ideas, all of my maybe weirder approaches can’t be tampered down with a “what about this instead?” there is no appeasing anyone but myself and it also means the workflow goes faster. But I do still second guess everything constantly, it's hard to wear all the hats and be honest with yourself at the same time haha.

The use of flute on tracks like “Breath of Autumn” and “With Promise” adds a unique emotional texture. How did the idea to include flute come about, and what does it contribute to the album’s atmosphere?

Flute is an instrument I have always loved. Both of my older sisters were great flautists but I could never play it myself despite trying. Autumn or Fall was a central theme to the record and to me the flute and acoustic represents that vibe to me. I wanted to take someone to a solemn fall day, I think it makes things feel folkier and thus more natural. The flute is great for taking a melody and I love the texture it added to the record. On Moonlight Revelry I actually play all of those instruments in the intro, but the actual concert flute was done by Mary Beck on the last two tracks, I knew I couldn’t get that expressive and consistent for those songs and I didn’t want it to sound silly. Mary is a really great flautist and I’m happy to have her on this record which was something I wanted from the onset.

Thanks for your time… One last question: Buried in Black is your introduction to the world as a solo artist. Looking ahead, do you see Orchid Throne remaining a studio-focused project, or do you envision bringing it to the live stage?

Orchid Throne will remain a solo studio project but I am not opposed to bringing others in, possibly for production or guest spots or collaborations in the future. I have been getting asked this a lot and I feel that I would absolutely love to assemble a live band to bring the show to life. I can see it in my mind and it would be yet another huge milestone and defining moment in my life, so I will say, while there are no current plans to do so, I will absolutely consider it and make an attempt if I see a path. It would be amazing! I have never been a lead singer for a band and I would really love to try it. I have many ideas for a live Orchid Throne show but we’ll just have to see if it manifests. Thank you so much for this interview, it has been lovely and I appreciate you taking this time with me to spread the word of Orchid Throne! Keep up the great work, thank you!

Links of interest:

Click Leer reseña de Buried in Black

Bandcamp

Facebook

Instagram

ORCHID THRONE Enterrado en tierra negra... ENTREVISTA

Durante años, el nombre de Nick Bonsanto ha aparecido ligado a distintos proyectos dentro del metal, siempre desde un segundo plano, siempre al servicio de una visión colectiva. Con Orchid Throne, ese recorrido silencioso encuentra finalmente su propia voz. Buried in Black no es solo un debut en solitario, sino la materialización de ideas, emociones y obsesiones acumuladas durante más de una década, ahora expuestas sin filtros ni concesiones. Construido íntegramente por Bonsanto (desde la composición hasta la producción final), el álbum se mueve entre la pesadez del doom metal melódico y una profunda carga emocional marcada por la ansiedad, la depresión y la búsqueda de sentido en un mundo hostil. No hay artificio ni pose: cada nota parece surgir de un proceso íntimo, casi terapéutico. Orchid Throne no pretende reinventar el género, pero sí habitarlo con honestidad, dejando que aquello que estuvo enterrado en la oscuridad, por fin, vea la luz.

Después de casi 17 años tocando en diferentes bandas, Orchid Throne marca tu primer paso como artista solista. ¿Qué fue lo que finalmente te empujó a decir “ahora es el momento de hacer lo mío”?

¡Gracias por tomarte el tiempo de entrevistarme, de verdad lo aprecio mucho! En cuanto a lo que me impulsó a finalmente hacer mi proyecto solista, supongo que es algo que siempre quise hacer desde que comencé mi camino musical, pero lo que más me frenaba era el dinero, el conocimiento y la capacidad real de llevarlo a cabo. Esta idea en particular para una banda de doom metal comenzó hace casi una década y tomó forma como Orchid Throne algunos años después. Siempre tocaba guitarra y otros instrumentos en casa y grababa ideas que me gustaban pero que no tenían lugar en mis bandas. Tenía un esquema de ideas que serían la base de Orchid Throne y me aferré a ese sueño durante muchos años. Realmente quería ver si siquiera podía hacerlo, así que hace poco más de un año me lancé, reuní las herramientas necesarias y fui aprendiendo sobre la marcha. Al no tener a nadie que me detuviera, trabajé bastante rápido y me divertí muchísimo, aunque también fue bastante aterrador. Amo tocar en bandas, pero siempre sentía que era la visión de otra persona, principalmente porque tocaba el bajo o la batería. Realmente quería expresarme y sabía que no podía esperar para siempre. Fue muy gratificante, estoy emocionado por crear más, y no podría estar más orgulloso de mí mismo por no solo haberlo terminado, sino por haberlo hecho tan bien completamente por mi cuenta. Honestamente, estoy bastante sorprendido, jajaja.

Buried in Black es completamente tu trabajo: composición, interpretación, producción, mezcla y masterización. ¿Cuál fue el mayor desafío de encargarte de todo tú mismo y qué te enseñó el proceso sobre tus propios límites y fortalezas?

Creo que las partes más difíciles fueron las relacionadas con la producción musical. Sentirse satisfecho con una mezcla es muy complicado: la revisión y comparación constantes, los ajustes interminables y las horas dedicadas solo para luego replantearlo todo y rehacerlo. Tomó muchísimo tiempo, y seguía aprendiendo nuevos trucos y consejos a medida que avanzaba. Tengo un enorme respeto por los productores que crean esos discos con un sonido increíble que tanto amamos. Siempre he sido un apasionado de hacer música, pero no estaba seguro de si realmente podía hacerlo todo por mi cuenta; solo sabía que tenía que intentarlo. Además de la producción, diría que las voces fueron otro gran desafío. Canto en el coche, pero nunca había grabado voces. Fue muy difícil quedar satisfecho con mi propia voz y pensaba que a mucha gente no le iba a gustar, pero sabía que tenía que expresarme con honestidad. Ni siquiera sabía que podía hacer voces agresivas hasta que empecé a grabar este material. Simplemente lo di todo y lo intenté una y otra vez hasta quedar conforme con el resultado. Espero que, a medida que siga creando, continúe mejorando en las voces, la producción, en todo. El hecho de que a la gente le esté gustando mi voz es lo más sorprendente para mí, ¡y me deja muy aliviado!

El título Buried in Black sugiere emociones mantenidas ocultas durante años. ¿Sientes que este álbum cierra un capítulo de tu vida o abre un camino creativo completamente nuevo?

No lo había pensado de esa manera, pero has dado justo en el clavo con el significado del título. Diría que es ambas cosas. Se siente como si finalmente me hubiera “quitado un peso de encima” y hubiera demostrado que podía enfrentar un sueño, un desafío, y lograrlo. Ese capítulo está cerrado ahora, estoy feliz de estar en este camino, y fue difícil decir lo que dije en el álbum. Sin embargo, también veo una puerta abierta frente a mí. Con Orchid Throne ya establecido, no puedo esperar para presentar más ideas (que son muchas) y lanzar más álbumes. Se siente como el primer paso de una gran y larga aventura. Ya sé que hay más estilos que quiero explorar y más cosas que quiero decir.

Escucha todo el maldito álbum.... Doom on!!!!

Bandas como Swallow the Sun, Anathema, Woods of Ypres y Draconian suelen mencionarse como referencias. ¿Qué elementos tomas de estas influencias y qué crees que diferencia a Orchid Throne?

Me alegra que varias reseñas hayan resumido bastante bien estas influencias y hayan captado lo que estaba buscando. Diría que me interesaba el peso y la potencia de una banda como Swallow the Sun, la honestidad cruda y abierta de Woods of Ypres, la fuerza emocional y desgarradora de Anathema, y el sonido melódico del metal de Draconian. Obviamente tengo muchísimas influencias, pero esas ayudan a pintar una imagen de mi mentalidad para este proyecto. El doom no es solo un sonido, es un sentimiento. Mi objetivo era capturar tristeza, honestidad y desolación, y este proyecto es el vehículo para transmitir un disco tan emocional como este. Lo que distingue a Orchid Throne, sin embargo, es que no creo que suene como ninguna de esas bandas en particular. Cuando todo se une, creo que simplemente suena a mí, y ese era otro de mis grandes objetivos: no hacer los mismos discos que ya hemos escuchado, sino aportar una nueva voz dentro de una escena que amo y con la que espero que la gente pueda identificarse.

Has mencionado que llevas más de una década recopilando ideas musicales y grabaciones. ¿Hay canciones del álbum que se originaron en esos primeros bocetos y que ahora tengan un significado especial?

Sí, definitivamente. Guilt es la pieza más antigua del disco y está casi completamente intacta desde su estado original de hace más de una década. Fue una improvisación hecha en medio de esas emociones. La canción trata justamente de eso; añadí las voces y algunos adornos durante el proceso de grabación. Breath of Autumn también es muy antigua, algo que he tocado durante muchísimo tiempo y que siempre supe que quería usar como transición hacia una canción más grande. Además de esas, hay varios riffs repartidos por el álbum que provienen de pequeñas grabaciones en el teléfono que fui guardando, y durante la grabación fui encontrando nuevas formas de conectar una parte con otra. Todas tienen un enorme significado para mí, especialmente ahora. Me parece increíble que Guilt esté recibiendo tanto cariño, porque creí en esa idea de canción durante tantísimo tiempo que cuesta creerlo.

Musicalmente, el álbum equilibra una pesadez doom aplastante con pasajes melódicos y emocionales. ¿Cómo logras ese equilibrio sin perder la atmósfera ni el peso emocional?

Creo que surge de forma natural a partir de mis influencias. Sé lo que busco en mi música y supongo que no lo pienso demasiado. Mi principal preocupación es: “esto es lo que estoy diciendo ahora, esto es lo que ocurre a nivel lírico, ¿cómo lo expreso musicalmente?”. O, si el riff aparece primero, pienso en lo que la música me hace sentir. Mi objetivo es que sea cohesivo, contar una historia, transmitir una sensación y hacer llegar el mensaje. Me encanta todo tipo de música y no siento que deba limitarme demasiado para lograrlo. La atmósfera es muy importante para mí, y gran parte de eso viene de las capas y los teclados; a veces es un sintetizador que se siente más de lo que se oye, o voces que suenan lejanas. Todo eso forma parte de la visión emocional que tenía para el disco. El equilibrio puede ser difícil, pero no le doy demasiadas vueltas. A la gente le gustará o no, y está bien. Algunas de mis bandas favoritas sé que a otras personas les disgustan, y viceversa. No intento complacer a todo el mundo; intento hacer la música que quiero escuchar y confiar en mi gusto y mi visión.

Orchid Throne existe como un proyecto de una sola persona, un formato cada vez más común en el metal extremo. ¿Trabajar en solitario permite un nivel de honestidad o vulnerabilidad que sería más difícil de lograr en una banda completa?

Oh, absolutamente. Este proyecto es muy “yo”, y puede ser complicado trabajar con otros cuando no quieres comprometer hacia dónde debe ir la música para transmitir el mensaje que buscas. Además, al no haber nadie que me edite, se escuchan todas mis ideas; incluso los enfoques más extraños no se suavizan con un “¿y si hacemos esto en su lugar?”. No tengo que complacer a nadie más que a mí mismo, y eso también hace que el flujo de trabajo sea más rápido. Eso sí, sigo dudando de todo constantemente. Es difícil llevar todos los sombreros y ser honesto contigo mismo al mismo tiempo, jaja.

El uso de la flauta en temas como “Breath of Autumn” y “With Promise” aporta una textura emocional única. ¿Cómo surgió la idea de incluirla y qué aporta a la atmósfera del álbum?

La flauta es un instrumento que siempre me ha encantado. Mis dos hermanas mayores son excelentes flautistas, pero yo nunca pude tocarla bien a pesar de intentarlo. El otoño fue un tema central del disco, y para mí la flauta y lo acústico representan perfectamente esa vibra. Quería transportar a la gente a un día otoñal solemne; creo que le da un aire más folk y, por lo tanto, más natural. La flauta es genial para llevar una melodía, y me encanta la textura que aporta al disco. En Moonlight Revelry toco yo mismo todos los instrumentos de la introducción, pero la flauta de concierto en los dos últimos temas fue interpretada por Mary Beck. Sabía que no podía lograr ese nivel de expresividad y consistencia para esas canciones y no quería que sonara forzado. Mary es una flautista increíble y estoy muy feliz de contar con ella en este disco; era algo que quería desde el inicio.

Para terminar: Buried in Black es tu presentación al mundo como artista solista. Mirando hacia el futuro, ¿ves a Orchid Throne como un proyecto centrado en el estudio o imaginas llevarlo al escenario?

Orchid Throne seguirá siendo un proyecto solista de estudio, aunque no me cierro a incluir a otros en el futuro, ya sea para producción, colaboraciones o apariciones especiales. Me preguntan mucho por los conciertos, y sinceramente me encantaría formar una banda en vivo para dar vida al proyecto. Puedo verlo en mi mente y sería otro gran hito y momento definitorio en mi vida. Así que, aunque actualmente no hay planes concretos, definitivamente lo consideraré e intentaré hacerlo si veo un camino posible. ¡Sería increíble! Nunca he sido el cantante principal de una banda y realmente me gustaría probarlo. Tengo muchas ideas para un show en vivo de Orchid Throne, pero habrá que ver si se materializa. Muchas gracias por esta entrevista, ha sido un placer. Aprecio mucho que te hayas tomado el tiempo para ayudar a difundir Orchid Throne. ¡Sigan con el gran trabajo, gracias! 

Links de interés:

Click Leer reseña de Buried in Black

Bandcamp

Facebook

Instagram

ARGUS - En vivo en Medellín Colombia - 11-03-1983 - Bootleg tape

Boleta del evento

La verdad apenas nos desayunamos que en Medellín/Colombia, hacia principios de los años 80s, hubo un toque por "todo lo alto", con una agrupación proveniente de tierras salvajes y pantanos atestados por cocodrilos; no estamos hablando del Norte de Santander, Colombia, donde también los hay y bien grandotes, sino de Florida/USA, la tierra del Death Metal, que en los 80s, era más que nada geby. No es secreto que allí surgieron bandas como SAVATAGE, NASTY SAVAGE o ARGUS, de Tampa. Los protagonistas de aquel concierto. Ellos (los ARGUS) no pasaron a mayores como sus coterráneos, pero sí dieron de que hablar en su época cuando lograron grabar su EP "Argus-'83", un plástico de 12" que debía ser reproducido a 45 rpm, en el que salían 4 cortes (2 por cada lado) de lo que hoy por hoy encasillaríamos como Heavy Metal tradicional, con momentos movidos, otros más rítmicos, voces agudas y obviamente solos de guitarra octavados. Sin embargo, como se dijo anteriormente, ARGUS, no tuvo mucho impacto en la escena Yankee, pero, a pesar de esto, se podría decir que su música trascendería las fronteras.

ARGUS bajando del avión en Colombia años 80s

Y sería más especialmente las fronteras del denominado Valle de Aburrá, en Medellín Antioquía, donde el quinteto floridano arribaría para descargar metal pesado ante cerca de 10 mil espectadores que los aguardaban en la plaza la Macarena, la noche del 11 de marzo de 1983, lo que quiere decir que mientras lees esto, se están cumpliendo exactamente 35 años de aquel show en el que los gringos estuvieron acompañados por una agrupación local llamada FENIX y COMPLOT, quienes solo aparecieron en la publicidad y boletería porque no tocaron, o eso fue lo que averiguamos. El set completo de ARGUS (que lo puedes descargar pinchando acá) duró un poco más de una hora y estuvo cargado por 11 cortes, con incluso algunos covers de ANGEL WITCH, SCORPIONS (con 2 covers) y TRESPASS. La calidad de dicho tape es bastante bueno, lo que me lleva a especular que la fuente de la que proviene podría ser el mismo soundboard original, en el que incluso se escucha el bullicio de los metal bangers asistentes. Debemos decir que el toque de ARGUS sería uno de los primeros eventos organizados en la capital de la montaña con primero, una cuota internacional y segundo, con los recursos dignos de un concierto profesional, con backline, sonido, luces, mejor dicho, todo un sueño húmedo para un metalero en su época.

Ahora, como dato insólito, el toque sería promovido por la organización de inclusión social "Medellín Sin Tugurios" que como bien saben, estaba al comando de Pablo Emilio Escobar Gaviria, este dato puede ser complementado viendo el video que colgamos más abajo en el que aparece un jocoso testimonio de Raúl Velázquez, uno de los empresarios que hizo posible tan memorable evento, que evidencia que a los NARCOS también les gustaba el rock duro, o sino, vayan y le preguntan a Carlos Lehder, antiguo socio de Pablito, quien se dice era un fan del rock que llevó a la posada alemana a tocar a los Stones, pero lo cierto es que eso fue solo un mito; lo único cierto de dicha historia, es que Lehder, sí anduvo con un Stone (Ronnie Wood) y hasta con un Beatle (Ringo Starr), pero, no en Colombia, sino en una de sus mansiones de Lehder en las Bahamas, en donde los músicos se la pasaron esnifando coca y tocando algunas canciones con los instrumentos del tristemente célebre traqueto. Y no es más. 

ARGUS en Medellín '83

  

METAL MANIACS MAGAZINE.... ALGUNOS NÚMEROS RECIÉN HORNEADOS EN MI ESCANER

Escanear revistas es un oficio algo desagradecido, tedioso y aburrido. Lo único bueno es cuando cerramos  la tapa del escáner sintiendo algo de dolor de espalda,  cierta somnolencia y una sensación rara de deber cumplido que se traduce un poco al siguiente pensamiento: “He salvado un trozo de la historia metálica, los que amamos los magazines, sabrán que esta es una excelente oportunidad para adquirir material agotado/out of print.” Y pues en cuanto a METAL MANIACS, ya lo comentábamos en este viejo POST. Pero déjenme se los recuerdo brevemente. MM fue un magacho con un tiraje de 10 ediciones por año, que se podía comprar acá en Colombia en tiendas de Bogotá y Medellín. METAL MANIACS abruptamente dejó de circular su versión impresa, todo y gracias a que el grupo editorial, Zenbu Media pensó que el magazine ya no era rentable en la avasallante era de Internet, pero sin embargo, el grupo editorial no avisó a los subscriptores y se armó un lío terrible ya que había gente que había pagado por números que nunca recibieron en realidad.

Ya en 2009 METAL MANIACS empezó a operar nuevamente pero en línea, de hecho fundaron un sello llamado METAL HIT para lanzar ediciones digitales de música. A propósito de esto último, el grupo de Black/Death Metal Colombiano Nepente, aparece como una de las bandas apoyadas por Metal Hit, su más reciente disco “Suffering is the Seed” se puede comprar digitalmente. Hace tiempo tenía en borrador este post con este Pack de METAL MANIACS la mayoría son de 2008 y pueden ser leídas en formato .cbr los que no tengan ni idea, se pueden bajar el CDisplay directamente de softonic, eso sí, cuando lo estén instalando recuerden chulear instalación personalizada para evitar que softonic les instale esos programas basuras que supongo son los que pagan el sitio. Finalmente quiero comentarles que todas las revistas las subí a sendspace, uno de los pocos clientes de discarga directa que no jode tanto y que su uso es anti tontos, de hecho desde que murió mi cuenta en mediafire, he estado remplazando algunos links muertos, así que si ven que algún link caducó me avisan y bueno l@s dejo ya, no espero su agradecimiento pero si creen que tienen otros números de METAL MANIACS me lo pueden hacer saber en un comentario, nos vemos, stay metal & ugly!!!!!

METAL MANIACS AGOSTO 2001

DOWNLOAD

METAL MANIACS MARZO 2004

DOWNLOAD

METAL MANIACS ABRIL 2008

DOWNLOAD

METAL MANIACS SEPTIEMBRE 2008

DOWNLOAD

METAL MANIACS OCTUBRE 2008

DOWNLOAD

METAL MANIACS NOVIEMBRE 2008

DOWNLOAD

METAL MANIACS DICIEMBRE 2008

DOWNLOAD

 METAL MANIACS ENERO 2009

DOWNLOAD