DEAD HEART Psycho-punkathrashabilly directed from Colombus Ohio (INTERVIEW)

Dead Heart burst onto the Columbus scene in 2025 with Burning From Within, a visceral debut that fuses raw punk, psychobilly upright bass, and DIY energy into a blast built for sweat-soaked underground stages. From their improvised early rehearsals to the creation of tracks like “Choking” and the dark “Nosferatu,” the band has forged a sound of its own—one that rejects traditional labels and prioritizes live intensity above all. With deep roots in punk, hardcore, metal, and kindred genres, the trio steers clear of uniforms and aesthetic clichés, favoring honest, defiant chaos over spectacle. In this interview with their drummer, Charlie Taylor III, we explore their genesis, creative process, life on the road (including a Motörhead tribute project Charlie is part of), and where Dead Heart is headed as they continue expanding their singular vision of countercultural rock.

What inspired you to form Dead Heart in Columbus back in 2025?

I have known John from the Columbus punk scene and saw a post on Facebook looking for a drummer for a psychobilly band. I had never tried playing that style because I came from the d-beat crust hardcore punk and thrash metal scene, so I was up for a challenge …. The day we all got together was magic. It was the first day that I met David on guitar player and I had never played with either of them before. As soon as we started playing it was like effortless and we came up with two songs. It was amazing. We had all the songs for the first record within 7 practices.

How did your previous bands influence thesound you’re exploring now? I knowyou’ve been involved in several projects, such as Laid to Rest, Lethal Aggression, and two spectacular tribute bands dedicated to Celtic Frost and Death.

Actually, I have been in hardcore, punk, and metal bands since the late 80s. The energy and aggression is definitely there. We are kind of like the Dead Kennedys and the Ramones smashing into the Stray Cats.

I’ve also noticed that you play bass, butyou also sing. What does it feel like to facethe audience from the singer’s perspective, and how does that compare to being behind the drums?

I have played bass in bands and sang in bands, but in Dead Heart I and solely behind the drums. I did not want to be up in the front anymore. I decided about 15 years ago that I was going to only play drums in whatever bands I am in, so when John contacted me about playing and said he and David would be up front, I was very happy.

Your record Burning From Within feelsboth aggressive and deeply emotional. What themes were you trying to express on this album?

This is a question for John to answer as he comes up with the lyrics if I had to say, the lyrics are about reflections on past relationships, narcissistic exes, and vampires of the psychic and of the supernatural.

Psychobilly is known for blending punk and rockabilly with horror imagery and counterculture attitude. How do you seeDead Heart’s approach fitting into that tradition, whether lyrically, musically, Or aesthetically?

Dead Heart is not a traditional psychobilly band. We do use elements of punk and horror and we do have a stand up bass but our lyrical content differs from the normal and we don’t wear the fancy typical psychobilly uniforms We are just three dudes in street clothes that come to kick ass on stage . I would like to describe the band as psycho-punkathrashabilly.

How did the recording process at VaughnMusic Studios shape the final sound of the album? Were there any memorable moments during those sessions?

We had an incredible time from the moment we brought our gear in until the final day of mixing. Vaughn music studios is a very professional studio with an incredibly welcoming and comfortable environment. Matt Hagberg our engineer was amazing about getting us the sounds and feelings on the album the way we wanted. There were plenty of awesome moments in the studio too many to even get into. There were many laughs.

Which song on Burning From Within do youfeel best represents Dead Heart’s identity, and why?

I think the album as a whole is an accurate representation of our identity as a band. It is full of great music and great energy.

I also heard you started a MOTÖRHEAD tribute band; are you still doing that? What other band would you like to pay tribute to someday?

Yes, I also play in a Motörhead tribute called Fast & Loose. We also play shows. We are currently up to about 125 Motörhead songs in our catalog. That is my side band.

What would be your best response to critics of tribute bands? Some people see them as a way of making money off other artists’ music. Personally, I don’t mind as long as the tribute band captures the spiritand sound of the original.

The way I see it, bands like Motörhead that don’t exist anymore wouldn’t exist anymore if there weren’t any tribute bands to keep their music alive in a live setting. What I mean by that is we try to keep the music alive and that spirit alive, yes we get paid to do it but we only make enough money to get back home. I don’t look at it as making a living off of other people’s music or else I would be more money, hungry. I don’t give a shit about money. I’m not doing the Motörhead tribute so that I can live. That’s what a job is for. That’s why I work a regular job playing in a tribute band is a hobby and it’s for fun overall. Once it becomes not fun anymore, I will stop doing it plain and simple right now. Dead heart is my number one priority band.

Columbus has a vibrant but undergroundmusic scene. How has the local scene supported or challenged the band’s growth?

Columbus’s music scene is very different from the way it was 31 years ago when I first moved here. It is not really supportive now.. bands have their own little groups that they gel with and if you don’t belong to their group of friends they won’t support you..a lot of people in the underground scene here in Columbus Ohio go to shows to be seen and not to be a scene .. everywhere outside of our own area we get good turn outs but here we get no respect… that will change with our next record.

What are your top five bands from Columbus, past or present, that our readers should check out?

Presently in Columbus I would have to say Coxey’s Army (street punk), Prime Directive ( punk), Hell is Here(d-beat crust) , Breath of Sarin (metallic hardcore), and our garage a billy brothers whom with we share a guitarist, Feral Housecats. There’s a couple other bands that deserve mentioning. the Broken Barcodes( punk) , Angry Cougars(punk) , Feed us Snacks ( punk). We also have a killer death metal band in town called Church that recently got signed to Ablated records as well as Another band in town called sanguisugabogg.

Your lineup includes members with backgrounds in punk, hardcore, and psychobilly. How do those different musical histories come together when writing new material?

I don’t know how to explain it, John comes to practice with ideas already manifested and shows us the way he wrote the riffs for the songs which already have lyrics, and then David and I bastardize it, and it ends up being the final result, which is totally different than the original idea that he came into the rehearsal studio with. That’s it.

I’ve heard Dead Heart shows are known for their raw live energy. How does performing live influence the way you write or play music?

I think when we write songs, they just come out exactly how they would translate live, performing live doesn’t influence the way we write.

What’s next for Dead Heart? A second LP, touring plans, or any new creative directions?

We are about nine songs into the writing process for the next record, there will definitely be more Records because we don’t ever stop writing. We have several shows booked and a mini tour of the northeast United States coming up in July 2026. I will keep you informed on when the next record will be released.

Thanks so much for your time, Charlie. One last question: if you could ask Lemmy toplay one final Motörhead song, which one would it be—and why?

That’s a tough one, but I think I would pick “Back at the funny farm” because it’s one of my favorite songs off of my absolute favorite motorhead album. Another perfect day.

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DEAD HEART Psychobilly que arde desde adentro... Entrevista

Dead Heart irrumpió en la escena de Columbus en 2025 con Burning From Within, un debut visceral que fusiona punk crudo, contrabajo psicobilly y energía DIY en una descarga hecha para sudorosos escenarios underground. Desde sus inicios improvisados en ensayos hasta la creación de temas como “Choking” y el oscuro “Nosferatu”, la banda ha forjado un sonido propio que rechaza etiquetas tradicionales y prioriza la intensidad en vivo. Con raíces profundas en el punk, hardcore, metal y géneros hermanos, el trío rehúye uniformes y clichés estéticos, prefiriendo el desorden honesto y desafiante sobre el espectáculo. En esta entrevista con su baterista Charlie Taylor III, exploramos su génesis, proceso creativo, vida en la carretera (incluido un tributo a Motörhead en el que participa Charlie) y hacia dónde se dirige Dead Heart mientras continúan expandiendo su particular visión del rock contracultural. 

¿Qué te inspiró a formar Dead Heart en Columbus en 2025?

Conozco a John de la escena punk de Columbus y vi una publicación en Facebook donde buscaban baterista para una banda de psychobilly. Nunca había intentado tocar ese estilo porque venía del d-beat crust hardcore punk y el thrash metal, así que lo vi como un reto. El día que nos reunimos fue mágico. Era la primera vez que conocía a David, el guitarrista, y nunca había tocado con ninguno de los dos. En cuanto empezamos a tocar todo fluyó sin esfuerzo y compusimos dos canciones. Fue increíble. Tuvimos todas las canciones del primer disco en apenas siete ensayos.

¿Cómo influyeron tus bandas anteriores en el sonido que exploras ahora? Sabemos que has participado en proyectos como Laid to Rest, Lethal Aggression y tributos a Celtic Frost y Death.

He estado en bandas de hardcore, punk y metal desde finales de los 80. Esa energía y agresividad definitivamente siguen ahí. Somos como Dead Kennedys y Ramones chocando contra Stray Cats.

También tocas el bajo y cantas. ¿Cómo se siente estar al frente del público como vocalista en comparación con estar detrás de la batería?

He tocado bajo y he cantado en otras bandas, pero en Dead Heart estoy únicamente detrás de la batería. Ya no quería estar al frente. Hace unos 15 años decidí que solo tocaría batería en cualquier banda en la que estuviera. Cuando John me dijo que él y David estarían al frente, fui muy feliz.

Burning From Within se siente agresivo pero también muy emocional. ¿Qué temas intentaban expresar en el álbum?

Esa pregunta debería responderla John, ya que él escribe las letras. Pero si tuviera que decir algo, diría que hablan sobre reflexiones de relaciones pasadas, ex parejas narcisistas y vampiros, tanto psíquicos como sobrenaturales.

El psychobilly mezcla punk y rockabilly con imaginería de horror y actitud contracultural. ¿Cómo encaja Dead Heart en esa tradición?

Dead Heart no es una banda de psychobilly tradicional. Usamos elementos del punk y el horror y tenemos contrabajo, pero nuestras letras son diferentes y no usamos los típicos uniformes del género. Somos solo tres tipos en ropa de calle que van a patear traseros en el escenario. Me gusta describirnos como psycho-punk-thrashabilly.

¿Cómo influyó la grabación en Vaughn Music Studios en el sonido final del disco?

La pasamos increíble desde que metimos el equipo hasta el último día de mezcla. Es un estudio muy profesional y acogedor. Nuestro ingeniero, Matt Hagberg, fue increíble capturando exactamente los sonidos y sensaciones que queríamos. Hubo muchísimos momentos memorables y muchas risas.

¿Qué canción del álbum representa mejor la identidad de la banda?

Creo que el disco completo representa nuestra identidad. Está lleno de buena música y gran energía.

También estás en una banda tributo a Motörhead. ¿Sigues activo con ese proyecto?

Sí, toco en un tributo llamado Fast & Loose. Ya tenemos alrededor de 125 canciones en nuestro repertorio. Es mi proyecto alterno.

¿Qué respondes a quienes critican las bandas tributo?

Mientras capturen el espíritu y sonido original, no tengo problema. Bandas como Motörhead, que ya no existen, siguen vivas gracias a los tributos en el escenario. Sí, nos pagan, pero solo lo suficiente para regresar a casa. No vivo de eso. Tengo un trabajo regular. Es un hobby y es por diversión. Cuando deje de ser divertido, lo dejaré. Dead Heart es mi prioridad.

¿Cómo ha apoyado o desafiado la escena local de Columbus el crecimiento de la banda?

La escena es muy distinta a como era hace 31 años cuando me mudé aquí. No es muy solidaria ahora. Hay pequeños grupos cerrados y si no perteneces a ellos no te apoyan. Mucha gente va a los shows para ser vista, no para ser parte de la escena. Fuera de nuestra ciudad tenemos buenos públicos; aquí no recibimos mucho respeto. Eso cambiará con el próximo disco.

¿Cinco bandas de Columbus que recomiendes?

Coxey’s Army (street punk)

Prime Directive (punk)

Hell Is Here (d-beat crust)

Breath of Sarin (metallic hardcore)

Feral Housecats (garage-a-billy)

También: The Broken Barcodes, Angry Cougars, Feed Us Snacks, Church (death metal) y Sanguisugabogg.

¿Cómo se combinan sus distintas influencias al componer?

John llega con ideas ya estructuradas y con letras. Luego David y yo las “bastardizamos” y terminan siendo algo totalmente distinto a la idea original.

Sus shows son conocidos por su energía cruda. ¿Eso influye en cómo escriben?

Las canciones ya nacen como sonarían en vivo. Tocar en vivo no influye en la escritura.

¿Qué sigue para Dead Heart?

Estamos trabajando en nueve canciones para el próximo disco. Nunca dejamos de escribir. Tenemos varios shows y una mini gira por el noreste de Estados Unidos en julio de 2026.

Si pudieras pedirle a Lemmy que tocara una última canción, ¿cuál sería?

“Back at the Funny Farm”, porque es una de mis favoritas de mi álbum favorito de Motörhead, Another Perfect Day.

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VOIDHÄMMER Harmful emissions from L.A. sewers - INTERVIEW

In a scene saturated with digital slickness and recycled discourse, VOIDHÄMMER emerges like a toxic discharge that asks for no permission and offers no explanations. This trio distills primitive death metal, grind, and punk rawness with the same natural ease with which the world decomposes day by day. Their demo/EP Noxious Emissions doesn’t aim to please: it sounds like an industrial sewer, like urban rage, like riffs oozing with decay. Music made for sick times, without romanticism or posturing. 

Your demo: Noxious Emissions, sounds like a tractor driving into a crematorium and scattering corpses everywhere. What exactly were you guys trying to achieve with these four tracks, or are you folks just trying to destroy eardrums for sport?

When we started writing for Noxious Emissions; the focus was on making something concise and punishing. We wanted to distill all the styles we liked and attempt to put them together. Our writing process was very collaborative, we would propose riff ideas and slowly bring them to life over the course of multiple practices. 

The album cover or titles like Rotting in Excrement or Coffin Leakage looks like you'd make your grandma throw up. Is there some morbid story behind those names, or did they just get carried away with the chaos?

When writing the lyrics we wanted to be as gross as possible. The writing duties were split between the two of us. 

How often do you discuss in the studio whether a riff should sound more “apocalyptic” or more “apocalyptic with disgust”? Or has that never even crossed your minds?

I think when we were writing the riffs we definetley wanted to  have a sense of urgency. 

If you had to describe your music to someone who only listens to elevator music, would it be easier to invent a new religion or just blast Noxious Emissions?

VH: I would probably just show them and let them créate their own assumptions. I rather let someone hear it raw witthout tying any sort of genre or “sounds like” to sway them.

What was the most "wtf" moment during the recording of this demo? Did someone smash their guitar, the drumheads, or something more crazy than calling your band Voidhämmer?

Recording was pretty disciplined nothing crazy happened. 

Read a review EP Noxious Emissions- Caligari Records 2026

 Caligari specializes in tapes, is there any chance of your album being released in another format? Like vinyl or CDs?

We’ve been kicking around the idea of doing a 7 inch but nothing set in stone at the moment.

If the world really were to end tomorrow, which song from Noxious Emissions would be the last soundtrack before everything collapses?

I think it would be Phosphorized or Coffin Leakage.

What's next for Voidhämmer? Do you already have material for a full-length album, or will you continue working hard on the demo tracks and writing material for your debut?|

We’re already writing for a full length. Any future shows we play from here on out Will have new songs that haven’t been recorded. Look forward to sharing the new tracks.

Listen to the EP Noxious Emissions (2026)

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Dead Heart - Burning From Within (2025)

Burning From Within de DEAD HEART es una descarga cruda e implacable de psychobilly empapado en punk; cuya energía underground nos golpea desde Columbus, Ohio, con 10 canciones grabadas, mezcladas y masterizadas en Vaughn Music Studios durante el verano de 2025, este álbum debut de larga duración captura a una banda que es, en partes iguales, furia escupida a quemarropa y groove punky retorcido.

Destacamos a temas como “Choking” y el track homónimo “Dead Heart”; exhiben una ejecución poderosa y una lírica sin disculpas, con la sección rítmica anclando cada pieza en un latido palpitante de desafío. “Nosferatu”, por su parte se inclina hacia una estética de horror gótico, que suele ser sinónimo del género, ya que el sonido se sitúa firmemente en la intersección entre la agresividad sin filtros del punk rock y el impulso rítmico marcado por el contrabajo característico del psychobilly.

Pero lo más convincente de Burning From Within es su sentido de propósito: la ética DIY del trío y su interpretación cruda; entrega una experiencia visceral que parece hecha para escenarios en vivo y recintos sudorosos. Aunque profundamente arraigada en las tradiciones del punk y el psychobilly, como ya se dijo antes. 

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VOIDHÄMMER Emisiones nocivas desde las alcantarillas de L.A. - ENTREVISTA

En una escena saturada de pulcritud digital y discursos reciclados, VOIDHÄMMER surge como una descarga tóxica que no pide permiso ni ofrece explicaciones. Este trío destila death metal primitivo, grind y crudeza punk con la misma naturalidad con la que el mundo se descompone a diario. Su demo/EP Noxious Emissions no busca agradar: suena a cloaca industrial, a rabia urbana y a riffs que rezuman descomposición. Música hecha para tiempos enfermos, sin romanticismo ni postureo. Hablamos con VOIHÄMMER sobre ruido, podredumbre, humor negro y el placer de sonar tan desagradables como honestos. 

Su demo: Noxious Emissions suena como un tractor entrando en un crematorio y esparciendo cadáveres por todas partes. ¿Qué estaban intentando lograr exactamente con estos cuatro temas, o simplemente están tratando de destruir tímpanos por deporte?

Cuando empezamos a escribir para Noxious Emissions, el enfoque era hacer algo conciso y demoledor. Queríamos destilar todos los estilos que nos gustaban e intentar unirlos. Nuestro proceso de composición fue muy colaborativo: proponíamos ideas de riffs y poco a poco las llevábamos a la vida a lo largo de varios ensayos.

La portada del álbum o títulos como Rotting in Excrement o Coffin Leakage parecen hechos para hacer vomitar a tu abuela. ¿Hay alguna historia mórbida detrás de esos nombres o simplemente se dejaron llevar por el caos?

Cuando escribimos las letras queríamos ser lo más asquerosos posible. Las tareas de composición se dividieron entre los dos.

¿Con qué frecuencia discuten en el estudio si un riff debería sonar más “apocalíptico” o más “apocalíptico con asco”? ¿O eso nunca se les ha pasado por la cabeza?

Creo que cuando estábamos escribiendo los riffs definitivamente queríamos que tuvieran una sensación de urgencia.

Si tuvieran que describir su música a alguien que solo escucha música de ascensor, ¿sería más fácil inventar una nueva religión o simplemente ponerle Noxious Emissions a todo volumen?

Probablemente solo se la mostraría y dejaría que saquen sus propias conclusiones. Prefiero que alguien la escuche en crudo, sin encasillarla en ningún género ni compararla con algo para no influir en su percepción.

¿Cuál fue el momento más “¿qué demonios?” durante la grabación de este demo? ¿Alguien rompió su guitarra, los parches de la batería o algo más loco que llamar a la banda Voidhämmer?

La grabación fue bastante disciplinada, no pasó nada fuera de lo común.

Caligari se especializa en cintas, ¿hay alguna posibilidad de que su álbum sea lanzado en otro formato? ¿Quizás vinilo o CD?

Hemos estado considerando la idea de hacer un 7 pulgadas, pero nada está confirmado por el momento.

Si el mundo realmente se acabara mañana, ¿qué canción de Noxious Emissions sería la última banda sonora antes de que todo colapse?

Creo que sería Phosphorized o Coffin Leakage.

Leer Review del  E P Noxious Emissions- Caligari Records 2026

¿Qué sigue para Voidhämmer? ¿Ya tienen material para un álbum de larga duración o seguirán trabajando en los temas del demo y escribiendo material para su debut?

Ya estamos escribiendo para un álbum completo. En cualquier show futuro que toquemos de ahora en adelante habrá canciones nuevas que aún no han sido grabadas. Estamos ansiosos por compartir los nuevos temas.

Escuchar EP Noxious Emissions (2026)

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DEADWOOD: Making deathcore angry again with Rituals of a Dying Light - Interview

 

Forged in the isolation of the COVID-19 pandemic, Montreal-based band Deadwood has quickly emerged as a ruthless force in modern extreme music. Blending death metal brutality, hardcore aggression, and a contemporary deathcore edge, the band has built a sound designed to unsettle, overwhelm, and leave no room for compromise. With their latest EP, Rituals of a Dying Light, Deadwood delivers a crushing and technically precise statement that has earned widespread critical acclaim. As they continue to conquer stages across North America and prepare for their first European tour in 2026, Deadwood stands firm on their mission: Make Deathcore Angry Again.

Deadwood was formed during the shadow of the COVID-19 pandemic in 2020. How did that moment in time shape the band’s mindset, sound, and overall intensity? 

At that point, we just wanted to make internet music again! Nothing serious, just me and Derek! No pretensions. But we wanted it to be violent.

Rituals of a Dying Light has been widely praised for its brutality and technical precision. What was the main artistic goal behind this EP, and how does it differ from Nemesis and Inhuman?

With the addition of a lead guitar, which we didn't have at the time, and with me evolving as a musician, I wanted something violent, technical, and very heavy! We are heavily influenced by Meshuggah and bands like Whitechapel and Lorna Shore. We've increased the speed, the type of riffs, and the structures! This means that we are now more of a technical deathcore band.

DEADWOOD - HERETIC [OFFICIAL MUSIC VIDEO] (2025) SW EXCLUSIVE

Many reviewers highlight the balance between death metal, hardcore, and deathcore in your sound. How do you approach blending these styles without losing aggression or identity? 

We all work together, we have many influences, which means we explore many styles, but we all have the same goal: Make deathcore angry again. Our next compositions will be even faster, more technical, and heavier!

Your lyrics and atmospheres draw from dark historical events, such as the Salem witch trials and Jack the Ripper. What attracts you to these themes, and how do they influence your songwriting? 

We are fans of horror movies; we love the gloomy atmosphere they create! There's nothing better than suspense, anxiety, and stress in a movie! So we try to include it in our songs! 

The band’s motto, “Make Deathcore Angry Again,” really stands out. What does that phrase mean to Deadwood in today’s metal scene? 

Too many deathcore bands are straying from the true concept of deathcore! We are influenced by the Myspace era! Deathcore is meant to be scary, and we want to restore its prestige.

With members coming from bands like Ion Dissonance, The Plasmarifle, and Dismayd, how do your individual backgrounds contribute to Deadwood’s chemistry and songwriting process? 

I come from the famous Myspace era with Despised Icon, Beneath the Massacre, Ion Dissonance, etc.! The other members are younger and some are older, so our influences come from everywhere: Ozzy, Suffocation, etc.!

Read review - spanish writen

Deadwood has built a reputation for an intense live presence, touring Japan, the U.S., and major festivals like Inkcarceration. How important is the live experience compared to studio recordings for the band?

Our live performances truly reflect what Deadwood is capable of! We have worked hard on our live sound, and when you see Deadwood live, it gets under your skin! Intensity is the name of the game! After a show, we are exhausted and satisfied! 

You’re currently touring Canada and preparing for your first European run in 2026. What can fans expect next from Deadwood after Rituals of a Dying Light?

We're going on tour with Florida death metal legends Monstrosity! This is a first for a band that didn't want to play shows at first! We are very grateful for what's happening to us and we're going to make deathcore angry again all over Europe!!

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Pre order:  https://innerstrengthrecords.bandcamp.com/album/deadwood-rituals-of-a-dying-light

website: https://deadwoodmetal.com/ 

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Backengrillen - Backengrillen 2026 - Svart Recs

Oriundos de Umeå, Suecia, tierra de hielo y furia, emerge BACKENGRILLEN: un cuarteto que convierte el caos en arte. Su debut homónimo, editado el 23 de enero de 2026 por Svart Records, es una proclamación de destrucción auditiva, un experimento que toma riffs de death/doom y noise rock para triturarlos hasta que pierden sentido, y luego los despedaza como una bestia hambrienta sobre su presa.

La historia detrás del disco es tan visceral como su sonido: escrito un jueves durante el primer ensayo, tocado en vivo el viernes y grabado el sábado. Lo que escuchamos es puro instinto, música cruda y "estúpida" en el mejor sentido, ejecutada por veteranos de Refused, TEXT, INVSN, Fire Orchestra, The International Noise Conspiracy y más. Dennis Lyxzén escupe voces y efectos, Mats Gustafsson incendia con saxos y electrónica, Magnus Flagge sostiene el bajo como un martillo, y David Sandström golpea la batería con violencia ritual.

Backengrillen es antifascista, antirracista y profundamente libre. Su propuesta evoca influencias que van desde Albert Ayler a Entombed o Siege, de John Zorn hasta Fantomas. Canciones demenciales de más de 10 minutos, que vibran como 2 locomotoras a punto de chocar entre ellas. Un nuevo lenguaje de energía y fealdad hermosa se escucha en este debut. No se pierdan en abril de este 2026 el Roadburn Festival (quienes vivan en Europa o puedan viajar) será testigo de este viaje auditivo en vivo y en directo. 

LINKS DE INTERÉS:

Backengrillen: Backengrillen (LP/CD)

https://www.svartrecords.com/en/product/backengrillen-backengrillen/13936

Backengrillen: Backengrillen (Digital)

https://backengrillen.bandcamp.com/album/backengrillen-2

DEADWOOD: Haciendo al deathcore enojar de nuevo con Rituals of a Dying Light - Entrevista

Forjada en el aislamiento de la pandemia de COVID-19, la banda de Montreal Deadwood ha surgido rápidamente como una fuerza implacable en la música extrema moderna. Combinando la brutalidad del death metal, la agresión del hardcore y un matiz contemporáneo de deathcore, la banda ha construido un sonido diseñado para inquietar, abrumar y no dejar espacio para concesiones. Con su último EP, Rituals of a Dying Light, Deadwood ofrece una declaración aplastante y técnicamente precisa que ha recibido elogios generalizados de la crítica. La siguiente es una entrevista con Fred Element, guitarrista y miembro fundador. DEADWOOD, continúan conquistando escenarios por toda Norteamérica y se preparan para su primera gira europea en 2026, mantiéndose firmes en su misión: Hacer que el deathcore vuelva a estar enojado.

Deadwood se formó durante la sombra de la pandemia de COVID-19 en 2020. ¿Cómo moldeó ese momento en el tiempo la mentalidad, el sonido y la intensidad general de la banda? 

En ese momento, solo queríamos hacer música para internet otra vez. Nada serio, ¡solo yo y Derek! Sin pretensiones. Pero queríamos que fuera violenta.

Rituals of a Dying Light ha sido ampliamente elogiado por su brutalidad y precisión técnica. ¿Cuál fue el objetivo artístico principal detrás de este EP y en qué se diferencia de Nemesis e Inhuman? 

Con la incorporación de una guitarra solista, que no teníamos en ese momento, y con mi evolución como músico, quería algo violento, técnico y muy pesado. Estamos fuertemente influenciados por Meshuggah y bandas como Whitechapel y Lorna Shore. ¡Hemos aumentado la velocidad, el tipo de riffs y las estructuras! ¡Esto significa que ahora somos más que una banda de deathcore técnico.

DEADWOOD - HERETIC [OFFICIAL MUSIC VIDEO] (2025) SW EXCLUSIVE

Muchos críticos destacan el equilibrio entre death metal, hardcore y deathcore en su sonido. ¿Cómo abordan la mezcla de estos estilos sin perder agresión o identidad? 

Todos trabajamos juntos, tenemos muchas influencias, lo que significa que exploramos muchos estilos, pero todos tenemos el mismo objetivo: hacer que el deathcore vuelva a sonar enojado. ¡Nuestras próximas composiciones serán aún más rápidas, más técnicas y más pesadas!

Sus letras y atmósferas se inspiran en eventos históricos oscuros, como los juicios de brujas de Salem y Jack el Destripador. ¿Qué les atrae de estos temas y cómo influyen en su composición? 

Somos fans de las películas de terror; ¡nos encanta la atmósfera sombría que crean! ¡No hay nada mejor que el suspenso, la ansiedad y el estrés en una película! Así que tratamos de incluirlo en nuestras canciones.

El lema de la banda, “Make Deathcore Angry Again”, realmente destaca. ¿Qué significa esa frase para Deadwood en la escena metalera actual? ¡Demasiadas bandas de deathcore se están desviando del concepto verdadero del deathcore! ¡Estamos influenciados por la era de Myspace! El deathcore está pensado para dar miedo, y queremos restaurar su prestigio.

Leer reseña

Con miembros procedentes de bandas como Ion Dissonance, The Plasmarifle y Dismayd, ¿cómo contribuyen sus antecedentes individuales a la química y al proceso de composición de Deadwood? 

¡Vengo de la famosa era de Myspace con Despised Icon, Beneath the Massacre, Ion Dissonance, etc.! Los otros miembros son más jóvenes y algunos son mayores, así que nuestras influencias vienen de todas partes: ¡Ozzy, Suffocation, etc.!

Deadwood ha construido una reputación por una presencia en vivo intensa, girando por Japón, EE. UU. y festivales importantes como Inkcarceration. ¿Qué tan importante es la experiencia en vivo en comparación con las grabaciones de estudio para la banda? 

¡Nuestras presentaciones en vivo reflejan verdaderamente de lo que Deadwood es capaz! Hemos trabajado mucho en nuestro sonido en vivo, y cuando ves a Deadwood en directo, ¡te llega al alma! ¡La intensidad es la clave! Después de un show, estamos exhaustos y satisfechos.

Actualmente están de gira por Canadá y se preparan para su primera visita a Europa en 2026. ¿Qué puede esperar la gente de Deadwood después de Rituals of a Dying Light? 

¡Nos vamos de gira con las leyendas del death metal de Florida, Monstrosity! ¡Esto es un primer paso para una banda que al principio no quería tocar en directo! Estamos muy agradecidos por lo que nos está pasando y ¡vamos a hacer que el deathcore vuelva a estar enojado por toda Europa!

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Sitio web oficial: https://deadwoodmetal.com/ 

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Sobre el editor de este Blog....

ESPAÑOL

Jorge A. Trejos I. es egresado del programa de LCIE de la U.T.P y se ha desempeñado por más de una 15 años como periodista cultural, investigador independiente y redactor especializado en expresiones artísticas y contraculturales. Su trabajo se ha enfocado principalmente en la música extrema, el cine de culto y de terror, así como en temáticas marginales y subterráneas que históricamente han contado con escasa difusión en los medios tradicionales.

Sus textos (entre reseñas, artículos, crónicas y entrevistas)  han sido publicados en diversos medios impresos y digitales de Colombia y el extranjero, como el Diario del Otún de Pereira (edición impresa), Miedo Fanzine (Chile), el portal web The Breathless Sleep (España/RIP), la revista bogotana Léase a Plena Noche, El Laberinto del Minotauro, Portafolio Cultural (Pereira), Dargedik Rock Metal Webzine (Perú), Asphyxium Zine (USA), así como los fanzines Ultracaverna (Bucaramanga) y Midnight Funeral Fanzine, publicación en la que actualmente participa como coeditor.

En 2008 fundó el fanzine impreso BLEEDING NOISE (Ruido Sangriento), un proyecto editorial independiente concebido como un espacio de resistencia cultural y archivo alternativo. Desde allí abordó temas que van desde el rock duro y el metal pesado hasta el cine de culto, el horror, la estética gore y el análisis crítico de fenómenos criminales en Colombia. El proyecto logró publicar 6 números impresos (actualmente agotados) y una edición especial de 350 páginas que incluyó la autoproducción del libro de periodismo investigativo y true crime Charles Manson: El Antihéroe de las Mil Caras (2014), obra de su autoría que actualmente se encuentra en proceso de segunda edición.

De manera paralela, Trejos ha participado en otros proyectos independientes como el fanzine ecológico Sharks And Shit (actualmente en producción), enfocado en la divulgación y conservación de tiburones, así como en el programa radial Legión Extrema, el colectivo El Sótano Magazine, Otro Pvto Podcast espacio de conversación crítica sobre música, cine y cultura underground que se difunde a través del canal de Youtube B.N.Fanzine TV.. Fue precisamente su interés por el cine de serie B lo llevó además a crear y coordinar el Cineclub Cinexkrúpulos en la U.T.P. entre 2010 y 2015, desde donde promovió ciclos de cine, talleres de lenguaje audiovisual y charlas magistrales con invitados especializados en cine, literatura, música y diversas manifestaciones culturales.

INGLÉS

Jorge A. Trejos I. is a graduate of the LCIE program at U.T.P. and has worked for more than 15 years as a cultural journalist, independent researcher, and writer specialized in artistic and countercultural expressions. His work has focused primarily on extreme music, cult and horror cinema, as well as marginal and underground topics that have historically received little exposure in mainstream media.

His texts (including reviews, articles, chronicles, and interviews) have been published in various print and digital media in Colombia and abroad, such as Diario del Otún of Pereira (print edition), Miedo Fanzine (Chile), the website The Breathless Sleep (Spain/RIP), the Bogotá-based magazine Léase a Plena Noche, El Laberinto del Minotauro, Portafolio Cultural (Pereira), Dargedik Rock Metal Webzine (Peru), Asphyxium Zine (USA), as well as the fanzines Ultracaverna (Bucaramanga) and Midnight Funeral Fanzine, where he currently serves as co-editor.

In 2008, he founded the printed fanzine BLEEDING NOISE (Ruido Sangriento), an independent editorial project conceived as a space for cultural resistance and alternative archiving. Through this platform, he covered topics ranging from hard rock and heavy metal to cult cinema, horror, gore aesthetics, and the critical analysis of criminal phenomena in Colombia. The project published six print issues (currently sold out) and a special 350-page edition that included the self-produced investigative journalism and true crime book Charles Manson: The Antihero of a Thousand Faces (2014), authored by him and currently undergoing a second edition process.

At the same time, Trejos has participated in other independent projects such as the ecological fanzine Sharks And Shit (currently in production), focused on shark awareness and conservation, as well as the radio program Legión Extrema (2009-2011), the collective El Sótano Magazine, and Otro Pvto Podcast, a space for critical discussion about music, film, and underground culture broadcast through the YouTube channel B.N. Fanzine TV. It was precisely his interest in B-movies that also led him to create and coordinate the Cineclub Cinexkrúpulos at U.T.P. between 2010 and 2015, where he promoted film cycles, audiovisual language workshops, and master talks with guests specialized in cinema, literature, music, and various cultural expressions.

ORCHID THRONE Buried in black soil... INTERVIEW

For years, the name Nick Bonsanto has been linked to different projects within the subterranean metal scene, always in the background, always serving a collective vision. With Orchid Throne, that quiet journey finally finds its own voice. Buried in Black is not only a solo debut, but the materialization of ideas, emotions, and obsessions accumulated over more than a decade, now exposed without filters or concessions. Built entirely by Bonsanto (from composition to final production), the album moves between the heaviness of melodic doom metal and a deep emotional weight marked by anxiety, depression, and the search for meaning in a hostile world. There is no artifice or posturing: every note seems to emerge from an intimate, almost therapeutic process. Orchid Throne does not aim to reinvent the genre, but rather to inhabit it with honesty, allowing what was buried in darkness to finally see the light.

After nearly 17 years playing in different bands, Orchid Throne marks your first step as a solo artist. What finally pushed you to say, “now is the time to do my own thing”?

Thanks for taking the time to interview me, I really appreciate it! As for what pushed me to finally make my solo project, I suppose it's something I’ve wanted to do all along since I began my musical journey but the biggest thing holding me back was money, knowledge, and the ability to do so. This particular idea for a doom metal band started nearly a decade ago, and took shape as Orchid Throne a few years later. I always played guitar and other instruments at home and recorded ideas I liked but had no use for in my bands. I had an outline for the ideas that would be the basis of Orchid Throne and I held onto that dream for many years. I really wanted to see if I could even do it at all, so I jumped in a little over a year ago, amassing whatever tools I needed to make it happen and learning as I went.  With no one to stop me, I worked pretty quickly and had a ton of fun doing so, even if it was pretty scary too. I love playing in bands, but it always feels like it's someone else’s vision, mainly because I played bass or drums. I just really wanted to express myself and knew I couldn’t wait forever. It was very rewarding and I am excited to create more and I couldn’t be more proud of myself for not only seeing it through but making it as good as it is on my own. I’m honestly pretty surprised, hahaha.”

Buried in Black is entirely your work: songwriting, performances, production, mixing, and mastering. What was the biggest challenge of handling every aspect yourself, and what did the process teach you about your own limits and strengths?

I think the hardest aspects were the musical production parts. Feeling happy with a mix is difficult, the constant checking and comparing, the endless tweaks and hours spent just to completely rethink and rework it. It took forever and I just kept learning new tips and tricks as I went. I have tremendous respect for producers who make all these great sounding records we love. I have always been passionate about making music myself but I wasn’t sure I could ever do it, I just knew I had to try. Besides the producing, I would say the vocals were another great challenge. I sing in my car but never recorded my vocals. It was very hard to be satisfied with my own voice and I thought many people wouldn’t like it., but I knew I had to express my honest self and I had to do it. I didn’t even know I could do the harsh vocals until I started laying this stuff down. I just gave it my all and tried over and over until I was happy with the result. I hope as I make more I continue to improve on vocals, producing, everything. The fact people are liking my voice is the most surprising factor to me and I am very relieved! 

The title Buried in Black suggests emotions kept hidden for years. Do you feel this album closes a chapter in your life, or does it open a completely new creative path?

I haven’t really considered that, but you are spot on about the meaning of the title. I would say it's both. It does feel like I finally “got something off my chest” so to speak and proved I could present myself with a dream, a challenge, and achieve it. That door is closed now, I am happy to be on this ride now and it was difficult to say what I said on the album. However, I do see the open door before me, with Orchid Throne now established, I cannot wait to present more of my ideas, which there are numerous, and release more albums. It feels like the first step on a great, long, adventure. I already know there are more styles I want to explore and there’s more I wanna say.

Listen to the whole damn album.... Doom on!!!!

Bands like Swallow the Sun, Anathema, Woods of Ypres, and Draconian are often mentioned as reference points. What elements do you draw from these influences, and what do you feel sets Orchid Throne apart?

I’m glad that several reviews I got seemed to sum these up fairly well and captured what I was going for. I would say I was after the weight and power of a band like Swallow the Sun, the raw, open, honesty of Woods of Ypres, the emotional, tearjerking power of Anathema and the melodic metal sound of a band like Draconian. There are obviously tons of influences for me but those begin to paint a picture of my mindset for the project. Doom is not just a sound, it's a feeling, I was aiming to capture sadness, honesty, bleakness, and this is my vehicle for driving home an emotional record like this. What sets Orchid Throne apart, however, is that I don’t think it sounds like any one of those bands. When it's all put together I think it just sounds like me and that was another big goal of mine, not to make the same records we have already heard, but a new voice within a beloved scene of mine that people can hopefully resonate with.

You’ve mentioned collecting musical ideas and recordings for over a decade. Are there any songs on the album that originated from those early sketches and now carry special significance?

Yes, definitely! Guilt is the oldest piece on the record that is almost completely untouched from its original state from over a decade ago. It was an improvisation while I was in the throes of those feelings. The song is about that, I added the vocals and embellishments during the recording process. Breath of Autumn is also about as old, something I’ve been playing for so long and I knew I wanted it to be a segue into a bigger song. Besides those, there are a few riffs scattered throughout the album that are made up from little phone recordings I’ve kept and during the recording I would find new things to get from one point to the next. They definitely hold huge significance to me especially now, I think it's really cool that Guilt is getting so much love because I have believed in that idea for a song for soooo long, it's hard to believe.

Musically, the album balances crushing doom heaviness with melodic and emotional passages. How do you approach that balance without losing the atmosphere or emotional weight?

I think it comes naturally from the influences I draw from. I know what I’m after from my music and I suppose I just don’t think much about it. My main concern is, okay I’m saying this right now, this is what’s happening lyrically so how do I express that? Or if the riff comes first I think about what the music is making me feel. My goal is to make it musically cohesive, to tell a story, to present a feeling and get the message across. I love all kinds of music and I don’t feel I need to limit myself too much to get my goals across. Atmosphere is important in the stuff I like and a lot of that comes from layering and keyboards, sometimes I’m just playing a synth part that you feel more than hear or add vocals that sound far away which I think is all part of that emotional vision I had for the record. I suppose the balance is hard but I don’t think of it much, people will love or hate it, some of my favorite bands I know someone else hates and vice versa. I don’t aim to please everyone, I aim to make what I wanna hear and I trust my tastes and vision to guide me.

Orchid Throne exists as a one-man project, a format increasingly common in extreme metal. Does working alone allow for a level of honesty or vulnerability that might be harder to achieve in a full band?

Oh absolutely, I think so! This stuff is very “me” and it can be a hard sell working with others especially when I don’t want to compromise on where the music needs to go for the message I am conveying. Also, with no one to edit me, you can hear all my ideas, all of my maybe weirder approaches can’t be tampered down with a “what about this instead?” there is no appeasing anyone but myself and it also means the workflow goes faster. But I do still second guess everything constantly, it's hard to wear all the hats and be honest with yourself at the same time haha.

The use of flute on tracks like “Breath of Autumn” and “With Promise” adds a unique emotional texture. How did the idea to include flute come about, and what does it contribute to the album’s atmosphere?

Flute is an instrument I have always loved. Both of my older sisters were great flautists but I could never play it myself despite trying. Autumn or Fall was a central theme to the record and to me the flute and acoustic represents that vibe to me. I wanted to take someone to a solemn fall day, I think it makes things feel folkier and thus more natural. The flute is great for taking a melody and I love the texture it added to the record. On Moonlight Revelry I actually play all of those instruments in the intro, but the actual concert flute was done by Mary Beck on the last two tracks, I knew I couldn’t get that expressive and consistent for those songs and I didn’t want it to sound silly. Mary is a really great flautist and I’m happy to have her on this record which was something I wanted from the onset.

Thanks for your time… One last question: Buried in Black is your introduction to the world as a solo artist. Looking ahead, do you see Orchid Throne remaining a studio-focused project, or do you envision bringing it to the live stage?

Orchid Throne will remain a solo studio project but I am not opposed to bringing others in, possibly for production or guest spots or collaborations in the future. I have been getting asked this a lot and I feel that I would absolutely love to assemble a live band to bring the show to life. I can see it in my mind and it would be yet another huge milestone and defining moment in my life, so I will say, while there are no current plans to do so, I will absolutely consider it and make an attempt if I see a path. It would be amazing! I have never been a lead singer for a band and I would really love to try it. I have many ideas for a live Orchid Throne show but we’ll just have to see if it manifests. Thank you so much for this interview, it has been lovely and I appreciate you taking this time with me to spread the word of Orchid Throne! Keep up the great work, thank you!

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ORCHID THRONE Enterrado en tierra negra... ENTREVISTA

Durante años, el nombre de Nick Bonsanto ha aparecido ligado a distintos proyectos dentro del metal, siempre desde un segundo plano, siempre al servicio de una visión colectiva. Con Orchid Throne, ese recorrido silencioso encuentra finalmente su propia voz. Buried in Black no es solo un debut en solitario, sino la materialización de ideas, emociones y obsesiones acumuladas durante más de una década, ahora expuestas sin filtros ni concesiones. Construido íntegramente por Bonsanto (desde la composición hasta la producción final), el álbum se mueve entre la pesadez del doom metal melódico y una profunda carga emocional marcada por la ansiedad, la depresión y la búsqueda de sentido en un mundo hostil. No hay artificio ni pose: cada nota parece surgir de un proceso íntimo, casi terapéutico. Orchid Throne no pretende reinventar el género, pero sí habitarlo con honestidad, dejando que aquello que estuvo enterrado en la oscuridad, por fin, vea la luz.

Después de casi 17 años tocando en diferentes bandas, Orchid Throne marca tu primer paso como artista solista. ¿Qué fue lo que finalmente te empujó a decir “ahora es el momento de hacer lo mío”?

¡Gracias por tomarte el tiempo de entrevistarme, de verdad lo aprecio mucho! En cuanto a lo que me impulsó a finalmente hacer mi proyecto solista, supongo que es algo que siempre quise hacer desde que comencé mi camino musical, pero lo que más me frenaba era el dinero, el conocimiento y la capacidad real de llevarlo a cabo. Esta idea en particular para una banda de doom metal comenzó hace casi una década y tomó forma como Orchid Throne algunos años después. Siempre tocaba guitarra y otros instrumentos en casa y grababa ideas que me gustaban pero que no tenían lugar en mis bandas. Tenía un esquema de ideas que serían la base de Orchid Throne y me aferré a ese sueño durante muchos años. Realmente quería ver si siquiera podía hacerlo, así que hace poco más de un año me lancé, reuní las herramientas necesarias y fui aprendiendo sobre la marcha. Al no tener a nadie que me detuviera, trabajé bastante rápido y me divertí muchísimo, aunque también fue bastante aterrador. Amo tocar en bandas, pero siempre sentía que era la visión de otra persona, principalmente porque tocaba el bajo o la batería. Realmente quería expresarme y sabía que no podía esperar para siempre. Fue muy gratificante, estoy emocionado por crear más, y no podría estar más orgulloso de mí mismo por no solo haberlo terminado, sino por haberlo hecho tan bien completamente por mi cuenta. Honestamente, estoy bastante sorprendido, jajaja.

Buried in Black es completamente tu trabajo: composición, interpretación, producción, mezcla y masterización. ¿Cuál fue el mayor desafío de encargarte de todo tú mismo y qué te enseñó el proceso sobre tus propios límites y fortalezas?

Creo que las partes más difíciles fueron las relacionadas con la producción musical. Sentirse satisfecho con una mezcla es muy complicado: la revisión y comparación constantes, los ajustes interminables y las horas dedicadas solo para luego replantearlo todo y rehacerlo. Tomó muchísimo tiempo, y seguía aprendiendo nuevos trucos y consejos a medida que avanzaba. Tengo un enorme respeto por los productores que crean esos discos con un sonido increíble que tanto amamos. Siempre he sido un apasionado de hacer música, pero no estaba seguro de si realmente podía hacerlo todo por mi cuenta; solo sabía que tenía que intentarlo. Además de la producción, diría que las voces fueron otro gran desafío. Canto en el coche, pero nunca había grabado voces. Fue muy difícil quedar satisfecho con mi propia voz y pensaba que a mucha gente no le iba a gustar, pero sabía que tenía que expresarme con honestidad. Ni siquiera sabía que podía hacer voces agresivas hasta que empecé a grabar este material. Simplemente lo di todo y lo intenté una y otra vez hasta quedar conforme con el resultado. Espero que, a medida que siga creando, continúe mejorando en las voces, la producción, en todo. El hecho de que a la gente le esté gustando mi voz es lo más sorprendente para mí, ¡y me deja muy aliviado!

El título Buried in Black sugiere emociones mantenidas ocultas durante años. ¿Sientes que este álbum cierra un capítulo de tu vida o abre un camino creativo completamente nuevo?

No lo había pensado de esa manera, pero has dado justo en el clavo con el significado del título. Diría que es ambas cosas. Se siente como si finalmente me hubiera “quitado un peso de encima” y hubiera demostrado que podía enfrentar un sueño, un desafío, y lograrlo. Ese capítulo está cerrado ahora, estoy feliz de estar en este camino, y fue difícil decir lo que dije en el álbum. Sin embargo, también veo una puerta abierta frente a mí. Con Orchid Throne ya establecido, no puedo esperar para presentar más ideas (que son muchas) y lanzar más álbumes. Se siente como el primer paso de una gran y larga aventura. Ya sé que hay más estilos que quiero explorar y más cosas que quiero decir.

Escucha todo el maldito álbum.... Doom on!!!!

Bandas como Swallow the Sun, Anathema, Woods of Ypres y Draconian suelen mencionarse como referencias. ¿Qué elementos tomas de estas influencias y qué crees que diferencia a Orchid Throne?

Me alegra que varias reseñas hayan resumido bastante bien estas influencias y hayan captado lo que estaba buscando. Diría que me interesaba el peso y la potencia de una banda como Swallow the Sun, la honestidad cruda y abierta de Woods of Ypres, la fuerza emocional y desgarradora de Anathema, y el sonido melódico del metal de Draconian. Obviamente tengo muchísimas influencias, pero esas ayudan a pintar una imagen de mi mentalidad para este proyecto. El doom no es solo un sonido, es un sentimiento. Mi objetivo era capturar tristeza, honestidad y desolación, y este proyecto es el vehículo para transmitir un disco tan emocional como este. Lo que distingue a Orchid Throne, sin embargo, es que no creo que suene como ninguna de esas bandas en particular. Cuando todo se une, creo que simplemente suena a mí, y ese era otro de mis grandes objetivos: no hacer los mismos discos que ya hemos escuchado, sino aportar una nueva voz dentro de una escena que amo y con la que espero que la gente pueda identificarse.

Has mencionado que llevas más de una década recopilando ideas musicales y grabaciones. ¿Hay canciones del álbum que se originaron en esos primeros bocetos y que ahora tengan un significado especial?

Sí, definitivamente. Guilt es la pieza más antigua del disco y está casi completamente intacta desde su estado original de hace más de una década. Fue una improvisación hecha en medio de esas emociones. La canción trata justamente de eso; añadí las voces y algunos adornos durante el proceso de grabación. Breath of Autumn también es muy antigua, algo que he tocado durante muchísimo tiempo y que siempre supe que quería usar como transición hacia una canción más grande. Además de esas, hay varios riffs repartidos por el álbum que provienen de pequeñas grabaciones en el teléfono que fui guardando, y durante la grabación fui encontrando nuevas formas de conectar una parte con otra. Todas tienen un enorme significado para mí, especialmente ahora. Me parece increíble que Guilt esté recibiendo tanto cariño, porque creí en esa idea de canción durante tantísimo tiempo que cuesta creerlo.

Musicalmente, el álbum equilibra una pesadez doom aplastante con pasajes melódicos y emocionales. ¿Cómo logras ese equilibrio sin perder la atmósfera ni el peso emocional?

Creo que surge de forma natural a partir de mis influencias. Sé lo que busco en mi música y supongo que no lo pienso demasiado. Mi principal preocupación es: “esto es lo que estoy diciendo ahora, esto es lo que ocurre a nivel lírico, ¿cómo lo expreso musicalmente?”. O, si el riff aparece primero, pienso en lo que la música me hace sentir. Mi objetivo es que sea cohesivo, contar una historia, transmitir una sensación y hacer llegar el mensaje. Me encanta todo tipo de música y no siento que deba limitarme demasiado para lograrlo. La atmósfera es muy importante para mí, y gran parte de eso viene de las capas y los teclados; a veces es un sintetizador que se siente más de lo que se oye, o voces que suenan lejanas. Todo eso forma parte de la visión emocional que tenía para el disco. El equilibrio puede ser difícil, pero no le doy demasiadas vueltas. A la gente le gustará o no, y está bien. Algunas de mis bandas favoritas sé que a otras personas les disgustan, y viceversa. No intento complacer a todo el mundo; intento hacer la música que quiero escuchar y confiar en mi gusto y mi visión.

Orchid Throne existe como un proyecto de una sola persona, un formato cada vez más común en el metal extremo. ¿Trabajar en solitario permite un nivel de honestidad o vulnerabilidad que sería más difícil de lograr en una banda completa?

Oh, absolutamente. Este proyecto es muy “yo”, y puede ser complicado trabajar con otros cuando no quieres comprometer hacia dónde debe ir la música para transmitir el mensaje que buscas. Además, al no haber nadie que me edite, se escuchan todas mis ideas; incluso los enfoques más extraños no se suavizan con un “¿y si hacemos esto en su lugar?”. No tengo que complacer a nadie más que a mí mismo, y eso también hace que el flujo de trabajo sea más rápido. Eso sí, sigo dudando de todo constantemente. Es difícil llevar todos los sombreros y ser honesto contigo mismo al mismo tiempo, jaja.

El uso de la flauta en temas como “Breath of Autumn” y “With Promise” aporta una textura emocional única. ¿Cómo surgió la idea de incluirla y qué aporta a la atmósfera del álbum?

La flauta es un instrumento que siempre me ha encantado. Mis dos hermanas mayores son excelentes flautistas, pero yo nunca pude tocarla bien a pesar de intentarlo. El otoño fue un tema central del disco, y para mí la flauta y lo acústico representan perfectamente esa vibra. Quería transportar a la gente a un día otoñal solemne; creo que le da un aire más folk y, por lo tanto, más natural. La flauta es genial para llevar una melodía, y me encanta la textura que aporta al disco. En Moonlight Revelry toco yo mismo todos los instrumentos de la introducción, pero la flauta de concierto en los dos últimos temas fue interpretada por Mary Beck. Sabía que no podía lograr ese nivel de expresividad y consistencia para esas canciones y no quería que sonara forzado. Mary es una flautista increíble y estoy muy feliz de contar con ella en este disco; era algo que quería desde el inicio.

Para terminar: Buried in Black es tu presentación al mundo como artista solista. Mirando hacia el futuro, ¿ves a Orchid Throne como un proyecto centrado en el estudio o imaginas llevarlo al escenario?

Orchid Throne seguirá siendo un proyecto solista de estudio, aunque no me cierro a incluir a otros en el futuro, ya sea para producción, colaboraciones o apariciones especiales. Me preguntan mucho por los conciertos, y sinceramente me encantaría formar una banda en vivo para dar vida al proyecto. Puedo verlo en mi mente y sería otro gran hito y momento definitorio en mi vida. Así que, aunque actualmente no hay planes concretos, definitivamente lo consideraré e intentaré hacerlo si veo un camino posible. ¡Sería increíble! Nunca he sido el cantante principal de una banda y realmente me gustaría probarlo. Tengo muchas ideas para un show en vivo de Orchid Throne, pero habrá que ver si se materializa. Muchas gracias por esta entrevista, ha sido un placer. Aprecio mucho que te hayas tomado el tiempo para ayudar a difundir Orchid Throne. ¡Sigan con el gran trabajo, gracias! 

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