Otro Pvt0 Podcast #10 Los inicios del Occult Rock PT. 1

En este primer episodio dedicado a los orígenes del Occult Rock exploramos a dos de las bandas que sentaron las bases del género mucho antes de que se convirtiera en una etiqueta reconocida. Viajamos hasta Europa para descubrir el legado de Black Widow, pioneros silenciosos que combinaron teatralidad, oscuridad y referencias esotéricas, y cruzamos el Atlántico para reivindicar a Coven, considerados por muchos los verdaderos fundadores del Occult Rock gracias a su revolucionario álbum Witchcraft Destroys Minds & Reaps Souls (1969). Un recorrido por la historia, los mitos y la influencia de dos agrupaciones fundamentales cuya huella sigue presente en el rock y el metal de inspiración ocultista. ¡Bienvenidos a la primera parte de esta serie!

Iron Claw: The Lost Echoes of Scottish Proto-Metal - INTERVIEW

 

In the darkest margins of heavy metal’s birth, where official history barely scratches the surface, the name Iron Claw emerges as one of the most enigmatic pieces of British proto-metal. Formed in Scotland in the late 1960s, their raw, heavy, and ahead-of-its-time sound makes them a fundamental band for understanding the evolution of hard rock into more extreme forms. However, their legacy was not built on official albums from their golden era, but on lost recordings, recovered tapes, and a legendary bootleg known as *Clawstrophobia*, which over the years became a cult object. Their story is also deeply tied to the early influence of Black Sabbath and to a scene that still did not understand the impact of what was being born. In this interview, we explore their journey, the material that was left forgotten, their breakup, and the rediscovery of their legacy decades later, through the voices of the protagonists themselves.

How was the band originally formed, and what musical influences shaped your early sound at that time?

The idea to start a band originated when I reached my 21st birthday … I wanted to make a record and have it released! This was in the summer of 1969, in those days there was no internet, no “do it yourself” methods to bring a recording out, you had to have a band of sufficient quality playing wise to hopefully get a record contract. At the time I was assisting in managing a local band called “Amplified Heat” who were the only band in the Dumfries, Scotland area playing blues-rock covers… I was also regularly recording “Amplified Heat” at the time, which influenced my decision to start a band of a sufficiently high standard to gain a recording contract... I’d heard some local teenagers over some months that summer (who had asked to “have a shot with real equipment”) at Amplified Heat local gigs who had impressed me with their ability and I’d taken a mental note of them. So the origins of what ended up as “Iron Claw” began in the summer of 1969 when I recruited Jimmy Ronnie (gtr)(15) and Iain McDougall (drums) (15). It doesn’t take a genius to work out who was in charge of everything, (financially, equipment supply and  music style) I was 21 and working and they were still at school! So we worked hard as a 3 piece at the start doing covers of harder, more challenging blues rock numbers … I also recorded the rehearsals in order to eliminate errors during the learning of covers (a hard task-master I suppose but I’d already learned the lesson that bands that make mistakes don’t advance their ambitions). I’d seen Led Zeppelin on their first tour of the UK  in July 1969 playing blues/hard rock and was blown away by their professionalism… (you could still buy tickets on the night for Zeppelin, they were just starting off!)… Then I saw Black Sabbath in Dumfries in November 1969 and (after speaking to them and learning that they were writing their own songs) the penny dropped and I started to focus on doing original material as well as covers...
 

To begin with, how do you remember the early years of Iron Claw and the Scottish music scene in the late 1960s and early 1970s? 

The Scottish music scene was run by agencies in the late 60’s/early 70’s who were only interested in pop/soul music, certainly no one who played rock or original music, so it was a hard struggle to keep Iron Claw going, (again, no internet to build a fan following, no radio or tv exposure unless you played pop/soul) so any support had to be gained by playing live (if a venue put you on!) or hiring your own venues. Financially, it fell down to me to keep the band  going.
 

Much of Iron Claw’s early material was never officially released during your active years. What was the recording process like, and why were those songs left archived?

Our first recording was in Edinburgh on a four track machine with two originals (“Sabotage” and “Mist Eye”) in late summer of 1970, we had won a 3 hour recording session as a prize in a local contest held in Dumfries. This whetted my appetite so I splashed out a month’s wages to record in London in December 1970 in a 4 track studio, recording 8 originals in an 8 hour session (recording and mixing!). Of course, getting it signed up and released at the time was a whole different problem! So the material remained unreleased back then. The bootleg 

“Dismorphophobia” became a cult item among collectors. How do you feel about that “unofficial” material eventually circulating and gaining recognition?

When Iron Claw split up in 1974, the band members scattered to various parts of the UK and I was left with the debts of the band to clear up which took me approx 4 years… in order to help raise some funds for this debt clearance I made some home made cassette tapes , only approx 60 tapes (Remains To Be Heard” which had 14 original Iron Claw tracks) and sold them to local Dumfries fans. One of the cassettes was  obtained by some German bootleggers. I’ve never found out how they got it or who from) and it was the bootleggers who released “Dismorphophobia” on CD… the sound quality was pretty bad though as it must have been about the third generation recording from a cassette. Needless to say I was astonished when the bootleg CD appeared in the late 90’s!… Later, the bootleggers brought out another bootleg CD called “Buried Alive” which combined some of the same recordings of Iron Claw with some recordings of the “Flying Hat Band” (Glenn Tipton of Judas Priest fame). To add to the subterfuge, the bootleggers pretended that the Iron Claw songs were from a new band called “Antrobus”… totally fake name and back-story...

IRON CLAW LIVE

What do you remember about the recording sessions included in “Dismorphophobia”, and how faithful are they to the band’s original vision? 

We recorded the whole set between 10am and 6pm on 5th December 1970… we had rehearsed heavily previous to that date so that we could do the material more or less in one take without mistakes… I remember the engineer saying he couldn’t tell one song from another on playback, so to me that was a good thing because it meant we had our own identifiable sound! We also played at full stage volume in the studio so it was really a faithful recording of the band then. Because it was an vinyl album’s worth of material I wanted one side really “heavy” with extended songs and the other side with shorter songs (hoping to use for a single would you believe!)

THIS IS IRON CLAW MOTHERTRUCKERS

The influence of Black Sabbath is constantly mentioned in relation to Iron Claw. How direct was that influence on your sound and songwriting? 

No denying they were very influential, but as I said earlier it was the fact that they told me they were writing their own stuff that was the real main influence… Also, unlike Led Zeppelin who were obviously “superstars” already when I first saw them in 1969, the Sabbath lads (they were all younger than me!) were real polite down-to -earth guys (just like normal folks!) that you could identify with. If they could write their own music then I could!

It is even said that you were among the first bands to perform Black Sabbath songs live. What was your early connection with their music like? 

I decided to cover some Black Sabbath songs in December 1969… they were so popular in Dumfries it seemed like a smart move to put some of their songs in our early sets! I then figured why don’t we do the whole album at the start of 1970 and it was a good way to start thinking of album writing...

 

IRON CLAW... In color! 

When the material was rediscovered and officially released decades later, how did you experience that late “rebirth” of Iron Claw? 

Because I still had the original tapes with a good sound quality, when Rockadrome approached me to release the early stuff I was happy to do that to get a better quality recording released. That would be in the early 2000’s… I was very pleased that more people could hear it properly then.

Why did the band originally split? And how was the comback en 2010?
 

The band split primarily because we’d been playing together for 5 years and in the process af “growing up” and maturing (ie the youngest members were 21 and wanting social lives, girlfriends, marriages) combined with the 1974 oil crisis (which meant petrol costs went up literally overnight from 15 pence a gallon to 100 pence a gallon) meant that I was losing money trying to keep the band going (I was still the only one with a regular job)… As regards the comeback in 2010, it was beset with problems from the start. It wasn’t easy to start again and expect to sound the same, there wasn’t the same relationships and it was more of a “can this be really happening?” feeling...

 

Let’s talk about what became your first official full-length album, A Different Game (2011), released by Ripple Music. Coming 40 years later, it’s naturally a very different record—more direct, less psychedelic, and more structured within hard rock and heavy metal. What do you personally take away or value most from that album? 

Personally, I was disappointed with the musical content… Ripple had said they wanted a “heavy” album and I was up for that but, as you say, it’s a very different album than the one I envisaged. My home studio was used for a whole year (and I was listening to the songs for a whole year engineering it!) so my perspective is a bit more critical… Also, it transpired it was NOT a good record deal I’m sorry to say, but I had nothing to do with that side of things (apart from closing down the contract). There was also a clash of personalities between some band members that didn’t help either… as usual I was left to sort out the difficulties (some things never change even after 45 years)...

 

Los dioses escoceses del Proto-Metal 

What motivated the idea of releasing a Black Sabbath covers project, and how did that creative process come together?
Thanks to the internet there is still some interest in the Iron Claw, so when Yunque Records asked if there were live recordings of Iron Claw from 1970 playing Black Sabbath covers, I still have the recordings from that era and had no problem in agreeing to it… As an aside, it amuses me that 56 years later, even local Dumfries bands are adding a Sabbath song to their set (56 years too late right enough) thinking they’re “cool” for covering a Sabbath song… 30 year ago they were slagging them to death!
 

From your perspective, which bands do you consider true pioneers of so-called “proto-metal” aside from yourselves? 

Difficult to pin that one down… Classical music has some brilliant “heavy” riffs, for example “Mars, The Bringer Of War”, the end of the “1812 Overture”… I like all kinds of music so I’ll bow to the knowledge of the cognoscenti of “proto-metal” I think… I’ll go for Holst and Tchaikovsky (amongst others) for starting it off!

Looking back, how would you like Iron Claw’s legacy to be remembered within the history of heavy metal and hard rock?

It’s amazing to me to hear young bands playing Iron Claw songs from the early era (eg Blood Ceremony, Sacri Monti, etc) which proves to me there was something good about Iron Claw… hopefully youngsters still hear it occasionally and appreciate it… If I may use a quote I wrote in the Rockadrome booklet that’s with the first CD…  “Times were hard, money was always tight, but sometimes the music was transcendental”...

Any final comments to the readers and long time fans of Iron Claw? 

I’ll be 80 years old at the end of next year (2027) and I don’t play live anymore (or have the desire to) but I embrace new technology which has enabled me to breath life into lyrics I wrote between 1971 and 1985 which I envisaged as possible Iron Claw songs (even after we’d split up in 1974)… The majority were too heavy to use in the 2010 reincarnation and certainly didn’t make the “cut” in the early 70’s, some are quite autobiographical, so I kept them back hoping to use them one day… I intend to release them in some format soon, I’m very happy to be still hammering out songs!

Mr. Alex Wilson... Soon to be 80! We salute you SIR!

Iron Claw: Los ecos perdidos del proto-metal escocés - ENTREVISTA

En los márgenes más oscuros del nacimiento del heavy metal, donde la historia oficial apenas roza la superficie, emerge el nombre de Iron Claw como una de las piezas más enigmáticas del proto-metal británico. Formados en Escocia a finales de los años 60, su sonido crudo, pesado y adelantado a su tiempo los convierte en una banda fundamental para entender la evolución del hard rock hacia formas más extremas. Sin embargo, su legado no se construye sobre discos oficiales de su época dorada, sino sobre grabaciones perdidas, cintas recuperadas y un mítico bootleg conocido como Clawstrophobia, que con los años se transformó en objeto de culto. Su historia también está profundamente ligada a la influencia temprana de Black Sabbath y a una escena que aún no comprendía el impacto de lo que estaba naciendo. En esta entrevista, exploramos su trayectoria, el material que quedó en el olvido, su separación, y el redescubrimiento de su legado décadas después, desde la voz de sus propios protagonistas.

¿Cómo se formó originalmente la banda y qué influencias musicales moldearon su sonido inicial en aquel momento?

La idea de formar una banda surgió cuando cumplí 21 años… ¡Quería hacer un disco y que fuera publicado! Esto fue en el verano de 1969. En esos días no existía internet ni métodos de “hazlo tú mismo” para sacar una grabación; tenías que tener una banda con un nivel musical suficientemente alto como para, con suerte, conseguir un contrato discográfico. En ese momento yo ayudaba a manejar una banda local llamada Amplified Heat, que era la única banda en el área de Dumfries, Escocia, que tocaba versiones de blues-rock. También grababa regularmente a Amplified Heat, lo cual influyó en mi decisión de formar una banda con el nivel suficiente para lograr un contrato de grabación. Durante algunos meses de ese verano había escuchado a unos adolescentes locales, que habían pedido “probar con equipo de verdad” en conciertos locales de Amplified Heat, y me impresionaron por su habilidad, así que los tuve presentes. De esa manera, los orígenes de lo que terminó siendo Iron Claw comenzaron en el verano de 1969, cuando recluté a Jimmy Ronnie en la guitarra, de 15 años, y a Iain McDougall en la batería, también de 15. No hacía falta ser un genio para darse cuenta de quién estaba a cargo de todo: las finanzas, el equipo y el estilo musical. Yo tenía 21 años y trabajaba; ellos todavía estaban en la escuela. Así que al principio trabajamos duro como trío, haciendo versiones de temas de blues-rock más pesados y desafiantes. También grababa los ensayos para eliminar errores mientras aprendíamos las versiones. Supongo que era bastante exigente, pero ya había aprendido la lección de que las bandas que cometen errores no avanzan en sus ambiciones. Había visto a Led Zeppelin en su primera gira por el Reino Unido, en julio de 1969, tocando blues/hard rock, y quedé impresionado por su profesionalismo. En ese entonces todavía se podían comprar entradas la misma noche para ver a Zeppelin; apenas estaban empezando. Luego vi a Black Sabbath en Dumfries, en noviembre de 1969, y después de hablar con ellos y enterarme de que estaban escribiendo sus propias canciones, entendí todo y empecé a enfocarme en hacer material original, además de versiones.

IRON CLAW EN VIVO

¿cómo recuerdas los primeros años de Iron Claw y la escena musical escocesa de finales de los años sesenta y comienzos de los setenta?

La escena musical escocesa de finales de los 60 y comienzos de los 70 estaba controlada por agencias que solo estaban interesadas en la música pop y soul. Ciertamente no había interés en quienes tocaban rock o música original. Por eso fue una lucha difícil mantener a Iron Claw en marcha. De nuevo, no existía internet para construir una base de seguidores, ni exposición en radio o televisión a menos que tocaras pop o soul. Así que cualquier apoyo había que conseguirlo tocando en vivo, si algún lugar te daba la oportunidad, o alquilando tus propios espacios. Financieramente, mantener la banda recayó sobre mí.

Gran parte del material temprano de Iron Claw nunca fue lanzado oficialmente durante los años activos de la banda. ¿Cómo fue el proceso de grabación y por qué esas canciones quedaron archivadas?

Nuestra primera grabación fue en Edimburgo, en una máquina de cuatro pistas, con dos canciones originales: “Sabotage” y “Mist Eye”, a finales del verano de 1970. Habíamos ganado una sesión de grabación de tres horas como premio en un concurso local realizado en Dumfries. Eso me abrió el apetito, así que gasté el salario de un mes para grabar en Londres, en diciembre de 1970, en un estudio de cuatro pistas. Grabamos ocho canciones originales en una sesión de ocho horas, incluyendo grabación y mezcla. Por supuesto, conseguir que alguien lo firmara y lo lanzara en ese momento era un problema completamente distinto. Así que el material permaneció inédito en aquella época.

El bootleg “Dismorphophobia” se convirtió en un objeto de culto entre coleccionistas. ¿Cómo te sientes respecto a que ese material “no oficial” terminara circulando y ganando reconocimiento?

Cuando Iron Claw se separó en 1974, los miembros de la banda se dispersaron por varias partes del Reino Unido y yo quedé encargado de saldar las deudas de la banda, lo cual me tomó aproximadamente cuatro años. Para ayudar a reunir algo de dinero y pagar esas deudas, hice unas cintas caseras en casete, unas 60 copias aproximadamente, llamadas “Remains To Be Heard”, que contenían 14 canciones originales de Iron Claw. Las vendí a fans locales de Dumfries. Uno de esos casetes llegó a manos de unos bootleggers alemanes —nunca supe cómo lo consiguieron ni de quién— y fueron ellos quienes lanzaron “Dismorphophobia” en CD. Sin embargo, la calidad de sonido era bastante mala, ya que debía ser una copia de tercera generación tomada de un casete. No hace falta decir que quedé asombrado cuando apareció ese CD pirata a finales de los años 90. Más tarde, esos mismos bootleggers sacaron otro CD pirata llamado “Buried Alive”, que combinaba algunas de las mismas grabaciones de Iron Claw con grabaciones de Flying Hat Band, la banda asociada a Glenn Tipton, famoso por Judas Priest. Para aumentar el engaño, los bootleggers fingieron que las canciones de Iron Claw pertenecían a una nueva banda llamada “Antrobus”. Era un nombre y una historia de fondo totalmente falsos.

THIS IS IRON CLAW MOTHERTRUCKERS

¿Qué recuerdas de las sesiones de grabación incluidas en “Dismorphophobia” y qué tan fieles son a la visión original de la banda?

Grabamos todo el set entre las 10 de la mañana y las 6 de la tarde del 5 de diciembre de 1970. Habíamos ensayado mucho antes de esa fecha para poder tocar el material más o menos en una sola toma, sin errores. Recuerdo que el ingeniero dijo que no podía distinguir una canción de otra durante la reproducción. Para mí eso era algo bueno, porque significaba que teníamos un sonido propio e identificable. También tocamos en el estudio con el volumen completo de escenario, así que fue una grabación realmente fiel a cómo sonaba la banda en ese momento. Como era material equivalente a un álbum de vinilo, yo quería que un lado fuera realmente “pesado”, con canciones extendidas, y el otro lado tuviera canciones más cortas, con la esperanza de usarlas para un sencillo, aunque parezca increíble.

La influencia de Black Sabbath se menciona constantemente en relación con Iron Claw. ¿Qué tan directa fue esa influencia en su sonido y en su composición?

No se puede negar que fueron muy influyentes, pero como dije antes, el hecho de que me dijeran que estaban escribiendo su propio material fue la influencia principal. Además, a diferencia de Led Zeppelin, que obviamente ya eran “superestrellas” cuando los vi por primera vez en 1969, los chicos de Sabbath —todos eran más jóvenes que yo— eran tipos muy educados, sencillos y con los pies en la tierra, como gente normal con la que uno podía identificarse. Si ellos podían escribir su propia música, entonces yo también podía hacerlo.

Incluso se dice que ustedes estuvieron entre las primeras bandas en tocar canciones de Black Sabbath en vivo. ¿Cómo fue su conexión temprana con esa música?

Decidí hacer versiones de algunas canciones de Black Sabbath en diciembre de 1969. Eran tan populares en Dumfries que parecía una decisión inteligente incluir algunas de sus canciones en nuestros primeros repertorios. Luego pensé: ¿por qué no hacemos el álbum completo a comienzos de 1970? Y eso fue una buena manera de empezar a pensar en la composición de un álbum.

Los IRON CLAW... Una foto a color! 

Cuando el material fue redescubierto y lanzado oficialmente décadas después, ¿cómo viviste ese “renacimiento” tardío de Iron Claw?

Como todavía conservaba las cintas originales con buena calidad de sonido, cuando Rockadrome se acercó a mí para lanzar el material temprano, me alegró hacerlo para que saliera una grabación de mejor calidad. Eso fue a comienzos de los años 2000. Me alegró mucho que más personas pudieran escucharlo correctamente.

¿Por qué se separó originalmente la banda? ¿Y cómo fue el regreso en 2010?

La banda se separó principalmente porque llevábamos cinco años tocando juntos y, en el proceso de crecer y madurar, los miembros más jóvenes ya tenían 21 años y querían vidas sociales, novias, matrimonios, etc. A eso se sumó la crisis del petróleo de 1974, que hizo que los costos de la gasolina subieran literalmente de la noche a la mañana, de 15 peniques por galón a 100 peniques por galón. Eso significaba que yo estaba perdiendo dinero intentando mantener la banda en marcha, y seguía siendo el único con un trabajo regular. En cuanto al regreso de 2010, estuvo lleno de problemas desde el inicio. No era fácil empezar de nuevo y esperar sonar igual. Ya no existían las mismas relaciones entre nosotros y había más bien una sensación de: “¿Realmente puede estar pasando esto?”.

Hablemos de lo que terminó siendo su primer álbum oficial de larga duración, “A Different Game” de 2011, lanzado por Ripple Music. Al llegar 40 años después, naturalmente es un disco muy diferente: más directo, menos psicodélico y más estructurado dentro del hard rock y el heavy metal. ¿Qué rescatas o valoras personalmente de ese álbum?

Personalmente, quedé decepcionado con el contenido musical. Ripple había dicho que quería un álbum “pesado”, y yo estaba de acuerdo con eso, pero como dices, es un álbum muy diferente al que yo había imaginado. Mi estudio casero se usó durante todo un año, y yo estuve escuchando las canciones durante todo ese año mientras hacía la ingeniería de sonido, así que mi perspectiva es un poco más crítica. Además, resultó que no fue un buen contrato discográfico, lamento decirlo, aunque yo no tuve nada que ver con esa parte de las cosas, aparte de cerrar el contrato. También hubo choques de personalidad entre algunos miembros de la banda, lo cual tampoco ayudó. Como siempre, me tocó a mí resolver las dificultades. Algunas cosas nunca cambian, ni siquiera después de 45 años.

Los dioses escoceses del Proto-Metal 

¿Qué motivó la idea de lanzar un proyecto de covers de Black Sabbath y cómo se dio ese proceso creativo?

Gracias a internet todavía hay cierto interés en Iron Claw. Así que cuando Yunque Records preguntó si existían grabaciones en vivo de Iron Claw de 1970 tocando versiones de Black Sabbath, yo todavía tenía grabaciones de esa época y no tuve problema en aceptar. Como comentario aparte, me divierte que 56 años después incluso bandas locales de Dumfries estén agregando una canción de Sabbath a su repertorio, pensando que son “cool” por versionar a Sabbath. Cincuenta y seis años tarde, desde luego. Hace 30 años los criticaban duramente.

Desde tu perspectiva, ¿qué bandas consideras verdaderas pioneras del llamado “proto-metal”, aparte de ustedes mismos?

Es difícil precisar eso. La música clásica tiene algunos riffs “pesados” brillantes; por ejemplo, “Mars, The Bringer of War” y el final de la “Obertura 1812”. Me gusta todo tipo de música, así que creo que me inclinaré ante el conocimiento de los expertos del “proto-metal”. Diría que Holst y Tchaikovsky, entre otros, fueron quienes comenzaron todo.

Mirando hacia atrás, ¿cómo te gustaría que se recordara el legado de Iron Claw dentro de la historia del heavy metal y el hard rock?

Me parece increíble escuchar a bandas jóvenes tocar canciones de Iron Claw de la primera época, como Blood Ceremony, Sacri Monti, etc. Eso me demuestra que había algo bueno en Iron Claw. Espero que los jóvenes todavía lo escuchen de vez en cuando y lo aprecien. Si puedo usar una frase que escribí en el folleto de Rockadrome que venía con el primer CD: “Los tiempos eran difíciles, el dinero siempre escaseaba, pero a veces la música era trascendental”.

El señor roble Alex Wilson... Próximo a cumplir 80!

¿Algún comentario final para los lectores y los fans de toda la vida de Iron Claw?

Cumpliré 80 años a finales del próximo año, en 2027, y ya no toco en vivo, ni tengo el deseo de hacerlo. Pero adopto la nueva tecnología, que me ha permitido dar vida a letras que escribí entre 1971 y 1985 y que imaginaba como posibles canciones de Iron Claw, incluso después de que nos separamos en 1974. La mayoría eran demasiado pesadas para usarlas en la reencarnación de 2010 y ciertamente tampoco pasaron el filtro a comienzos de los 70. Algunas son bastante autobiográficas, así que las guardé con la esperanza de usarlas algún día. Tengo la intención de lanzarlas pronto en algún formato. Estoy muy feliz de seguir sacando canciones.

Earth The Legendary lost tapes 2025 Video reacción

Esta edición de The Legendary Lost Tapes atribuida a Earth (pre-Black Sabbath) y publicada en 2025 por el sello Loudworks presenta varias señales claras de ser un lanzamiento no oficial. En Discogs aparece catalogada como unofficial release, lo que indica que no cuenta con autorización de los titulares de derechos. Además, detalles como su formato CD-R (según comments en discogs aunque la foto del cd parece injectado) y la falta de número de catálogo refuerzan la sospecha de que se trata de un bootleg moderno basado en grabaciones que llevan décadas circulando de forma informal y que muy pocos han escuchado, hasta este momento. Cabe señalar que el primer manager de Black Sabbtah, Jim Simpson es quien dice tener legalmente el derecho a usar estas grabaciones. Simpson dio a conocer la idea de lanzar este material pocos días después de la muerte de Ozzy, la idea era lanzarlo bajo el nombre The Legendary Lost Tapes como un tributo a los fans, pero, Sharon Osbourne se opuso y da señas de tener a sus abogados como perros rabiosos esperando su señal para que se coman vivo a Jim Simpson. Loudworks, por su parte, es un sello italiano que justifica su legalidad con una supuesta “free copyright law” de San Marino, un argumento común en ediciones de zona gris europea, pero que no garantiza legitimidad internacional ni aprobación de los artistas. Aunque el material tiene valor histórico pues son grabaciones reales de Earth de 1969, algunas jamás escuchadas por muchos (me incluyo) no hay evidencia de la participación de Jim Simpson en esta edición. Con un precio cercano a los 100 dólares, queda la duda de si estas cintas verán alguna vez una publicación oficial.

Earth The Legendary lost tapes 2025 Video reacción

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Voces, egos y demonios: todos los cantantes de Black Sabbath (Artículo)

Voces, egos y demonios: todos los cantantes de Black Sabbath…No cualquiera canta en el infierno… 

Primer mega-post del 2025 y queremos empezar con algo muy especial. La lista (NO)definitva de todos los que reclamaron el trono oscuro del primer nombre oficial del Metal Pesado: BLACK SABBATH. Y como todos saben, la historia vocal de Black Sabbath no es sólo la de Ozzy o Dio. Es una cadena de mutaciones, experimentos, audiciones, invitados y giros inesperados que ayudaron (cada uno a su manera) a moldear el ADN del heavy metal. Mucho se ha escrito y especulado... de algunas cosas hay evidencia, y de otras no; eso es lo que obtienes cuando escudriñas el pasado vocal de los que alguna vez fueron los 4 fantásticos de Birmingham. Supongo que como todo en la vida, hay un periodo de incubación/gestación, otro para brillar como las estrellas, y, como toda estrella, es un sol en llamas, ardiendo y ardiendo hasta que muere. Por eso es mejor iniciar esta velada con sumo cuidado, ya que recorreremos esta senda al infierno que tiene micrófono; y no queremos salir chamuscados.

Cantantes que audicionaron o pasaron por

SABBATH a toda velocidad

En los márgenes, en los recovecos, en las esquinas de los surcos más lejanos, se afilaron las gargantas más distintas, eso sí, todas dispuestas a rechinar el acero del metal pesado. Porque para bien o para mal, en algunos casos, como ya lo veremos, estas voces pasaron o llegaron a BLACK SABBATH en momentos de pura desesperación, incluso algunas veces, cuando el comandante en jefe de los Riffs; era el único marino a bordo del barco que navegaba en la noche oscura hacia una tormenta. Hemos decidido organizar esta lista distinguiendo a los cantantes que audicionaron o pasaron por la banda sin álbum o grabación, tratando de mantener una cronología cuando fue posible y a la vez repasando cantantes en vivo como invitados, como fue el caso de Rob Hlaford o bien cantantes secundarios, hasta llegar a cantantes en álbumes oficiales de Black Sabbath y colaboraciones curiosas. Si tienen algún comentario o información complementaria, por favor dejen sus opiniones/impresiones en la caja de comentarios.

El día que Sabbath casi tuvo a Michael Bolton - 83-84? 

Cuando Ronnie Dio deja el barco a mediados de los 80, y Tony y compañía se dan a la tarea de buscar un nuevo vocalista, fueron coloquialmente bombardeados por decenas de cassettes que llegaban con demos y pruebas de jóvenes cantantes que buscaban la oportunidad de su vida; cantar para los padres del METAL. Aún se cree que la participación del reconocido cantante Michael Bolotin (apellido que utilizó antes de Bolton) es discutible, ya que él mismo lo niega. Michael Bolton tuvo un inicio más roquero al lado de Bruce Kulick (futuro guitarro de Kiss) en la banda con un enfoque más hard rock/AOR melódico: BLACKJACK . No era metal pesado, sino rock más cercano a Foreigner, Journey o Bad Company que a Sabbath. Como lo podrán leer públicamente, en una entrevista al medio mexicano polvora.com en 2023: Bolton dijo que “Contrario al mito urbano, no audicioné para Black Sabbath. Es solo un rumor divertido que se ha esparcido por años. Sin embargo, sí abrí para Ozzy cuando estaba en Blackjack. ¡Era la persona más amable del planeta!”.

Tony Iommi, por su parte, dijo lo contrario en su autobiografía publicada en 2011: “Yo y Geezer, tuvimos que pensarlo bastante” comenta Iommi a propósito de la salida de Ozzy: “Teníamos un millón de cintas que nos habían enviado diferentes cantantes, la mayoría eran horribles”. Continúa el maestro de la púa: “Una de estas era de Michael Bolton. Yo no lo conocía en ese momento. Hicimos que Michael viniera y que cantara “Heaven and Hell”, “War Pigs” y “Neon Knights”. Él era muy bueno, no era lo que estábamos buscando en ese entonces. Cometimos un gran error, cierto? Michael Bolton. Vaya pequeño error. Fue muy difícil encontrar alguien que encajara, que pudiera cantar el material de Ozzy y Dio. Pero un sujeto inesperado acechaba a la vuelta de la esquina, y pronto renaceríamos”. Hoy por hoy, supongo, que la prueba reina sería que apareciera una grabación de dicha audición, ahí veríamos quién dice la verdad, me imagino que Bolton, no quiere ser opacado por esa vieja aventura tratando de cantar para los SABBS y cabe la pregunta, qué gana Tony al inventar algo como eso? Nada, exacto. La polémica sigue servida.

Jeff Fenholt: ¿cantó en Sabbath… o fue un milagro? (1985)

Contrario a la historia de M.Bolton, la historia de Jeff Fenholt es diferente y no es un mito, quizás lo fue en la época, pero hoy en día, cuando coloquialmente ya ha corrido mucha agua bajo ese puente, es una historia confirmada de parte y parte, aunque, con sus diferencias, ya que Fenholt dice haber pasado en la banda al rededor de 6 meses co escribiendo material para Seventh Star, incluyendo la famosa power ballad “No Stranger to Love”, de la que según él, nunca fue acreditado como compositor. Hay que decir que Seventh Star, técnicamente sería el primer disco solista de Tony. BLACK SABBATH oficialmente se había terminado, pero, como era de esperarse, el sello pensó que era económicamente más seguro si lanzaban el disco bajo el nombre que todos conocían, justo como dice el dicho: -ganar mucho y gastar poco, y sin arriesgar nada, podríamos agregar. A continuación conoceremos las dos partes y ya cada cual sacará su conclusión. Fenholt años más tarde actuó en Broadway como Jesucristo Superestrella y se volvería un pastor evangélico y ha renegado de su participación en Sabbath, considerándolo como algo que afectó su digamos “imagen de tele-evangelizador” al estilo Bob Larson o Jimmy Swaggart, al que  Ozzy criticó años después en la canción Miracle Man. El siguiente fragmento lo traduje del website www.black-sabbath.com/ el cual publicó una declaración directa de  Jeff Fenholt sobre su breve estadía junto a Tony y compañía: 

“Tony regresó a Inglaterra por Navidad y luego volvió a grabar en Cherokee Studios en enero del 85. Eric Singer, Geoff Nichols, Copley, Tony y yo grabamos algunos tracks durante dos o tres semanas. Tony, Nichols y yo continuamos en el estudio hasta mediados de mayo. No fue una audición después de que Tony y Don Arden me dieran luz verde en diciembre. Creo que seis meses de audición en un estudio de grabación profesional, me darían una entrada al libro Guinness de los récords mundiales. En cualquier caso, como bien has señalado, mis letras no eran de Sabbath. Simplemente no estaba a la altura como artista. Pero vocalmente funcionaba. De ahí el dilema. En mayo llamé a Larry Mazer para que enviara a mi amigo y productor Jeff Glixman a ayudar. Tony no lo conocía. Contrataron a Glixman y, en lugar de ayudarnos a conseguir un buen letrista tipo Sabbath, empezó a criticarme. "¡vaya traidor!". Me largué. Empecé una gira por Sudamérica en junio del 85. Comenté públicamente, sin pensarlo dos veces, que había dejado las tonterías y que ahora interpretaba música contemporánea religiosa. En aquel momento no me pareció gran cosa, dado que ya había aparecido en la portada de la revista "Time" como el primer rockero en triunfar en Broadway. Tenía mucha publicidad sin estar en BLACK SABBATH. De hecho, la conexión con BLACK SABBATH me perjudicó más de lo que me ayudó en el ámbito religioso. La prensa se hizo eco de la conexión "Sabbath". El lío empezó unos cinco años después, cuando Tony y Terry mintieron y dijeron que no me conocían. Mi historia sigue igual. Las suyas cambiaban constantemente. Larry King nos invitó a Tony y a mí a participar en el programa para aclarar las cosas... Acepté. El productor del programa llamó el día antes para decir que Tony había cancelado.”

Ahora le toca el turno a Tony, esto comentó en su autobiografía al respecto sobre esto y otros detalles: “Yo era el único tipo que quedaba en Black Sabbath y  tuve la idea de hacer este álbum con diferentes cantantes. Hice una lista con gente que quería, como Robert Plant, Rob Halford, David Coverdale y Glenn Hughes, pero resulté abriendo una asquerosa lata con gusanos, al tratar de hacer que alguien cantara en mí disco. Me vi envuelto en todo tipo de cláusulas contractuales, las compañías disqueras no los dejaban participar. -oh no, estamos haciendo un disco y no puedo cantar en el tuyo-. Eventualmente, la idea se desechó y terminé audicionando a este sujeto llamado  Jeff Fenholt. Él fue otro que interpretó el rol principal en el musical de Broadway: Jesus Christ Superstar. Así que tuvimos a Ian Gillan, quien fue el Jesucristo Superestrella original, y ahora teníamos al Jesucristo de Broadway, queriendo unirse a Black Sabbath. Probamos a Jeff y tenía una buena voz. Yo grabé un parte de demos con él en Los Ángeles. Uno de los tracks fue: “Star of India”, que más tarde se convirtió en “Seventh Star”, otro fue “Eye of the Storm”, que terminó en el álbum como “Turn to Stone”, y teníamos una canción que eventualmente se transformó en “Danger Zone”. Y por supuesto que estos demos encontraron la manera de ser editados en un álbum bootleg, lo llamaron “Eight Star” o algo así. Jeff parecía un tipo agradable. Tal vez pudo funcionar con él, aunque no estaba 100 % seguro de que pudiera cantar nuestro material viejo. Pero luego Jeff Glixman llegó a producir el álbum y pensó que lo de Fenholt no estaba funcionando, en términos de grabación, y ese fue el fin de todo. Un poco más tarde  Jeff Fenholt se convirtió en un tele-evangelizador. (...) El New York Times hizo ese reportaje sobre él y Black Sabbath, escribieron que vio la luz y rechazó al mal y todas esas idioteces. Gracias a Fenholt estábamos de regreso en los medios con el royo satánico y empecé a recibir llamadas para ir a Larry King en Vivo y pensé, no voy a involucrarme en eso”. 

El día que Ron Keel rozó el trono (1984)

Otra estrella fugaz que surcó el cielo o noche Sabática fue el cantante y guitarrista norteamericano Ron Keel, mejor conocido por su trabajo junto a bandas  de Heavy Metal Americano como KEEL o STEELER. Su estadía fue más bien breve y tomó lugar tras la salida de Gillan, se le vio ensayando en forma con la banda, como el mismo Iommi lo confirma: “Justo después de que se fue Gillan, nos reunimos con Ozzy una o 2 veces para hablar sobre reunir la vieja banda. Si hubiera sido por nosotros, hubiera pasado. Pero Don no quería nada que ver con Sharon y Sharon nada que ver con Don. Siempre fueron estos estúpidos ’managers’ los que se quejaban de algo que nos impedía hacer lo que queríamos hacer. Nosotros aún necesitábamos un nuevo cantante. Así que estando en LA, Geezer y yo estuvimos escuchando algunas cintas, cajas y cajas de ellas enviadas a nosotros por jóvenes chicos que soñaban con unirse a Black Sabbath. Y este tipo llamado Ron Keel envió una cinta y yo le dije a Geezer: ‘Este sujeto es muy bueno, escuchémoslo. Salimos a cenar y por algunos tragos y en el transcurso de la velada le dije a Ron: ‘hey escuchamos el material que enviaste, le dije que me gustó el 3er track. Y él dijo, -ese no soy yo. Cómo así que no eres tú, es tú cinta. -Yo estoy en el otro lado. Ron tuvo después de todo una carrera más tarde, porque era un buen cantante. Es solo que él no era lo que estábamos buscando en ese momento".  Supongo que así tenían que ser las cosas, o como el mismo Ron lo resume: “cantar con Sabbath fue como entrar a una catedral eléctrica”, y contrario a lo que dice Tony, Keel dice que sí alcanzó a grabar algunos demos: “Fue una experiencia increíble. Estaba en el estudio grabando demos… Spencer Proffer me eligió para la posición vocal en Sabbath, Tony y Geezer escucharon el demo. Firmé un contrato, conocí a su management, pasé días con Tony y Geezer (...Pero) mi tiempo con la banda fue muy corto… el trato se desmoronó cuando Spencer Proffer fue despedido, y yo quedé atrapado en el fuego cruzado”.

Dave Walker: el Sabbath que Ozzy no dejó  ‘77-’78

Y pensar que el Ex-Savoy Brown y Fleetwood Mac, Dave Walker estuvo brevemente en Sabbath, luego de que Ozzy saliera temporalmente entre octubre de 1977 y hasta enero de 1978; cuando Osbourne  vuelve brevemente, luego lo echan como a un perro y él mismo vende su parte del nombre de la banda a Tony. Por suerte, esta participación no es un mito, pues Walker fue inmortalizado en una aparición en BBC Look Hour en la que tocaron una versión temprana de Junior’s Eyes que ha quedado para la posteridad. Digamos que su estilo blues-rock contrastaba con el giro más oscuro del grupo y en las mismas palabras de Walker: “Fue breve, extraño… pero histórico”. 

Black Sabbath - War Pigs intro/Junior's Eyes - FOUND FOOTAGE DAVE WALKER VOCALS - Look! Hear! 1978

David Donato: fotos promocionales en Kerrang! y bye bye ‘84

Se dice que Donato era un sujeto de Los Ángeles que hizo un disco con una poco conocida banda de Hair Metal llamada White Tiger, formada a mediados de los 80 junto a Mark St. John, un futuro ex-KISS. Los White Tiger editaron solo un álbum en 1986, de puro hair metal: riffs melosos, trabajo de coros muy al estilo de producción de la época, aunque algo limitado para el potencial del grupo. Donato en mi opinión aporta una voz potente y limpia, mientras St. John despliega solos veloces y melódicos que se aúnan muy bien al disco. White Tiger no fue a ninguna parte, pero el disco es una curiosidad interesante dentro del hard rock ochentero, con ecos de Dokken y Ratt, si me lo preguntan. Para quienes aman el glam metal de culto, White Tiger es una pieza olvidada pero disfrutable y fue lo que hizo Donato luego de haber intentado ser fichado por la banda más grande de todos los tiempos.

El responsable de esta audición sería el mismo Glenn Hughes quien le ayudó a tener una audición con Tony, todo parecía marchar bien, incluso se tomaron fotos oficiales con David Donato y salió un artículo en la Kerrang Magazine pagado por Don Arden, así lo recuenta Tony, una vez más, en su autobiografía de 2011: “Les dimos a los más prometedores una audición”, comenta Tony a propósito de la complicada búsqueda de un cantante de planta: “Así como a David Donato, a quien le permitimos que se acomodara por algunas semanas. También grabamos un par de tracks con él. Una de las canciones era ‘No way Out’, que después de muchos cambios, se tornó en ‘The Shining’, del álbum Eternal Idol. Diferentes voces, diferentes letras, diferentes arreglos, pero el mismo riff inicial. Dave se veía bien y era un buen sujeto, pero tenía una voz alta un poco extraña. Antes de que lo supiéramos, Don Arden ya tenía a Kerrang! tomando fotos sin si quiera saber que no queríamos hablar de eso en público, pues él (David Donato) no era el definitivo todavía”. Se cuenta que el mismo Bob Ezrin no estaba convencido de que la voz de Donato encajara del todo en Sabbath, luego de casi 6 meses la banda se disuelve temporalmente por problemas legales entre Tony y Geezer, Donato no llegó a tocar con Sabbath, pero sí alcanzó a grabar numeross demos que con los años han aparecido en grabaciones piratas o como bonustracks en las re-ediciones posteriores. En síntesis, llegó a la banda cuando no había contrato discográfico y en palabras de Geezer: “Probamos mucho material… fue un tiempo de búsqueda”. 

Izq a der: Ward,Butler, Donato & Iommi en.... The Thing that Should not be

Cantantes invitados, en vivo o secundarios

Whitefield Crane: Sabbath por una noche (más o menos) ‘97

Este es definitiva una mención honorífica, o un colado; o si se prefiere, un mojado de esos que se cruza el río grande para aspirar al sueño americano. Y es que el viejo Crane, entre otras cosas, es conocido por ser el cantante de UGLY KID JOE y cuentan las malas lenguas que cantó por 32 minutos durante una prueba de sonido, si es que esto cuenta para algunos; pero para mí sí, pues no todos los músicos le podrán contar a sus nietos que prácticamente hicieron un jam con la mitad de Sabbath; si entiendes que Iommi y su Gibson Sg, y Geezer con su  Fender Precision Bass, son matemáticamente el 50% de BLACK SABBATH. En la batería estaba el también Ugly Kid Joe: Shannon Larkin, que también contó con la suerte de unirse al mejor cameo que ha tenido UGLY KID JOE en toda su carrera, será que a nadie se le ocurrió apretar el botón de grabar de la Soundboard? o como son las cosas hoy en línea, quizás esa grabación ya anda por ahí en forma de disco pirata, o en mp3 o youtube. Por ahora, puedo decir que todo ocurrió en NEC Birmingham, Inglaterra, durante la gira del Reunion el 4 de diciembre de 1997, el improvisado JAM SABBATH/UGLY KID JOE incluyó cortes como “Electric Funeral”, “Hand of Doom”, “Heaven and Hell”, “Symptoms of the Universe”, “Snowblind” y “Hole in the Sky”, prácticamente medio set de la banda. Y seguramente, un sueño cumplido para cualquier vocalista o baterista, ya saben niños y niñas, los sueños se cumplen, solo hay que perseguirlos como los perros persiguen a las motocicletas ruidosas.  

Bill Ward: cuando el baterista también canta  ‘76 - ‘78

Aunque es el baterista legendario, cantó en dos temas oficiales: “It’s Alright” y “Swinging the Chain”. La primera una clara referencia a uno de los grupos que más influenció a Ozzy y a Bill Ward: Los Beatles. Y “Swinging the Chain” que marca el cierre de la era clásica de Ozzy en los 70 y a la vez el final de uno de los periodos más turbulentos de la banda. Es también una muestra rara del talento vocal de Ward y un documento del agotamiento interno del grupo. Bill terminó cantando porque esta fue una de las canciones que Ozzy se negaba a cantar. Swinging the Chain hizo parte de sesiones donde el saxofonista Don Airey colaboraba en teclados para el álbum. Aunque no hay saxo en este tema, esas sesiones marcaron el sonido del disco. Para resumir el momento, Ward agregó sobre estas dos canciones que: “eran momentos personales dentro de la tormenta”.

Ice-T y el Sabbath más extraño ‘95

A mediados de los 90, Tony Iommi buscaba refrescar el sonido de Sabbath. El productor elegido fue Ernie C, guitarrista de BODYCOUNT, la banda metal/rap junto al actor y rapero Ice-T. Primero el trabajo fue asignado al mismo Ice T, pero este lo relegó a su compinche de escuela y mejor amigo: Ernie C; quien produjo todo el Forbidden, y como parte de esa colaboración, Ice-T fue invitado a hacer voz hablada y coros en “Illusion of Power”. Canción que abre Forbidden (1995) de la forma más extraña en la historia de Black Sabbath. Aunque, el riff de Tony Iommi es lento, denso y anclado en un doom pesado que recuerda la esencia clásica del grupo. Esta canción podría representar uno de los cruces más curiosos (o parias) entre rap y heavy metal clásico. Tony Iommi más tarde dijo que el álbum no cumplió su visión, aunque respetaba a Ice-T y Ernie C. La producción es seca y polémica, pero la atmósfera funciona al final del día: es opresiva, incómoda y desafiante, muy a pesar de que “Illusion of Power” jamás vaya a ser un clásico, sí es una rareza valiente que muestra a un Black Sabbath intentando dialogar con los años noventa, intentando no perder su identidad (o dignidad) sombría de antaño. 

Rob Halford: Sabbath llamó… y Halford dijo sí ‘92 - ‘04

Finalmente se hizo realidad el que había sido un sueño húmedo de algunos fans que se imaginaban la voz del rey Halford cantando material del viejo Sabbath.  Esto ocurrió por vez primera en Costa Mesa, California en 1992 tras una disputa con DIO. Ronnie abandona una vez más la nave  antes de los shows finales del Dehumanizer, porque no quería abrir para Ozzy, pues se rumoraba el inicio de la gira y álbum de reunión. Tony Iommi llama a Rob Halford prácticamente de emergencia y este se aprende el set de Sabbath en pocos días y la historia se repite de nuevo en Candem Nueva Jersey, en 2004 cuando Ozzy se vio afectado por una bronquitis, antes de un show del Ozzfest. Nuevamente Iommi llama a Halford para salvar la noche. Pero esa vez el clima es distinto: no hay drama, hay camaradería. Halford entra como amigo de la casa y en síntesis en las 2 ocasiones canta con respeto a los temas clásicos, sin imitaciones, usando su potencia operática para elevar obras como “War Pigs”, “Children of the Sea” y “N.I.B.”. Finalmente y en las palabras de Halford: “Fue un honor cantar esas canciones. Son parte del ADN del metal”. 

Cantantes que han grabado álbumes o participaciones con Black Sabbath

Ian Gillan: en el infierno (sin Deep Purple) ‘83 - ‘84

Él, en ese momento Ex–Deep Purple, grabó un disco con la alineación original de Black Sabbath y así al igual que el bebé de la portada, nació Born Again, como un alarido del hijo de satán que se esperaba que creciera, pero nunca creció. Tras la salida de Ronnie James Dio, Tony Iommi y Geezer Butler querían seguir adelante… y terminaron fichando a Gillan, cuya voz y estilo provenían más del hard rock-blues y el grito desgarrado setentero, muy distinto, digamos, al dramatismo épico de Dio. No obstante, “Born Again” es sin dudas un álbum oscuro, denso y a la vez excéntrico. Gillan aportó un tono más salvaje y caótico; sus agudos estridentes contrastaban con los riffs pesados de Iommi. Canciones como “Trashed”, “Disturbing the Priest” y mi favorita: “Zero the Hero” hoy son tema de culto. Naturalmente, el disco fue criticado en su momento, nada raro, pues la prensa no reconoció a Sabbath sino hasta muchas décadas después. No olvidemos que la infame portada y una mezcla muy saturada, no dejó muy bien parado al disco, lo de la portada definitivamente que no lo comparto, pero lo entiendo, dada la época, mientras que lo de la mezcla, sí estoy de acuerdo al 100%. Pues este disco aún sigue esperando un buen remastered con una re-mezcla, de ser posible, ojalá. Por otra parte, durante la gira del Born Again, se escuchó a un Gillan que cantaba tanto clásicos de Sabbath con Ozzy y DIO; pero en el fondo nunca se sintió del todo cómodo cantando esas  letras y temáticas más oscuras o épicas, siempre tuvo problemas recordando las letras, por lo que en el escenario las cambiaba frecuentemente porque se le olvidaban, además, a Gillan le gustaba, como a todos, ejercitar el codo como un cosaco, lo que tampoco ayudaba mucho. La gira fue intensa, con momentos legendarios como el escenario de castillo medieval y el famoso bebé demoníaco gigante… usado para competir con el dragón mecánico gigante de DIO, fue considerado un desastre logístico por la propia banda. Finalmente, Gillan que odiaba el vestuario dramático y una vez apareció en escena con un mono amarillo, regresó a DEEP PURPLE para grabar esa pieza maestra que fue Perfect Strangers (1984) y resume su participación como: “estar en una película surrealista… maravillosa y aterradora a la vez”.

Glenn Hughes: cantó… pero el sello dijo ‘Sabbath ‘85 - ‘86 

Glenn Hughes se unió a Tony para cantar en el que sería su disco solista Seventh Star. Iommi pujó fuerte para que el álbum se llamara Tony Iommi featuring Glenn Hughes, pero la disquera se paró firme en que tenía que salir el nombre BLACK SABBATH en la portada, por lo que el disco se tituló raramente como Black Sabbath Featuring Tony Iommi, como si ya no fuera explícito que Tony es el guitarrista de SABBATH, que loco. Hughes por su parte,  provenía de Deep Purple y era famoso por su mezcla de rock, soul y funk. Iommi lo eligió porque quería una voz más melódica y emocional, distinta a Ozzy/Dio y considero que logró un álbum con una producción muy ochentera, con Hughes aportando un dramatismo vocal en su punto perfecto, incluso, incorporando coros más cercanos al hard rock americano. En síntesis podemos decir que Seventh Star es un álbum emocional, melódico y único en la historia de Sabbath, Iommi ha dicho que mantiene un cariño especial por ese álbum, aunque fue un disco problemático, según da a entender, otra vez, Iommi en su libro: “Glenn Hughes siempre estuvo dentro de mi lista de deseos. Él vino y cantó, y yo pensé, !Diablos, es bueno! Era tan impresionante que pensé que sería grandioso si usaba la voz de Glenn en lo que se llegó a convertir en Seventh Star. Pero era muy difícil trabajar con él. Demonios, él consumía 10 veces más coca que yo”. Mientras que Hughes lo define como “un periodo oscuro… pero también profundamente musical” o mejor, lleno de muchas noches de Snowblind que le terminaron por cobrar factura. 

Ray Gillen: El cantante que llegó antes del contrato‘86 ‘87

Black Sabbath se encontraba en una situación complicada: tensiones internas y presiones del sello iban y venían. Tras la salida de Glenn Hughes durante la gira de Seventh Star, debido al abuso de la cocaína y a un altercado que tuvo con uno de sus guardaespaldas, que le rompió la nariz. Iommi tuvo que lavar la ropa sucia y echar a Hughes para reemplazarlo en medio de la gira del Seventh Star por un completo desconocido de 25 años llamado Ray Gillen, un cantante joven con una voz poderosa, amplia y cargada de matices, claramente influenciada por estilos melódicos del hard rock pero con la fuerza necesaria para sostener el nombre de Sabbath, en ese preciso momento. Poco después, Gillen grabó las versiones iniciales de The Eternal Idol y es mejor que sea el mismo Iommi quien recuerde a los tiempos con Guillen: “Dave Spitz conocía a este joven cantante de una banda de Nueva York. Él era un tipo apuesto con una gran voz. Las chicas lo amaban y cuando él estuvo con nosotros, súbitamente había un resto de chicas viniendo a nuestros shows. (...) Cuando ensayábamos para componer las canciones del Eternal Idol, Ray siempre cantaba de todo, pero cuando se trataba de escribir las canciones, él no salía con muchas letras. Y es difícil especialmente cuando el cantante no puede escribir su propio material. Pero, el peor problema fue que no pudo con el estrellato. Se volvió muy salvaje. Se quedaba en un lujoso apartamento en Mayfair; de repente tenía a todas esas mujeres alrededor y empezó a vivir esa vida al estilo Playboy. Se la pasaba toda la noche bebiendo y se convirtió en otra persona”. Como ya se indicó, la breve estancia de Gillen en Sabbath le dio para participar en las primeras grabaciones de lo que sería “The Eternal Idol”.

Aunque finalmente sus pistas vocales fueron reemplazadas por Tony Martin, los demos con la voz de Gillen circularon inicialmente solo entre coleccionistas y por un tiempo fueron material muy buscado, pues dejan escuchar a un Sabbath en plena transición estética: riffs densos y atmosféricos de Tony Iommi, combinados con una voz más AOR y melódica. La salida de Gillen estuvo marcada por problemas de gestión, diferencias contractuales y la incertidumbre permanente que rodeaba al grupo en esa etapa. Para terminar, debemos recordar que Gillen después encontraría su propio camino con BADLANDS, donde pudo consolidar su estilo y mayor legado junto a otro peso pesado como. Jake E. Lee (ex-Ozzy Osbourne). Ray Gillen se puede decir que consolidó un estilo que mezclaba hard rock clásico, blues y una vibra setentera, se podría pensar "orgánica" para ser de finales de los 80s. BADLANDS lanzaron solo dos álbumes oficiales en vida de Gillen: Badlands (1989) y Voodoo Highway (1991) así como un disco póstumo titulado “Dusk” y publicado en 1998 con demos grabados antes de la disolución del grupo (anotaré esto en mi máquina de escribir invisible para darle un revisada más adelante), que capturan su última etapa creativa. La muerte prematura de Ray Gillen en 1993 a causa de SIDA, truncó una carrera enorme, pero sus discos con Badlands siguen siendo referentes del hard rock con alma bluesera y su paso destellante por el mítico SABBATH, lo seguirá trayendo a la mesa de conversa de cuando en cuando entre los más nerds blacksabáticos. 

Tony Martin: el que sostuvo el infierno cuando Sabbath era demasiado para MTV (1987–1991 / 1993–1996)

Tony Martin en Black Sabbath es una de las más infravaloradas y, a la vez, una de las más sólidas musicalmente hablando. Martin fue cantante de la banda en dos períodos: 1987–1991 y 1993–1996. Grabó cinco álbumes de estudio (siendo el cantante que más discos editó con la banda británica después de O.Osbourne) que mezclan heavy metal tradicional con un aire épico y melódico muy particular. Como ya se señaló antes, originalmente The Eternal Idol tuvo sesiones de grabación con Ray Gillen, pero Tony Martin regrabó todas las voces con el aval supremo de Tony. El disco mantiene el sello oscuro del comandante del riff, pero sin embargo; introduce melodías más limpias y un tono casi gótico y si me lo permiten señalar, con un tono bastante DIONIZADO; pues para nadie es un secreto que el tono vocal de Martin comparte un cercanía vocal particular con el de Ronnie, aunque este último, posee un registro todavía más amplio. En ese sentido, destacan temas como “The Shining” o “Ancient Warrior” y por qué no, este fue un reinicio silencioso para Sabbath, y la reciente re-edición en vinilo y CD de todos los álbumes remasterizados con Tony Martin, comprueba que Martin es el cantante más paciente del metal, Sabbath le debe mucho ya que Martin se quedó cuando nadie más lo hizo, sirvio de timonel de un navio a punto de naufragar. En este mismo orden de ideas Tony recuerda al gran rey silente:

“Para el tiempo en que entramos a Baterry Studios, Ray Guillen, se había ido. Y mi amigo Albert Chapman era su manager y me dijo: ‘ensáyalo, él tiene muy buena voz’. Tony fue al estudio sin que le advirtieran de que cantaría algunas de las canciones que estábamos haciendo con Ray. (...) Lo hizo bastante bien, así que reemplazamos las voces de Ray con las de Tony. (...) Años más tarde en 2010, las voces de Ray salieron a la superficie en la re-edición del Eternal Idol. Decidimos lanzarlo ya que los fans lo han pedido por años. Y luego de todos estos años sirvió también como un homenaje a Ray”. Como bien lo dijo Tony, durante gran parte de los 90, no solo el material con Gillen escaseó, sino con Martin. Muchos de sus discos estuvieron fuera de catálogo, lo que alimentó su condición de “joyas ocultas”. Hoy muchos fans ven esta era como una segunda edad dorada especialmente por los discos “Headless Cross” y “Tyr”, pero, yo le agegaría también al Eternal Idol. Recordemos que Martin no fue solo “otro cantante”: fue el frontman que sostuvo a Sabbath cuando nadie lo hacía. Y como el mismo Martin dijo: “Para muchos, descubrí Sabbath… para otros, fui un paréntesis. Estoy bien con ambas cosas”.

RIP Cozy Powell 

DIO: Más cuernos, menos blues (1979–1982 / 1991–1992)

La llegada de Ronnie James Dio a Black Sabbath en 1979 marcó un antes y un después. Con Ozzy fuera, muchos pensaban que la banda estaba acabada… pero Dio no solo revitalizó al grupo: redefinió el sonido del heavy metal con su voz poderosa, teatral y mística. Muchos fans consideran que Heaven and Hell, considerado uno de los mejores discos junto con Mob Rules, más crudo y pesado, con temas más rápidos que nunca, son todas unas obras maestras del metal pesado de todos los tiempos. A nivel personal, conocí mucha gente que primero se engancharon con SABBATH gracias a DIO y nunca les gustó con OZZY, o algunos, lo re descubrieron años después. Del mismo modo, debemos reconocer que el nivel técnico y vocal de DIO es con creces superior al de Osbourne. Y de una vez por todas, Ronnie James no reemplazó a Ozzy: creó otra identidad para Black Sabbath, demostrando que ahora los 3 fantásticos de la industrializada Birmingham, podían reinventarse sin perder su esencia. “Ronnie estaba dispuesto a hacer algo con nosotros” comenta Tony: “pero no me contacté con él por un rato, ya que aún estábamos en ese estado de confusión respecto a Ozzy. Luego de que él se fue, le dije a Bill y Geezer: ‘por qué no probamos a Ronnie?’ Lo invitamos a la casa y le tocamos Children of The Sea. Y así de la nada Ronnie sacó esa melodía vocal. Nos impresionó demasiado, porque en un solo día pasamos de no tener nada en mucho tiempo a tener una canción inmediatamente. Tocamos un poco de Lady Evil y Ronnie también la cantó al instante. Pensamos… Rayos, tenemos a un ganador”. Para el disco en vivo Live Evil (1982), un documento fundamental donde Dio interpreta tanto su propio material como clásicos de Ozzy. Fue un disco cuya mezcla del álbum provocó tensiones internas, especialmente entre Dio y Iommi/Butler, ya que DIO se metía a escondidas al estudio y alteraba la mezcla, subiendo el volumen de su voz en algunas partes, a espaldas de la banda, lo que llevó a su salida. Asimismo, el Live Evil fue un álbum lanzado por la discográfica para competir con el también disco en vivo Speak of the Devil (1982), en el que Ozzy descarga un disco doble con clásicos en vivo de su antigua banda. Una década después DIO regresa y lanzan  Dehumanizer (1992). Un disco oscuro, moderno y denso, con letras que critican la manipulación mediática y tecnológica. Destacan “TV Crimes”, “I”, “After All (The Dead)”. Es uno de los discos más pesados de Sabbath. Pero, de nuevo, las tensiones no tardaron en regresar durante la gira de ese álbum, especialmente con el regreso inminente de Ozzy para dar algunos shows limitados con la alineación original. Dio con su gran ego, atrapado en un cuerpo de enano (como pensaría o diría el gánster de Don Arden), se marchó nuevamente, para nunca regresar, o bueno, lo hizo en otra forma llamada Heaven & Hell, en 2006, un hell-team conformado por Iommi,  Butler, Dio y Appice que deciden reunirse, ahora bajo el rótulo de Heaven & Hel, todo para evitar comparaciones con Sabbath y respetar ambas etapas o por qué no, para evitar algún lío legal con Sharon Osbourne. En 2009 salió The Devil You Know un álbum oscuro, lento y que debo repasar en un futuro cercano, necesito el vinilo. Finalmente, Heaven & Hell giró con gran éxito hasta que Dio falleció en 2010 por cáncer de estómago, dejando un legado gigantesco e imborrable.

Ozzy Osbourne: el loco que lo empezó todo (1968–1977 / 1997–2017)

Ozzy Osbourne es la voz fundacional de Black Sabbath y una de las figuras más influyentes en la historia del heavy metal. Entre 1969 y 1978, su estilo vocal limitado técnicamente, pero cargado de una desbordada e irrepetible personalidad; fue clave para definir el sonido oscuro, opresivo y casi hipnótico de discos como Black Sabbath, Paranoid y Master of Reality, este último, considerado un álbum seminal del metal pesado. Recordemos rápidamente que Tony Iommi tras perder las falanges de dos dedos de la mano izquierda en un accidente industrial, tuvo que reinventar su forma de tocar la guitarra. Para reducir el dolor y la tensión, lejos de rendirse, Iommi fabricó prótesis caseras con plástico derretido y cuero, pero aun así tocar resultaba doloroso. Para reducir la tensión en los dedos, tomó dos decisiones cruciales: usar cuerdas más delgadas y, sobre todo, bajar la afinación de la guitarra (primero a Mí bemol y luego hasta Do sostenido en algunos discos como el Master of Reality). Tony se alejó del blues rock tradicional y creó riffs lentos, pesados y sombríos, influenciados por el entorno industrial de Birmingham. Sin buscarlo, esa adaptación técnica dio origen a un nuevo lenguaje musical y sentó las bases del heavy metal. Por lo que el gran Ozzy no cantaba “sobre” la música: flotaba dentro de los riffs de Tony Iommi, convirtiéndose en un narrador de pesadillas urbanas, guerra, locura y paranoia. Y como ya seguramente el lector lo podrá imaginar, tras su salida de Sabbath, el grupo exploró caminos más técnicos y épicos con cantantes como Ronnie James Dio, Ian Gillan y Tony Martin, todos vocalmente superiores en rango y control. Sin embargo, en mi humilde opinión, ninguno logró replicar la identidad visceral que Ozzy imprimía a las canciones. Dio llevó al grupo a la fantasía heroica; Gillan aportó caos y teatralidad; Martin refinó el dramatismo. Ozzy, en cambio, representaba lo humano y lo vulnerable frente al horror. Su regreso definitivo con Sabbath culminó en 2013 con el disco 13, un álbum que, sin reinventar el género, recuperó la atmósfera densa y primitiva de los primeros años, demostrando que su voz seguía siendo inseparable del ADN de la banda. Ozzy Osbourne es considerado uno de los grandes cantantes del heavy metal no por virtuosismo, sino porque su voz creó un arquetipo. Sin Ozzy, el heavy metal tal como lo conocemos; simplemente no existiría. Punto final.

Cabalgando el caballo blanco, justo como Crowley